Dokumentalny - Gatunki

Ogólne cechy filmów dokumentalnych

Filmy dokumentalne to filmy, które rejestrują i twórczo przetwarzają rzeczywistość. Uchwycenie rzeczywistości odróżnia je od filmów fabularnych czy animowanych. Film dokumentalny jest zatem gatunkiem non-fiction, którego początki sięgają tego samego czasu, co pojawienie się kina jako takiego, tj. końca XIX wieku. Na przestrzeni lat film dokumentalny nieustannie ewoluował, dostosowując się do rozwoju technologii i technik filmowych, zawsze odzwierciedlając swoją teraźniejszość, dzięki czemu historia filmu dokumentalnego jest historią zmian w ludzkim społeczeństwie. Ponadto filmy dokumentalne pełnią funkcję edukacyjną, ponieważ dostarczają widzom informacji na różne tematy, wydarzenia i idee, poszerzając w ten sposób ich horyzonty, a także funkcję wychowawczą, ponieważ pozwalają widzom rozwinąć wrażliwość i empatię wobec przedstawianych tematów lub ludzkiego życia. Ponadto, wkład filmów dokumentalnych polega między innymi na tym, że otwierają one ważne kwestie i zachowują je dla przyszłych pokoleń, zwracają uwagę na problemy na świecie, rzucają światło na konkretne aspekty dokumentowanych kwestii, a także mogą służyć jako forma świadectwa, proklamacji lub pracy śledczej.

Filmy dokumentalne opierają się na uchwyceniu prawdziwych wydarzeń, które są przedstawiane z perspektywy autora dokumentu i ewentualnie uzupełniane autentycznymi świadectwami lub komentarzami wyjaśniającymi lub informacyjnymi, które nie mogą błędnie interpretować uchwyconych wydarzeń. Dokument ma moc wpływania na poglądy ludzi na pewne tematy i ich postrzeganie świata, a twórcy filmów dokumentalnych są etycznie odpowiedzialni za treść swojej pracy, która może stać się manipulacyjna lub propagandowa, jeśli jej obiektywność zostanie naruszona. Jednak pewne zniekształcenia rzeczywistości mogą również wystąpić nieumyślnie, na przykład poprzez użycie montażu, wyrwanie z kontekstu, niewystarczające odzwierciedlenie różnic kulturowych lub współczesnych lub obecność wielu niezamierzonych interpretacji. Punkt widzenia filmowca jest reprezentowany przez kamerę, która oprócz mocy obserwacji ma również moc komunikacji. Co więcej, obrazowi mogą towarzyszyć autentyczne dźwięki (w filmie dokumentalnym dźwięk jest zwykle rejestrowany kontaktowo), pogłębiające doświadczenie tego, co widzimy.

Rodzaje i podgatunki filmów dokumentalnych

Najpopularniejszym typem dokumentu jest tzw. dokument objaśniający, który prezentuje informacje i przedstawia rzeczywistość bezpośrednio widzowi, wykorzystując oprócz obrazu głos narratora. Szczególnie powszechne są dokumenty objaśniające o tematyce historycznej, wojennej lub przyrodniczej. W przypadku niektórych prawdziwych wydarzeń historycznych (np. tych, które są retrospektywnie potępiane przez społeczeństwo), dokument często zawiera wskazanie stanowiska autora na dany temat, tak jak w dokumentach zajmujących się pilnymi kwestiami środowiskowymi. Opisując wydarzenia, dla których nie ma współczesnego materiału filmowego, można go zastąpić fikcyjną rekonstrukcją dokumentalną. W dokumentach biograficznych, które tradycyjnie odkrywają historie osób publicznych, współczesny materiał filmowy odgrywa ważną rolę, a komentarz narracyjny może również zastąpić lub uzupełnić zeznania świadków. Z drugiej strony, tak zwane dokumenty obserwacyjne, które uznają uchwycony materiał audiowizualny za wystarczająco elokwentny i samowyjaśniający się, aby nie musiał mu towarzyszyć inny głos interpretacyjny, który niepotrzebnie zakłócałby odbiór filmu przez widza, zwykle obywają się bez komentarza narracyjnego.

Archiwizacja dokumentów rozkwitła w latach 50. i 60. ubiegłego wieku. Amerykańscy filmowcy opracowali metodę „Direct Cinema”, która opierała się na nagrywaniu trwającego wydarzenia, w tym autentycznych zeznań świadków, przy minimalnej interwencji reżysera, podczas gdy w Europie zapanował ruch „Cinéma vérité”, który różnił się stopniem interwencji dokumentalisty, który wykorzystywał kamerę i własny wpływ do stymulowania sytuacji dyskusyjnych. Pod tym względem ten rodzaj dokumentu znajduje się na granicy dokumentu uczestniczącego, w którym dokumentalista może nawet zaangażować się w filmowane wydarzenie i tym samym stać się jego głównym bohaterem - ale w takim przypadku jego celem zwykle nie jest już obiektywne uchwycenie rzeczywistości, ale raczej w sposób zabarwiony emocjonalnie i zgodnie z własnymi przekonaniami. Do tego typu dokumentów zaliczają się te kręcone z własnego punktu widzenia, w których ich autorzy poruszają zazwyczaj bardziej osobiste tematy, czy też dokumenty autorefleksyjne, w których oprócz przedstawienia danego zagadnienia, uchwycony zostaje również sam proces filmowania. Z kolei dokumenty poklatkowe najczęściej skupiają się na obserwacji konkretnej osoby (lub kilku osób), których prawdziwe życie i życiowe przemiany są następnie przedstawiane w dłuższym okresie czasu, w którym miało miejsce filmowanie.

Nagrania wydarzeń sportowych, koncertów muzycznych lub sesji filmowych, tak zwane filmy o filmie, są również uważane za filmy dokumentalne. Historia naturalna oraz tematy społeczne i kulturowe łączone są w filmach podróżniczych, których celem jest przybliżenie różnych egzotycznych lub atrakcyjnych turystycznie miejsc. Niektóre filmy dokumentalne pełnią funkcję atrakcyjną, inne służą jako forma protestu lub wyrażenia opinii lub punktu widzenia, podczas gdy inne ujawniają różne sprawy polityczne, a tym samym służą do zaprezentowania ambitnej pracy śledczej. Niektórzy filmowcy traktują dokumenty jako narzędzie poetyckie, przekazując nowe spojrzenie na świat nie poprzez postawy i opinie, ale poprzez estetycznie wyjątkowe traktowanie go, osiągnięte na przykład dzięki pracy kamery, montażowi lub animacji. Z kolei telewizyjne filmy dokumentalne kładą nacisk raczej na informacyjność niż na formę artystyczną, przez co bardziej przypominają reportaże i inne prace dziennikarskie.

Ponadto na przestrzeni lat rozwinęły się różne hybrydowe formy dokumentu, których przedstawiciele mieszają fakty z fikcją. Najpopularniejsze pod tym względem są docu-fictions, czyli dokumenty zawierające fikcyjne lub inscenizowane fragmenty, oraz docu-dramas, składające się z fikcyjnych rekonstrukcji prawdziwych wydarzeń sfilmowanych przy użyciu technik dokumentalnych. Szczególną kategorią są tzw. mockumentaries (lub docu-comedies), które również są kręcone jak zwykłe dokumenty, ale ich treść jest całkowicie fikcyjna, wymyślona. Tak zwane pseudo-dokumenty również nie są oparte na rzeczywistości, ale w przeciwieństwie do mockumentów, zwykle nie są tworzone w celach komediowych. Pseudo-dokumenty są również bliskie filmom mondo, wyzyskującym dokumentom poruszającym różne szokujące, tabu i kontrowersyjne tematy, dla których przyjęło się również określenie „shockumentary”. Termin „found footage” jest używany do opisania filmów fabularnych, które są przedstawiane jako prawdziwe relacje z wydarzeń, często podszywające się pod nie i sfilmowane przez amatorskich filmowców lub kamery bezpieczeństwa. Ich przeciwieństwem są filmy „fake-fiction”, które z kolei prezentują prawdziwy materiał dokumentalny w formie filmu fabularnego, nadając mu w ten sposób autentyczny wygląd.

 

Bracia Lumière i inne wczesne filmy dokumentalne ery kina niemego

Fotografie były prekursorem filmu dokumentalnego, a jeszcze starsze sposoby uchwycenia rzeczywistości obejmowały obrazy, rzeźby i inne dzieła sztuki. Kinetoskop, urządzenie umożliwiające oglądanie ruchomych obrazów, został opatentowany przez Thomasa Edisona, którego wynalezienie kamery filmowej zainspirowało braci Louis i Auguste Lumière, pierwszych reżyserów filmowych, do stworzenia kinematografu. Ponadto ich urządzenie filmowe miało znaczną przewagę nad kamerą Edisona, ponieważ było znacznie mniejsze i łatwe do przenoszenia. Równocześnie z wynalezieniem kinematografu w 1895 roku narodził się film, jaki znamy dzisiaj. Obaj bracia tworzyli również filmy fabularne, ale to dokumenty zdecydowanie zdominowały ich pracę. Oni i ich kamerzyści kręcili filmy dokumentalne na całym świecie. Wszystkie te filmy dokumentalne trwały około minuty i składały się z jednego ujęcia, a najczęstszymi tematami były oczywiście codzienne czynności oraz wszelkiego rodzaju przyziemne i niezwykłe sytuacje i wydarzenia - patrz np. Wjazd pociągu na stację w Ciotat (1895), Wyjście robotników z fabryki (1895) lub Niszczenie muru (1896). Popularne były także filmy dokumentalne kręcone w egzotycznych krajach, przedstawiające lokalny styl życia.

Pierwszym pełnometrażowym filmem w historii kina był przypadkowo dokument, film sportowy zatytułowany The Corbett-Fitzsimmons Fight  (1897), który był zapisem meczu bokserskiego. Na przełomie wieków film był również wykorzystywany ze względów naukowych do filmowania prawdziwych zabiegów chirurgicznych. Dokumenty zdominowały kino od momentu powstania na ponad dekadę, zanim zostały wyprzedzone przez filmy fabularne innych gatunków z fikcyjnymi fabułami. Szczególną popularnością cieszyły się proste filmy podróżnicze, kręcone w różnych zakątkach świata, a także pierwsze dokumenty biograficzne. Wysoko ponad standard konwencjonalnych filmów podróżniczych, docu-fiction było główną formą filmów fabularnych. In the Land of the Head Hunters (1914), którego akcja rozgrywała się wśród rdzennych mieszkańców Ameryki Północnej, a niedługo później film dokumentalny South (1919), którego tematem była nieudana brytyjska ekspedycja królewska przez Antarktydę.

 

Radziecka szkoła montażowa i inne dokumenty z lat 20. XX wieku

Jednym z najsłynniejszych filmów dokumentalnych lat 20. był pełnometrażowy dokument półfabularny Nanuk z Północy (1922), którego reżyser, Amerykanin Robert J. Flaherty, wykorzystał metodę inscenizacji przed kamerą, aby przedstawić dramatyczne życie rodziny Inuitów, w tym budowę igloo i polowanie na morsy. Powstały również podobnie egzotyczne filmy Trawa: Walka narodu o życie (1925), który śledził losy plemienia Persów podczas migracji, Chang (1927), który przedstawiał losy rdzennej tajskiej rodziny żyjącej w dżungli i walczącej z dzikimi zwierzętami, a także inne dzieło Flaherty’ego zatytułowane Moana (1926), który dla odmiany śledził trudną sytuację rdzennej ludności na Pacyfiku. Filmy dokumentalne Flaherty’ego zainspirowały następnie szkockiego filmowca i producenta Johna Griersona, który promował ideę wykorzystania dokumentu do podkreślenia deprywacji społecznej i stał za pojawieniem się brytyjskiego ruchu dokumentalnego w latach trzydziestych XX wieku, choć sam wyreżyserował jeden film - dokument Poławiacze śledzi (1929), który skupiał się na różnych aspektach rybołówstwa na Morzu Północnym. Francuski reżyser Jean Epstein filmem Finis terrae (1929) rozpoczął swoją dokumentalną serię o Bretanii.

W Związku Radzieckim dokumenty służyły głównie celom propagandowym i dydaktycznym, rekapitulując wydarzenia rewolucji rosyjskiej, przedstawiając ludzkie społeczeństwo w jego codziennych czynnościach i edukując w zakresie myśli komunistycznej. Głównym nurtem w ówczesnej kinematografii była radziecka szkoła montażu, definiowana przez metodę ponownego cięcia nakręconego materiału. Na przykład film dokumentalny The Fall of the Romanov Dynasty (1927) powstał poprzez wycięcie materiału z osobistego archiwum filmowego rosyjskiego cara Mikołaja II, a seria filmów agitacyjnych reżysera Dzigy Vertova zatytułowana Kino-Pravda (1922-1925), który opierał się na twórczo zmontowanym materiale nakręconym dla kronik filmowych.

Vertov zasłynął później eksperymentalnym montażem dokumentalnym Człowiek z kamerą filmową (1929), w którym autentycznie uchwycił życie miasta metodą „łapania życia na gorącym uczynku”, co otworzyło nowe możliwości postrzegania rzeczywistości, z kamerą odgrywającą rolę „kinowego oka”, rodzaju dynamicznie poruszającego się mechanicznego oka. Ponadto, Vertov wykorzystywał w swoich dziełach rozmaite sztuczki techniczne, przeplatając sceny ruchliwych ulic z ujęciami kamerzysty przy pracy, pokazując w ten sposób proces powstawania samego filmu. Niemiecki dokumentalista Walter Ruttmann był również niezwykle kreatywny w swoim awangardowym filmie Berlin: Symfonia wielkiego miasta (1927) sfilmował niczego niepodejrzewających ludzi ukrytą kamerą. Jednak w tym samym czasie w innych częściach świata powstawały „miejskie symfonie” o podobnej tematyce, np. w USA (Manhatta, 1921), we Francji (Mijają godziny z 1926 roku, Études sur Paris, 1928) czy w Brazylii (São Paulo, Sinfonia da Metrópole, 1929).

 

Propaganda i inne dokumenty w latach trzydziestych i czterdziestych XX wieku

Choć zbliżająca się II wojna światowa w znacznym stopniu przyczyniła się do rozwoju kina dokumentalnego w latach 30. XX wieku, filmy dokumentalne również odeszły od koncepcji obiektywnego uchwycenia rzeczywistości i stały się narzędziem propagandy wojennej. Jednymi z najsłynniejszych dokumentów tego typu były filmy reżyserki Leni Riefenstahl Triumf wiary (1933), a zwłaszcza Triumf woli (1935), który dotyczył VI Kongresu Rzeszy NSDAP i przedstawiał Hitlera i jego nazistowskich przywódców jako bohaterów, przez co stał się celem krytyki w wielu krajach po zakończeniu wojny. Jeszcze bardziej kontrowersyjny i krytykowany był antysemicki pseudodokument Wieczny Żyd (1940), który był zasadniczo przygotowaniem do Holokaustu, ponieważ jego celem było oczernianie członków narodu żydowskiego. Obraz Kampania polska (1940) przedstawiał przebieg nazistowskiej kampanii wojskowej w Polsce, ukazując Polaków jako agresorów i ciemiężycieli.

Po drugiej stronie konfliktu, podczas II wojny światowej w Stanach Zjednoczonych powstała seria wojennych filmów dokumentalnych w reżyserii Franka Capry, począwszy od Preludium wojny (1942), który był finansowany przez lokalny rząd i służył również celom propagandowym. Reżyser William Wyler z kolei nakręcił wielokrotnie nagradzany, uroczysty dokument Ślicznotka z Memphis: historia latającej fortecy (1944), który skupiał się na słynnym bombowcu znanym jako „Memphis Beauty”, który operował nad Niemcami w 1942 i 1943 roku. Z kolei antywojenny dokument Johna Hustona Let There Be Light (1946), opowiadający o żołnierzach cierpiących na zespół stresu pourazowego, został skonfiskowany przez wojsko ze względu na jego treść i odtajniony dopiero w latach 80. XX wieku.

W Wielkiej Brytanii w latach trzydziestych XX wieku założono Królewskie Towarzystwo Filmowe i powstał brytyjski ruch dokumentalny, który zajmował się kwestiami społecznymi i opowiadał się za tym, by filmy dokumentalne miały misję społeczną. Jego głównymi przedstawicielami, oprócz wspomnianego wcześniej Johna Griersona, byli tacy filmowcy jak Basil Wright (Nocna poczta, 1936), Alberto Cavalcanti (Mastery of the Sea, 1940), Harry Watt (Target for Tonight, 1941) czy Humphrey Jennings (Wybuchły pożary, 1943). Ściana węgla (1935) był wglądem w życie górników i strukturę brytyjskiego przemysłu wydobywczego, film dokumentalny Housing Problems (1935) dotyczył przerażających warunków życia ludzi w slumsach Londynu, a filmy takie jak London Can Take It! (1940) czy Listen to Britain (1942) opowiadały o skutkach wojny dla zwykłych ludzi. Nagrodzony Oscarem dokument Zwycięstwo na pustyni (1943) dotyczył wojennych walk w Afryce Północnej, a film dokumentalny Wzywamy Pana Smitha (1943) był jednym z pierwszych antynazistowskich filmów propagandowych.

W USA wiele filmów dokumentalnych koncentrowało się na życiu w czasach Wielkiego Kryzysu, problemach środowiskowych i innych zjawiskach społecznych. Na szczególną uwagę pod tym względem zasługują m.in. The Plow That Broke the Plains (1936), który rejestrował transformację krajobrazu w wyniku działalności rolniczej człowieka, The River (1938), ukazujący skutki erozji gleby w dorzeczu Missisipi, czy też The City (1939), który skupiał się na rozwoju amerykańskich miast. Belgijski dokument Misère au Borinage (1933) przedstawiał wyzysk robotników w belgijskim zagłębiu węglowym, a amerykański film Ziemia hiszpańska (1937) dotyczył trwającej w Hiszpanii wojny domowej. Reżyser Robert J. Flaherty powrócił do metody inscenizowanego dokumentu w filmie Człowiek z Aran (1934), w którym uchwycił rybaków przy pracy u wybrzeży Irlandii, oraz Opowieść z Luizjany (1948), którego akcja rozgrywa się na wsi w Luizjanie. Hiszpański reżyser Luis Buñuel zakończył swój wczesny okres twórczy surrealistycznym dokumentem o zubożałym regionie Hiszpanii Ziemia Hurdów (1933), a Leni Riefenstahl uczciła swój sukces dwuczęściową serią składającą się z filmów dokumentalnych Olimpiada, część I (1938) i Olimpiada, część II (1938), w którym uchwyciła przebieg Igrzysk Olimpijskich w Berlinie w 1936 roku. Po zakończeniu II wojny światowej produkcja filmów dokumentalnych na Zachodzie na pewien czas przycichła, ponieważ była zbyt mocno kojarzona z propagandą, a poza tym stopniowo zaczęły konkurować jej dokumenty telewizyjne.

 

Cinéma verité i inne nurty dokumentalne

Produkcję filmów dokumentalnych znacznie ułatwił postęp technologiczny w latach 50. ubiegłego wieku - wykorzystanie przenośnego magnetofonu umożliwiło rejestrowanie dźwięku jednocześnie z obrazem, a lżejsze kamery pozwoliły na filmowanie z udziałem znacznie mniejszej ekipy. Co więcej, od lat 50. zaczęto na szerszą skalę realizować telewizyjne filmy dokumentalne, co przyczyniło się do rozwoju różnych podgatunków dokumentalnych, z których najpopularniejszymi były dokumenty przyrodnicze, historyczne i biograficzne, które nie stawiały zbyt wysokich wymagań w zakresie obróbki artystycznej. Zmiany w procesach związanych z produkcją filmów dokumentalnych doprowadziły również do chęci odkrywania nowych obszarów filmowego realizmu, co zaowocowało powstaniem różnych nurtów dokumentalnych na całym świecie. We Francji było to Cinéma vérité, w USA Direct Cinema, a w Wielkiej Brytanii Free Cinema, czyli „wolne kino”. Ten ostatni ruch polegał głównie na produkcji krótkometrażowych filmów dokumentalnych traktujących o życiu ludzi pracy i mieszkańców dzielnic robotniczych. Głównymi przedstawicielami tego nurtu byli m.in. reżyserzy filmów Karel Reisz (My, chłopcy z Lambeth, 1959) oraz Lindsay Anderson (nagrodzony Oscarem film Urodzeni w czwartek z 1955 roku i Hale targowe w Londynie, 1957).

We Francji reżyser Alain Resnais zasłynął kilkoma krótkometrażowymi filmami dokumentalnymi, w tym biograficznymi, takimi jak Van Gogh (1948) i Gauguin (1950), filmy Guernica (1950) i Cała pamięć świata (1956) czy Noc i mgła (1956), dokument o nazistowskich obozach koncentracyjnych. Na uwagę zasługuje również krótkometrażowy dokument Krew bestii (1949) autorstwa Georgesa Franjua, który łączył temat uboju zwierząt w rzeźniach z ujęciami codziennego życia w Paryżu. Jednak twórcami metody Cinéma vérité byli dopiero dokumentaliści Edgar Morin i Jean Rouch, którzy starali się podążać śladami Dzigy Vertova i jego „kina prawdy”. Ich film dokumentalny Kronika jednego lata (1961), który obejmował zwracanie się do ludzi na ulicy w ramach badania socjologicznego, stał się manifestem Cinéma vérité i był pierwszym francuskim filmem fabularnym nakręconym z dźwiękiem kontaktowym. Inni reżyserzy związani z tym ruchem to przede wszystkim Chris Marker (Piękny maj, 1963), Mario Ruspoli (Les Inconnus de la terre, 1961) czy Marcel Ophüls (czterogodzinny obszerny dokument o Francji podczas nazistowskiej okupacji pt. Smutek i litość, 1969).

Amerykański ruch Direct Cinema również pojawił się na początku lat sześćdziesiątych, ale różnił się od Cinéma vérité całkowitym brakiem interwencji filmowca w proces filmowania. Jego założycielami byli reżyserzy filmów Robert Drew (Primary, 1960), Richard Leacock (A Happy Mother's Day, 1963) oraz bracia Albert i David Mayslesowie (Domokrążca, 1969). Nie można pominąć innych ważnych twórców, takich jak dokumentalista D. A. Pennebaker, którego film o kulisach brytyjskiej trasy koncertowej Boba Dylana Nie oglądać się za siebie (1967) był początkiem popularności dokumentów muzycznych, oraz Frederick Wiseman, który nakręcił kilka swoich filmów w instytucjach państwowych, takich jak szpitale psychiatryczne (Titicut Follies, 1967), szkole średniej (High School, 1968), nowojorskim szpitalu (Hospital, 1970), sądzie dla nieletnich (Juvenile Court, 1973) i ośrodku opieki społecznej (Welfare, 1975). Niektórzy kanadyjscy dokumentaliści również wykorzystywali metodę Direct Cinema w swojej pracy, np. Michel Brault (Les raquetteurs, 1958), Pierre Perrault (Pour la suite du monde, 1962) czy Allan King (Małżeństwo, 1969).

 

Inne godne uwagi filmy dokumentalne z lat 50. i 60.

Dokument Four Days in November (1964) wykorzystał niezliczone materiały informacyjne i inne materiały wideo, aby stworzyć szczegółowy opis okoliczności zamachu na prezydenta J. F. Kennedy’ego, podczas gdy nagrodzony Oscarem film dokumentalny The Eleanor Roosevelt Story (1965) zgłębiał osobowość żony prezydenta Roosevelta. Radziecki film dokumentalny Zwyczajny faszyzm (1965) podkreślał niebezpieczeństwa związane z pojawieniem się ideologii totalitarnych na przykładzie reżimu faszystowskiego. Brytyjski telewizyjny eksperyment socjologiczny Seven Up! (1964), którego celem było obserwowanie czternaściorga siedmiolatków z różnych środowisk społeczno-ekonomicznych, a następnie powracanie do ich losów co siedem lat. Pierwszy film z tej poklatkowej serii dokumentalnej został wyreżyserowany przez filmowca Paula Almonda we współpracy ze wschodzącym filmowcem Michaelem Aptedem, który sam nakręcił kolejne odcinki w latach 70-tych (Seven Plus Seven), 1977 (21 Up), 1985 (28 Up), 1991 (35 Up), 1998 (42 Up), 2005 (49 Up), 2012 (56 Up) i 2019 (63 Up).

Sukces odniosło także kilka filmów naukowych, najpierw amerykański dokument Żyjąca pustynia (1953), który zdobył Oscara za przedstawienie życia zwierząt w pustynnych regionach amerykańskiego Południowego Zachodu, a następnie nagrodzony Oscarem francuski dokument Świat milczenia (1956), który został wyreżyserowany przez słynnego oceanografa Jacquesa-Yvesa Cousteaua i dotyczył różnorodnego życia pod wodą. Ponadto filmy dokumentalne austriackiego filmowca Hansa Hassa również próbowały mapować podwodny świat. Przygody na Morzu Czerwonym (1951) i Giganty morza (1954). Fenomenem stał się sportowy film dokumentalny Bezkresne lato (1966), który śledził przygody dwóch surferów i de facto zmienił pogląd społeczeństwa na wcześniej niezrozumianą społeczność surfingową.

We Włoszech w latach sześćdziesiątych XX wieku termin „mondo film” został ukuty na określenie filmów dokumentalnych typu exploitation o szokującej, tabuizowanej i ogólnie kontrowersyjnej treści. Z zamiarem szokowania, po raz pierwszy nakręcono film Pieski świat (1962), od którego pochodzi nazwa podgatunku, a następnie filmy takie jak La donna nel mondo (1963), I tabù (1963), Africa addio (1966), amerykański Mondo Topless (1966) i późniejszy niemiecki Szokująca Azja (1976). Podchwytliwy temat do swojego dokumentu Zgromadzenie miłosne (1964) wybrał również reżyser Pier Paolo Pasolini, który podczas podróży po Włoszech był zaangażowany w tworzenie ankiety zawierającej pytania dotyczące ludzkiej intymności i seksualności.

 

Muzyczne i polityczne filmy dokumentalne przełomu lat 60. i 70.

Po filmie Bob Dylan. Nie oglądać się za siebie reżysera D. A. Pennebakera, dokumenty muzyczne stały się fenomenem, który sam Pennebaker podsycił jeszcze bardziej swoim kolejnym filmem Monterey Pop (1968), który był przekrojem trzydniowego międzynarodowego festiwalu muzycznego, który odbył się w Kalifornii w 1967 roku. Rok 1970 był wyjątkowy pod względem dokumentów muzycznych, kiedy to powstały następujące filmy Gimme Shelter, nakręcony podczas tragicznego koncertu Rolling Stones, w trakcie którego doszło do zadźgania jednego z fanów, Let It Be o zespole The Beatles u schyłku ich istnienia, Elvis, opowiadający o czterotygodniowym występie Elvisa Presleya w hotelu w Las Vegas, oraz trzygodzinny, nagrodzony Oscarem Woodstock, który został nagrodzony za udokumentowanie jednego z największych wydarzeń rockowych w historii. Film muzyczny Jeana-Luca Godarda Sympathy for the Devil (1968) przekroczył granicę między filmem dokumentalnym a fabularnym. Elvis w trasie (1972) podążał za królem rock'n'rolla podczas jego trasy koncertowej a Imagine (1972) został nakręcony przez Johna Lennona i Yoko Ono o nich samych i ich piosenkach. Muzyczny docu-dramat Jimi Hendrix - Rainbow Bridge (1972) badał hipisowski styl życia na tle koncertu Hendrixa na Hawajach, film Janis – The Way She Was (1974) łączył różne występy muzyczne Janis Joplin z autentycznymi relacjami z jej życia, a później Ostatni walc (1978), wyreżyserowany przez Martina Scorsesego, stał się nie tylko zapisem ostatniego w historii koncertu zespołu The Band, ale także portretem sceny rockowej lat 70-tych.

Jednocześnie od drugiej połowy lat 60. wiele filmów dokumentalnych zajmowało się kontrowersyjnymi kwestiami politycznymi, badając podstawowe zjawiska społeczne, a tym samym stając się krytycznymi narzędziami do promowania określonych poglądów i opinii. Kilku znanych reżyserów brało udział w produkcji filmu dokumentalnego Daleko od Wietnamu  (1967), który powstał w proteście przeciwko amerykańskiej interwencji w wojnę w Wietnamie, a także filmy o tej samej tematyce In the Year of the Pig (1969) i Hearts and Minds (1974). Wielu dokumentalistów było pod wpływem trzyczęściowego filmu argentyńskiego, ogółem trwająceg ponad cztery godziny, The Hour of the Furnaces (1968), który był szczególnie krytyczny wobec kapitalizmu, neokolonializmu i ówczesnego argentyńskiego reżimu wojskowego oraz wzywał do wolności i rewolucji. Japoński dokument Minamata: The Victims and Their World (1972) z kolei analizował aferę wokół fabryki przemysłowej, która spowodowała katastrofę ekologiczną, odprowadzając odpady do okolicznych wód, powodując liczne choroby i śmierć kilkudziesięciu osób.

 

Inne ważne dokumenty z lat 70-tych

Zgodnie z ruchem Direct Cinema, bracia Albert i David Mayslesowie, we współpracy z innymi filmowcami, wyprodukowali dokument Grey Gardens (1975), oparty na silnej relacji między dwiema kobietami, matką i córką, z rodziny Jackie Kennedy. Tę samą metodę obserwacji zastosowała reżyserka Barbara Kopple w swoim nagrodzonym Oscarem dokumencie Harlan County, U.S.A. (1976), który dotyczył ponad rocznego strajku górników w Kentucky. Niemiecki reżyser Werner Herzog w dokumencie Kraina ciszy i ciemności (1971) skupił się na życiu osób głuchoniewidomych, Martin Scorsese w dokumencie Italianamerican (1974) opowiedział historię swojej rodziny i włoskiej społeczności w Nowym Jorku, a Orson Welles ponownie w dokumencie  F jak fałszerstwo (1974) zajmował się oszustwami i mistyfikacjami w sztuce. Tematem filmu dokumentalnego The California Reich (1975) były grupy neonazistowskie działające w różnych miastach Kalifornii, a dokument Niemcy jesienią (1978) przedstawiał atmosferę w Niemczech Zachodnich po atakach organizacji terrorystycznej RAF. Biograficzne filmy dokumentalne również opierały się na kontrowersyjnych postaciach, takich jak prezydent Ugandy Idi Amin (Idi Amin Dada, 1974) czy Adolf Hitler (Droga Hitlera do władzy, 1977).

Sportowe filmy dokumentalne znajdowały odpowiednie tematy, na przykład podczas Igrzysk Olimpijskich w Monachium w 1972 roku (Wizje ośmiu, 1973), w kulturystyce w czele z wielokrotnym mistrzem i aspirującym aktorem, Arnoldem Schwarzeneggerem (Kulturyści, 1977) lub na wyścigach formuły i związanych z nimi zagrożeniach dla kierowców (Formula uno, febbre della velocità, 1978). Brytyjski dokument kompilacyjny Brother, Can You Spare a Dime? (1975) składał się ze współczesnego materiału filmowego przedstawiającego Wielki Kryzys lat 30-tych, zmontowany dokument To jest rozrywka! (1974) i jego kontynuacja To jest rozrywka! II (1976) stanowiły przewodnik po świecie hollywoodzkich musicali. Komediowy dokument przyrodniczy z RPA Animals Are Beautiful People (1974) wyróżniał się przedstawieniem zwierząt zaangażowanych w niekonwencjonalne działania i porównaniami ich zachowania do ludzkiego.

 

Errol Morris, Godfrey Reggio i dokumenty z lat 80.

Wybitną postacią na scenie dokumentalnej lat 80. był filmowiec Errol Morris, który zadebiutował filmem dokumentalnym Gates of Heaven (1978), który obracał się wokół przeniesienia zamkniętego cmentarza dla zwierząt do nowej lokalizacji, a jego kolejny film Vernon, Florida (1981) był portretem dziwacznych mieszkańców małego miasteczka na Florydzie. Jego najsłynniejszym dziełem był jednak film śledczy Cienka, niebieska linia (1988), który w praktyce pokazał siłę i wpływ kina dokumentalnego na prawdziwe ludzkie życie. W rzeczywistości dotyczył on śledztwa w sprawie morderstwa policjanta z 1976 roku, w którym Morris wykorzystał połączenie wywiadów i fikcyjnych rekonstrukcji, aby podkreślić wiele niejasności w sprawie, ostatecznie pomagając uratować niesłusznie skazanego mężczyznę przed karą śmierci, a następnie uwolnić go z więzienia. Ważnym zjawiskiem społeczno-kulturowym był ponad dziewięciogodzinny dokumentalny kolos reżysera Clauda Lanzmanna Shoah (1985), który był unikalnym i kompleksowym wglądem w Holokaust, składającym się w całości z zeznań naocznych świadków i ocalałych z obozów koncentracyjnych. Znaczący był również dokument Atomic Café (1982), który badał wpływ bomby atomowej na ludzkie społeczeństwo, począwszy od pierwszego testu nuklearnego w 1945 roku.

Dokumentalista Godfrey Reggio również wyrobił sobie markę dzięki swojemu charakterystycznemu stylowi. Najpierw w swoim medytacyjnym kolażu obrazów Koyaanisqatsi (1982) bez słów komentował ludzką egzystencję w technokratycznym społeczeństwie, a następnie wykorzystał tę samą metodę w filmie Powaqqatsi (1988), którego tematem było życie w krajach rozwijających się i pozostałości rdzennych kultur. Później uzupełnił swoją trylogię cywilizacyjną o Naqoyqatsi (2002), w którym zwrócił uwagę na fundamentalne problemy współczesnego świata, w którym człowiek coraz bardziej zmierza ku własnej zagładzie. Na uwagę zasługuje również jego krótkometrażowy film dokumentalny Anima Mundi (1992), w którym odkrywał piękno natury zagrożonej działalnością człowieka.

Muzyczny film dokumentalny The Decline of Western Civilization (1981) koncentrował się na scenie punkowej w Los Angeles, film dokumentalny Stop Making Sense (1984) był filmem koncertowym o występie Talking Heads, a 101 (1989) uchwycił Depeche Mode u szczytu ich kariery. Film dokumentalny Brzemię snu (1982) opowiadał o powstawaniu filmu Wernera Herzoga zatytułowanego Fitzcarraldo. Nagrodzony Oscarem dokument biograficzny The Times of Harvey Milk (1984), skupiał się na pierwszym otwarcie homoseksualnym polityku w historii Kalifornii, a nagrodzony Oscarem dokument Czasy i życie Klausa Barbiego (1988) był portretem nazistowskiego zbrodniarza wojennego Klausa Barbiego, który zasłynął jako „Rzeźnik z Lyonu”. Let’s Get Lost (1988) był dla odmiany poświęcony trębaczowi jazzowemu, Chetowi Bakerowi. Ponadto powstało wiele innych biograficznych filmów dokumentalnych, w tym Bruce Lee, the Legend (1984), Antonio Gaudí (1984), Marilyn Monroe: W cieniu legendy (1987), Imagine: John Lennon (1988) i Reżyseria: Andriej Tarkowski (1988). Dwa godne uwagi mockumenty - dokument biograficzny o fikcyjnym mężczyźnie Zelig (1983) i dokument muzyczny o nieistniejącym zespole hard-rockowym Oto Spinal Tap (1984). Za film dokumentalny został uznany również kontrowersyjny włoski horror Nadzy i rozszarpani (1980), w którym grupa filmowców udała się do Amazonii, aby sfilmować plemię kanibalistycznych tubylców, a pod koniec filmu zostali rzekomo zabici i zjedzeni przez członków plemienia.

 

Werner Herzog, Ulrich Seidl i filmy dokumentalne lat 90.

Do dokumentów i tematu strajkujących robotników powróciła po latach reżyserka Barbara Kopple, której film American Dream (1990) zdobył Oscara, podobnie jak jej debiut. Wśród jej innych filmów znalazł się dokument Wild Man Blues (1997), opowiadający o europejskiej trasie koncertowej zespołu jazzowego Woody Allena, który kilka lat wcześniej przechodził trudny okres w swoim życiu. Dokumentem muzycznym był także film Wima Wendersa Buena Vista Social Club (1999), którego bohaterami byli kubańscy muzycy. Dokument reżyser Jennie Livingston Paris Is Burning  (1990) był sondą na temat imprezowania w społeczności LGBTQ, natomiast Pułapka z celuloidu (1995) dla odmiany opowiadał historię przedstawiania homoseksualności w Hollywood. Film  Waco: The Rules of Engagement (1997) ujawnił śledztwo w sprawie afery związanej z rozprawieniem się przez amerykańskie organy ścigania z członkami sekty religijnej, kiedy to kilkadziesiąt osób zostało zabitych podczas prawie dwumiesięcznego oblężenia ich siedziby. Dokument The War Room (1993) obracał się wokół kampanii prezydenckiej  Billa Clintona , tytuł dokumentu Spika Lee Cztery małe dziewczynki (1997) odnosił się do zamachu bombowego na kościół dla Afroamerykanów w Alabamie w 1963 roku, w którym zginęły cztery dziewczynki, a nagrodzony Oscarem dokument  One Day in September (1999) nawiązywał do działań palestyńskiej grupy terrorystycznej podczas Igrzysk Olimpijskich w Monachium.

Niemiecki filmowiec Werner Herzog  kontynuował swoją dokumentalną twórczość między innymi filmem Rekolekcje na temat mroku (1992), filmowym esejem na temat destrukcji człowieka i świata, Mały Dieter chciałby latać (1997), historią niemieckiego lotnika armii amerykańskiej, któremu udało się uciec z niewoli wroga podczas wojny w Wietnamie, oraz Mój ukochany wróg (1999), będący refleksją na temat jego skomplikowanych relacji z nadwornym aktorem  Klausem Kinskim . Austriacki dokumentalista Ulrich Seidl  wyreżyserował film dokumentalny o miłości na pograniczu Spodziewane straty (1992), a następnie wykorzystał metodę filmowania dziwnych ludzi o dziwnych upodobaniach w dokumencie Zwierzęca miłość (1996), którego bohaterami byli prawdziwi miłośnicy zwierząt. Dokument  Dušana Hanáka Papierowe głowy (1995) opisywał sytuację polityczną w Czechosłowacji w latach 1945-1989, podczas gdy atmosferę tuż po aksamitnej rewolucji, a następnie po upadku Czechosłowacji, uchwycił w swoich esejach filozoficzno-socjologicznych Nowy Hyperion, albo Wolność, równość, braterstwo (1992) i Co robić? Podróż z Pragi do Czeskiego Krumlova albo Jak stworzyłem nowy rząd (1996), dokumentalista  Karel Vachek . We Francji rozkwitła produkcja dokumentów przyrodniczych - reżyser Luc Besson zachwycił swoim zanurzeniem się w podwodny świat w filmie Atlantis (1991), a następnie z dokumentem Mikrokosmos (1996) znaczący wpływ wywarli autorzy Marie Pérennou i Claude Nuridsany , którzy opracowali specjalną kamerę do rejestrowania zbliżeń owadów i małych zwierząt.

Dokumenty biograficzne dotyczyły osobistości, którymi byli m.in. piosenkarka Madonna (W łóżku z Madonną, 1991), naukowiec Stephen Hawking (A Brief History of Time, 1991), aktor Bruce Lee (Curse of the Dragon, 1993), artysta komiksowy Robert Crumb (Crumb 1994) i bokser  Muhammad Ali (Oscarem nagrodzony Kiedy byliśmy królami, 1996). Wysoce wizualny dokument Baraka (1992) był pozbawioną słów pielgrzymką przez różne kultury i cywilizacje, dokument sportowy Hoop Dreams (1994) przez sześć lat podążał za parą afroamerykańskich licealistów aż do osiągnięcia gwiezdnych karier w słynnej lidze koszykówki, a kanadyjski Grass (1999) przyglądał się historii używania marihuany w USA i wysiłkom rządu w celu jej uregulowania. Dokument Serca ciemności (1991) przedstawia problematyczne tworzenie filmu wojennego Czas Apokalipsy reżysera Francisa Forda Coppoli a film Beyond JFK: The Question of Conspiracy (1992) skupił się na tworzeniu dramatu Olivera Stone’a, JFK.

W czterogodzinnym filmie dokumentalnym Historia kina amerykańskiego według Martina Scorsese (1995) słynny reżyser przedstawił opatrzony komentarzami przekrój kultowych dzieł hollywoodzkiego kina. Dokument Trekkies (1997) zapewniał wgląd w społeczność fanów Star Treka, a przebojem stał się także dokument Amerykański film: Jak powstawał Północny Zachód (1999), opowiadający o entuzjaście kina, który próbował zakończyć swój amatorski horror i przebić się jako niezależny filmowiec. Na uwagę zasługuje również belgijski mockumentary Człowiek pogryzł psa (1992), w którym ekipa dokumentalna obserwowała i filmowała seryjnego mordercę w krwawym szale. Jako film dokumentalny został nakręcony również pełnometrażowy horror Blair Witch Project (1999), który w momencie premiery był przedstawiany jako autentyczny materiał nakręcony kamerą przez kilku studentów, którzy jakiś czas wcześniej w dziwnych okolicznościach zgubili się w lesie.

Końcówce lat 90. i początkowi nowego tysiąclecia towarzyszyły trzy główne aspekty w zakresie tworzenia filmów dokumentalnych (lub filmowania w ogóle) - powszechne korzystanie z Internetu, wejście technologii cyfrowych do środowiska filmowego oraz spadające ceny kamer ręcznych. Dzięki tym trzem czynnikom możliwości tworzenia filmów, a w szczególności filmów dokumentalnych, zostały otwarte dla znacznie większej liczby filmowców, którzy mogli kręcić i edytować własne filmy na własnych urządzeniach. Wzrosła liczba filmów dokumentalnych z osobistymi historiami, w których twórcy przedstawiali siebie lub swoich bliskich. Ponadto po przełomie tysiącleci nastąpił gwałtowny wzrost liczby filmów dokumentalnych, które odniosły bezprecedensowy sukces finansowy w kinie, a ich zarobki w wielu przypadkach wzrosły dzięki wydaniu na DVD.

 

Michael Moore i inni dokumentaliści nowego tysiąclecia

Wybitną twarzą amerykańskiego dokumentu na samym początku nowego tysiąclecia był Michael Moore, niezależny filmowiec, który badał wady korporacyjnej Ameryki, jej polityki i chorób społecznych. W swoich dokumentach często wcielał się w rolę protagonisty i swoistego zaangażowanego przewodnika, który nie wahał się dokonywać szeregu manipulacji i celowo błędnie informować, aby wyrazić swoje poglądy i przeciągnąć opinię publiczną na swoją stronę, nawet za pomocą humoru i przekazów podprogowych. Zadebiutował w 1989 roku bardzo udanym filmem Roger i ja (1989), w którym zajął się masowymi zwolnieniami w fabryce samochodów, które spowodowały załamanie gospodarcze jego rodzinnego miasta. Odniósł się również do złego traktowania pracowników w międzynarodowych korporacjach w dokumencie The Big One (1997) i w późniejszym Kapitalizm, moja miłość (2009).

Michael Moore odniósł znaczący sukces, gdy zdobył Oscara za film Zabawy z bronią (2002), którego tytuł nawiązywał do masakry w Columbine High School i w którym Moore zmierzył się z amerykańskim rynkiem broni palnej. Jego bardzo kontrowersyjny film Fahrenheit 9/11 (2004), który stał się wówczas najlepiej zarabiającym filmem dokumentalnym w historii kina i został nakręcony w celu zdyskredytowania prezydenta USA George’a W. Busha w okresie poprzedzającym wybory i oskarżenia go o szereg przestępstw, które miał popełnić przed i po 11 września 2001 roku. Następnie Moore pracował z opinią publiczną przed wyborami także podczas kręcenia filmu dokumentalnego Kapitan Mike przemierza Amerykę (2007). Kolejnym filmem Moore’a był Sicko (2007), który był dla odmiany sondą w sprawy amerykańskiej służby zdrowia, w filmie Where to Invade Next (2015) Moore porównywał Stany Zjednoczone z różnymi krajami europejskimi, a w dokumencie Fahrenheit 11/9 (2018) ponownie zajął się wyborami prezydenckimi, tym razem z kandydatem Donaldem Trumpem na czele.

Innym godnym uwagi dokumentalistą sportowym był Stacy Peralta, który wszedł na scenę filmową z dokumentem o deskorolkowcach Dogtown and Z-Boys (2001), następnie nakręcił dokument o surferach Ujarzmić fale (2004), po czym powrócił do deskorolki w Bones Brigade: An Autobiography (2012). W filmie Crips and Bloods: Made in America (2008) skupił się na dwóch czarnych gangach w Los Angeles. Inną popularną postacią w dziedzinie dokumentu był Morgan Spurlock, którego film-eksperyment Super Size Me (2004), w którym wziął na cel otyłość w USA i przez miesiąc jadł wyłącznie w restauracjach typu fast food, stał się zjawiskiem społecznym. Od tego czasu Spurlock wystąpił w innych filmach dokumentalnych Gdzie jest Osama Bin Laden? (2008), Najlepiej sprzedany film (2011), Mansome (2012), a także w późniejszym Super Size Me 2: Holy Chicken! (2017).

Swego rodzaju odrodzenie przeżył także słynny dokumentalista Errol Morris, zdobywając Oscara za film Mgły wojny: Jedenaście lekcji z życia Roberta S. McNamary (2003), który został pomyślany jako spowiedź byłego sekretarza obrony USA, który pełnił tę funkcję podczas wojny w Wietnamie. Ten model Morris wykorzystał później ponownie w dokumencie Wiedzieć czego się nie wie (2013), którego bohaterem był, dla odmiany, były sekretarz obrony z czasów rozpoczęcia amerykańskich operacji wojskowych w Afganistanie i Iraku. Wcześniej jednak Morris nakręcił także dokument o nieludzkich praktykach w bagdadzkim więzieniu dla więźniów politycznych Standard Operating Procedure (2008), a następnie film Tabloid (2010), w którym przyjrzał się w brukowcach omawianej bulwersującej sprawie byłej królowej piękności porwanej w latach 70. ubiegłego wieku. Reżyser Werner Herzog poszerzył swoje portfolio między innymi o film dokumentalny Grizzly Man (2005), historię ekologa, który spędził lata wśród niedźwiedzi, oraz Spotkania na krańcach świata (2007), który skupiał się na życiu naukowców pracujących w nieprzyjaznym środowisku Antarktydy.

Propagatorką dokumentu poklatkowego była czeska reżyserka Helena Třeštíková, która w ramach swojej metody przez kilka lat nieustannie filmowała losy różnych osób, dając początek m.in. filmom dokumentalnym Marcela (2006), René (2008) czy Katka (2009), a później także Mallory (2015) czy Strnadovi (2017). Historyk Lukáš Přibyl w swojej czteroczęściowej filmowej serii dokumentalnej Zapomenuté transporty do… (2007-2010) zajął się mniej znanymi transportami deportowanych Żydów do obozów koncentracyjnych i gett na Łotwie, w Estonii, na Białorusi i w Polsce. Słowacki dokumentalista Pavol Barabáš dzięki filmom Tajomné Mamberamo (2000), OMO – Cesta do praveku (2002), Amazonia Vertical (2004) i dziesiątkami innych, stał się wybitną postacią w dziedzinie filmów podróżniczych.

 

Inne ważne dokumenty po 2000 r.

Tematyka poszczególnych dokumentów była zróżnicowana: od znęcania się i zabijania zwierząt dla celów ludzkich (Mieszkańcy Ziemi, 2005), ludobójstwo w Rwandzie (The Last Just Man, 2002), krytykę międzynarodowych korporacji (Korporacja, 2003) i przypadek wykorzystywania seksualnego nieletnich (Sprawa Friedmanów, 2003) do powstania mafii kokainowej w Miami (Kokainowi kowboje, 2006), inwazji USA na Irak (Chmury nad Bagdadem 2007) i birmańskie demonstracje antyrządowe (Birma VJ, 2008). Dokument Koszmar Darwina (2004) obejmował kwestie globalne, od handlu rybami po handel bronią, film Śmierć człowieka pracy (2005) dotyczył różnych form ciężkiej pracy, a nagrodzony Oscarem dokument Kurs do Krainy Cienia (2007) skrytykował praktyki przesłuchań, stosowane przez amerykańskie wojsko na przykładzie afgańskiego taksówkarza, zaś film Korporacyjna żywność (2008) przyglądał się produkcji żywności na dużą skalę, film dokumentalny Więcej, mocniej, szybciej (2008) dla odmiany skupił się na kulturystyce i moralnym aspekcie stosowania sterydów. Wyjątkową formę dokumentu animacyjnego przyjął nagrodzony Oscarem Walc z Baszirem (2008), który powrócił do masakry w palestyńskich obozach dla uchodźców w latach 80-tych.

W przeciwieństwie do tych przygnębiających filmów były lżejsze dokumenty, które obracały się wokół różnych form kolekcjonowania (Zbieracze i zbieraczka, 2000), dziecięcych konkursach ortograficznych (Spellbound, 2002), oceny dostępności amerykańskich filmów (This Film Is Not Yet Rated, 2006), historii konkurencyjnych gier na automatach wideo (The King of Kong, 2007), czy zakulisowe spojrzenia na studia animacji Pixar (Historia Studia Pixar, 2007) i Walta Disneya (Zbudzić śpiącą królewnę, 2009). Komediowy film dokumentalny Wiara czyni czuba (2008) w satyryczny sposób podchodził do fanatyzmu religijnego, a komedia dokumentalna Borat (2006), którego fikcyjna historia została uzupełniona autentycznymi konfrontacjami między różnymi Amerykanami a fikcyjną postacią dziwacznego kazachskiego reportera, również w dużym stopniu opierała się na satyrze.

Muzyczny film dokumentalny Michael Jackson's This Is It (2009), który został wydany wkrótce po śmierci piosenkarza i który dotyczył przygotowań do koncertu, który nigdy się nie odbył, stał się najbardziej dochodowym filmem dokumentalnym w historii kina. Inne muzyczne filmy dokumentalne zostały nakręcone między innymi o życiu członków zespołu Metallica (Metallica: Some Kind of Monster, 2003), post-punkowej grupie Joy Division (Joy Division, 2007), serii małych koncertów Sigur Rós (Sigur Rós – Heima, 2007) i ogólnie o metalu jako gatunku muzycznym (Metal: A Headbanger's Journey, 2005). Makrokosmos (2001), Tajemnice oceanu (2003), Genesis (2004), nagrodzony Oscarem Marsz pingwinów (2005), Sharkwater (2006), Zakochane zwierzęta (2007), Zew północy (2007), Surikatki (2008) lub Oceany (2009) Dokumenty powiązane tematycznie Niewygodna prawda (2006), Earth (2007) lub S.O.S. Ziemia (2009) podkreślały problemy środowiskowe na całym świecie.

Na przełomie tysiącleci powstało wiele filmów dokumentalnych o słynnych twórcach, filmach i historii Hollywood, w tym Stanley Kubrick: Życie w Obrazach (2001), Woody Allen: A Life in Film (2002), Charlie: The Life and Art of Charles Chaplin (2003), Swobodni jeźdźcy, wściekłe byki (2003), Burzliwe lata siedemdziesiąte (2003), Final Cut: The Making and Unmaking of Heaven's Gate (2004), Seanse o północy (2005), Głęboko w gardle (2005) lub Z-Boczona historia kina (2006). Obszerne kilkugodzinne filmy dokumentalne jak King Kong: Peter Jackson's Production Diaries (2005) czy Niebezpieczne dni: Tworząc "Łowcę androidów" (2007) przedstawiały kulisy powstawania największych hollywoodzkich hitów, podczas gdy dokument Zagubiony w La Manchy (2002) z kolei przyglądał się temu, jak powstanie jednego filmu zostało uniemożliwione przez splot niefortunnych okoliczności.

Dokument biograficzny Nicholas Winton: Siła człowieczeństwa (2002) badał heroiczny czyn człowieka, który podczas nazistowskiej okupacji Czechosłowacji potajemnie przetransportował kilkaset, głównie żydowskich dzieci, do Wielkiej Brytanii. Film Człowiek na linie (2008) opowiada historię ulicznego artysty, który w latach 70. postanowił przejść po linie między budynkami World Trade Center. Przedmiotem dokumentów biograficznych były ponadto inne osobistości, takie jak fotograf James Nachtwey (Fotograf wojenny, 2001), hollywoodzki producent Robert Evans (To rola dla niego, 2002), raper Tupac Shakur (Tupac: Zmartwychwstanie, 2003), pisarz Charles Bukowski (Bukowski: Born into This, 2003), muzyk Bob Dylan (Bob Dylan: No Direction Home, 2005), prezydent Czech Václav Havel (Obywatel Havel, 2007), naukowiec Albert Einstein (Einstein, 2008) lub pianista Glenn Gould (Genius Within: The Inner Life of Glenn Gould, 2009).

 

Duży boom na dokumenty po 2010 r.

Wzrost wolumenu produkcji filmowej w XXI wieku nie ominął dokumentów, które zaczęły pojawiać się w niezmiernych ilościach, obejmując szeroką gamę tematów. Obejmowały one kryzys gospodarczy z 2008 roku (nagrodzony Oscarem dokument Szwindel: Anatomia kryzysu, 2010), propagandę wojenną we współczesnych mediach (Wojna, której nie widać, 2010), masowe mordy w Indonezji w latach sześćdziesiątych (Scena zbrodni, 2012) czy stosowanie dopingu w kolarstwie wyczynowym (Oscarem nagrodzony Icarus, 2017). Problemy ery cyfrowej były poruszane w filmach dokumentalnych, których tematyka sięgała od gromadzenia danych z prywatnych rozmów elektronicznych (Oscarem nagrodzony Citizenfour, 2014) po negatywne skutki mediów społecznościowych (Dylemat społeczny, 2020). Dokument Nie jestem twoim murzynem (2016) opowiedział historię walki Afroamerykanów z supremacją białych, podczas gdy dokument 13th (2016) poruszał temat współczesnego niewolnictwa w amerykańskim systemie więziennictwa. Kompilacja filmów dokumentalnych I młodzi pozostaną (2018) składał się z archiwalnych materiałów filmowych z I wojny światowej, które zostały cyfrowo odrestaurowane i przekonwertowane do wersji kolorystycznej. Dokument śledczy Colectiv (2019) oferował rozczarowujący portret rumuńskiego systemu opieki zdrowotnej, autentyczne wyznanie zatytułowane For Sama (2019) zostało natomiast nakręcone na ulicach Syrii podczas wojny domowej.

Wśród dzieł o mniej poważnej tematyce można wymienić na przykład dokumenty o przygotowywaniu sushi (Jiro śni o sushi, 2011), o amerykańskim programie kosmicznym (Apollo 11, 2019) czy o życiu macedońskiego pszczelarza (Kraina miodu, 2019). Dokument Bobasy (2010) śledził życie czwórki maluchów z różnych części świata, podczas gdy To drugie słowo na „F” (2011) skupiał się na członkach zespołów punkowych, którzy zostali ojcami. Film Sugar Man (2012) zdobył Oscara za portret muzyka Rodrigueza, który stał się legendą rocka w latach 70. nie wiedząc o tym. Powstało również kilka filmów dokumentalnych i fikcyjnych filmów found-footage, których fikcyjna treść była zróżnicowana tematycznie, od poszukiwania norweskich trolli (Łowca trolli, 2010), po życie wampirów w Nowej Zelandii (Co robimy w ukryciu, 2014).

I tak już pokaźna liczba dokumentów przyrodniczych została poszerzona m.in. o filmy Afrykańskie koty (2011), One Life (2011), Planet Ocean (2012), The Polar Bears (2012), Szympans (2012), Niedźwiedzie (2014), Królestwo (2015), Tale of a Lake (2016), Marsz pingwinów 2: Przygoda na krańcu świata (2017), Ziemia. Niezwykły dzień z życia planety (2017), Planeta Czechy (2017), Dzika Rumunia (2018) lub Królowa słoni (2018). Dokumenty Blackfish (2013) i Keiko the Untold Story of the Star of Free Willy (2013) dotyczył losów dwóch konkretnych orek, a nagrodzony Oscarem dokument Czego nauczyła mnie ośmiornica (2020) opowiadał historię wyjątkowej przyjaźni filmowca z ciekawskim głowonogiem. Filmy dokumentalne takie jak Zatoka delfinów (2009), The Ivory Game (2016) czy Sharkwater: Extinction (2018) starały się opowiedzieć za zakończeniem zabijania dzikich zwierząt, podczas gdy Planeta plastiku (2009) lub A Plastic Ocean (2016) dla odmiany skupiały się na kwestii zanieczyszczenia mórz plastikiem. Film Ginący świat (2015) przyczynił się również do krytyki zagrożenia gatunków zwierząt, podczas gdy filmy dokumentalne Lucent (2014), Cowspiracy: Tajemnica równowagi ekologicznej środowiska (2014) i Dominion (2018) oraz dokument Skosztuj z kosza (2010) dla odmiany krytykowały nadmierne marnowanie żywności. Film David Attenborough: Życie na naszej planecie (2020) służył nie tylko podsumowaniu kariery słynnego dokumentalisty, ale także wysłaniu atrakcyjnego przesłania na temat stanu środowiska.

Włoski dokumentalista Gianfranco Rosi odniósł sukces dzięki swojej pracy odzwierciedlającej życie wokół autostradowej obwodnicy Rzymu (Sacro GRA, 2013), kryzys uchodźczy FUOCOAMMARE. Ogień na morzu, 2016) czy sytuację na Bliskim Wschodzie (Nokturno, 2020). Dokumentalista Ulrich Seidl po raz pierwszy poruszył temat ciekawskich ludzi o dziwnych upodobaniach filmem dokumentalnym W piwnicy (2014), który był dziwacznym panoptikonem kilku austriackich piwnic i ich właścicieli, a następnie dokumentem Safari (2016), w którym odwiedził świat łowców trofeów. Dokumentalista Dan Přibáň ponownie podróżował po świecie starym trabantem, dając początek niezwykłej serii podróżniczej, na którą składają się między innymi Trabantem napříč Afrikou (2011) czy Trabantem až na konec světa (2014). Czerwona maszyna (2014) dotyczył historii sowieckiej drużyny hokejowej. Konkretne mecze hokejowe z Igrzysk Olimpijskich w Nagano oraz rywalizacja między Sowietami i Czechosłowakami zostały omówione w dokumencie Pásky z Nagana (2018). To nie Kalifornia (2012) i King Skate (2018) opowiadał historię skateboardingu w krajach bloku socjalistycznego. Dokument Crash Reel: Jazda życia (2013) skupiał się na snowboardzie, filmy dokumentalne Najszybszy (2011) i Hitting the Apex (2015) dały wgląd w świat wyścigów motocyklowych, podczas gdy film 1 (2013) przyglądał się historii wyścigów formuły. Nagrodzony Oscarem film dokumentalny Free Solo (2018) skupił się na osobie wspinacza Alexa Honnolda i jego niebezpiecznym wejściu na skalną ścianę El Capitan, podczas gdy wspinaczka na prawie prostopadły masyw bez asekuracji była również przedmiotem dokumentu Durch die Wand (2017).

Potencjał w dziedzinie biograficznych filmów dokumentalnych stał się udziałem reżysera Asifa Kapadii, który najpierw odniósł sukces filmem o rajdowcu samochodowym Ayrtonowi Sennie (Senna, 2010), następnie zdobył Oscara za dokument o piosenkarce Amy Winehouse (Amy, 2015), a następnie nakręcił film o piłkarzu Diego Maradonie (Diego, 2019). Inne biograficzne filmy dokumentalne innych twórców z kolei obracały się wokół osobowości, do których należą artysta sztuki ulicznej Banksy (Wejście przez sklep z pamiątkami, 2010), piosenkarz Lemmy Kilmister (Lemmy, 2010), Ozzy Osbourne (Boże błogosław Ozzy'ego Osbourne'a, 2011), Freddie Mercury (Freddie Mercury - Wielki mistyfikator, 2012) i Roger Waters (Roger Waters: The Wall, 2014), krytyk filmowy Roger Ebert (Po prostu życie, 2014), gitarzysta Keith Richards (Keith Richards: Under the Inflluence, 2015), piosenkarz Kurt Cobain (Kurt Cobain: Życie bez cenzury, 2015), tancerz baletowy Sergej Polunin (Tancerz, 2016) i aktor porno Rocco Siffredi (Rocco, 2016). Dalej na przykład aktor Robin Williams (Robin Williams: W mojej głowie, 2018), sędzia Ruth Bader Ginsburg (RBG, 2018), piosenkarka Whitney Houston (Whitney, 2018), gospodarz programu dla dzieci Fred Rogers (W odwiedzinach u pana Rogersa, 2018), śpiewak operowy Luciano Pavarotti (Pavarotti, 2019), piosenkarka Taylor Swift (Miss Americana, 2020), aktywistka Greta Thunberg (Jestem Greta, 2020) lub piosenkarka Billie Eilish (Billie Eilish: Świat lekko zamglony, 2021). Powstało również kilka filmów dokumentalnych o The Beatles i jego członkach, w tym George Harrison: Living in the Material World (2011), The Beatles: Eight Days a Week - The Touring Years (2016), Jak Beatlesi zmienili świat (2017) czy The Beatles. Brzmienie z Merseyside (2018).

 

Telewizyjne filmy dokumentalne i seriale dokumentalne

Telewizyjne filmy dokumentalne i seriale dokumentalne były produkowane w Stanach Zjednoczonych i Wielkiej Brytanii już od końca lat 40. XX wieku, z silnym naciskiem na tematy historyczne, wojenne i informacyjne, patrz na przykład serial wojenny Crusade in Europe (1949) lub The Armed Forces Hour (1949-1951). W latach 50. trend ten był kontynuowany przez amerykańskie programy dokumentalne, takie jak The Big Picture (1951-1964), Wide Wide World (1955-1958) czy The Twentieth Century (1957-1970) w NBC, ABC lub CBS, podczas gdy w Wielkiej Brytanii dominowały filmy dokumentalne BBC. Pionierami filmów dokumentalnych o tematyce naukowej były brytyjskie seriale Zoo Quest (1954-1963) i amerykańska Zoorama (1955-1970). Amerykańska telewizyjna produkcja dokumentalna w latach 60-tych, później określana mianem złotej ery telewizyjnych filmów dokumentalnych, obfitowała w projekty, które były bardziej zaangażowane i polityczne niż w poprzednich dekadach. Ponadto w Stanach Zjednoczonych zaczęły pojawiać się telewizyjne dzienniki podróżnicze (Expedition!, 1961-1962) czy filmy dokumentalne o osobistościach Hollywood (Hollywood and the Stars, 1963-1964). Wśród brytyjskich produkcji warto wspomnieć chociażby o serialu wojennym The Great War (1964) czy seriale przyrodnicze The World About Us (1967-1987) i Survival (1967-1987). W latach 70. telewizyjny gatunek dokumentalny rozrósł się o kolejne godne uwagi seriale, w tym amerykańską serię naukową  Nova (od 1974 roku), brytyjski serial naukowy Życie na Ziemi (1979), serial historyczny Historia II wojny światowej (1973-1974) i program dokumentalny  Everyman (1977-2000).

Zainteresowanie filmami dokumentalnymi wzrosło w kolejnych dekadach wraz z dodaniem programów telewizji kablowej, a liczba filmów dokumentalnych znacznie wzrosła wraz z produkcją specjalnych stacji, takich jak Discovery Channel (od lat 80.), The History Channel i Animal Planet (od lat 90.) oraz National Geographic (początek XXI wieku). W USA rozpoczęto produkcję seriali biograficznych American Masters (od 1985 roku), serialu naukowego Cosmos  (lata 80.), serialu historycznego The Civil War (1990), serialu naukowego Nature (od 1982 roku) i Průzkumník  (od 1985 roku), natomiast w Wielkiej Brytanii niezwykle popularne stały się zwłaszcza seriale naukowe i przyrodnicze Świat przyrody (1983), Żyjąca planeta (1984) czy The World of Strange Powers (1985), a w latach 90. także Na ścieżkach życia (1990), Prywatne życie roślin (1995), Ciało człowieka (1998), Życie ptaków (1998), Planety (1999) i Wędrówki z dinozaurami (1999), a także brytyjski muzyczny serial dokumentalny The Beatles - Antologia (1995) czy niemiecki wojenny serial dokumentalny Hitler's Henchmen (1996-1998).

W nowym tysiącleciu BBC dodało do swoich wcześniejszych docenianych programów kolejną serię wysoce ocenianych i udanych seriali przyrodniczych lub naukowych, wśród których szczególnie wyróżniały się serie Wszechświat (2001), Błękitna planeta (2001), Życie ssaków (2002-2003),  Planeta Ziemia (2006), Ziemia: Potęga planety (2007), Życie (2009), Mroźna planeta (2011), Planeta Ziemia II (2016), Błękitna planeta II (2017) i Siedem światów. Jedna planeta (2019). Konflikty wojenne były tematem seriali, takich jak The First World War (2003), II wojna światowa w kolorze (2009), Pierwsza wojna światowa (2012) czy Wojna wietnamska (2017). Z tematyką wojenną związanych było także kilka francuskich miniseriali dokumentalnych z serii Apocalypse, z których na szczególną uwagę zasługują części Apokalipsa: II wojna światowa (2009) a Apokalipsa: I wojna światowa (2014). Godzina zero (2004-2007), Historia Stanów Zjednoczonych według Olivera Stone'a (2012-2013), Making a Murderer (2015-2018) czy Formula 1: Jazda o życie (2019-2021).

Filmmaniak