Dramat - Gatunki

Pochodzenie i charakterystyka dramatu

Dramat jest jednym z trzech podstawowych rodzajów dzieł literackich, obok liryki i epiki. Wyewoluował w starożytnej Grecji z uroczystości ku czci boga Dionizosa, które obejmowały tradycyjne widowiska, składające się głównie z tańca, śpiewu chóralnego i przedstawiania różnych scen z życia. Ciągłe udoskonalanie tych widowisk doprowadziło do powstania zinstytucjonalizowanego teatru, opartego na tekstach dramatycznych różnych autorów, takich jak Sofokles lub Eurypides. Jedność miejsca, czasu i przestrzeni była niezbędna dla starożytnych sztuk, a aktorzy powszechnie używali masek, kostiumów i rekwizytów. Pierwszym gatunkiem dramatycznym, który się pojawił, była tragedia, inspirowana starożytną historią i mitologią, której historie były poważne i fatalne i często kończyły się tragicznie. Niedługo później drugą formą dramatu, która ujrzała światło dzienne, była komedia, która z kolei była zabawna i żywiołowa oraz oferowała widzom szczęśliwe zakończenia. Tradycja teatralna była następnie rozwijana zarówno w okresie starożytnego Rzymu, jak i w średniowieczu. W okresie renesansu powstały pierwsze kryte teatry, a najważniejszym dramaturgiem, którego sztuki wywarły ogromny wpływ na formę tragedii i komedii, był William Szekspir.

W XIX wieku strukturę dramatu definiowało pięć aktów - pierwszym była „Ekspozycja”, służąca przedstawieniu bohaterów i wprowadzeniu w fabułę, następnie „Rozwój akcji”, wprowadzające do akcji element konfliktu, „Punkt kulminacyjny”, podczas którego dramat osiągał punkt kulminacyjny, oraz „Rozwiązanie akcji”, pojawiająca się wraz z propozycją rozwiązania sytuacji wyjściowej, a wszystko zwieńczone „Szczęśliwym zakończeniem lub katastrofą”, czyli rozwiązaniem i ostatecznym katharsis. Dramat stał się gatunkiem samym w sobie w momencie, gdy termin „dramat” zaczął być używany do opisywania sztuk, które nie były ani komedią, ani tragedią, a później zaczął być używany w podobnej formie do klasyfikowania dzieł filmowych. W języku filmowym dramat jest więc gatunkiem fikcyjnym, który można wykorzystać do opisania każdego filmu, którego historia jest opowiedziana w przeważającym poważnym tonie. W tym sensie dramat stoi w opozycji do komedii, w której historia opowiedziana jest głównie w humorystycznym tonie. Dramaty opowiadają o realistycznych postaciach doświadczających sytuacji, w których znajdują się w konflikcie ze sobą, z innymi postaciami lub z wpływami środowiska, które towarzyszą danej sytuacji. Jednak oprócz teatru, literatury i filmu, dramat jest również gatunkiem powszechnie kojarzonym z serialami telewizyjnymi lub słuchowiskami radiowymi.

Różne formy dramy

Biorąc pod uwagę początki dramatu w środowisku teatralnym, gdzie był on ogólnie używany w odniesieniu do każdego scenicznego opowiadania historii poprzez dialogi, monologi i grę aktorską, w szerszym znaczeniu za dramat filmowy można uznać każdy film, w którym aktorzy przedstawiają poważną fikcyjną historię. W rezultacie dramat może być postrzegany jako najszerszy gatunek w historii, obejmujący wszystkie podgatunki, które wynikają z połączenia dramatu z innymi rodzajami gatunków. Ze względu na rodzaj fabuły można zatem wyróżnić m.in. dramaty wojenne, dramaty historyczne, dramaty biograficzne, dramaty katastroficzne, dramaty kryminalne czy dramaty romantyczne, wchodzące w skład odrębnych gatunków, którym poświęcone są osobne teksty w niniejszej sekcji. Ponadto, w zależności od charakteru filmu, możemy mówić także o dramatach psychologicznych, społecznych, politycznych czy nawet o dojrzewaniu. Rodzaj scenerii również pomaga zidentyfikować np. dramaty sportowe, sądowe, prawnicze czy rodzinne. Niektóre dramaty tworzone są po to, by wzruszyć widzów, inne po to, by wywołać w nich napięcie, ale ich wspólnym celem jest przede wszystkim wywołanie w widzach poczucia empatycznego współodczuwania z bohaterami i ich działaniami.

Wiele dramatów zajmuje się podstawowymi bolączkami i zjawiskami społecznymi, takimi jak nierówność i niesprawiedliwość, uprzedzenia rasowe, religijne lub płciowe, ubóstwo, alkoholizm, uzależnienie od narkotyków, choroby psychiczne, przemoc wobec niektórych grup, korupcja, niepokoje polityczne, amoralność władzy itp. Dramaty psychologiczne koncentrują się na przedstawieniu psychologii postaci, podczas gdy dramaty społeczne dotyczą warunków życia w niższych klasach społecznych. W dramatach o dojrzewaniu dorastający bohaterowie znajdują się na progu dorosłości, zaczynają tracić złudzenia z dzieciństwa i odkrywają swoje pierwsze poważne miłości, a ostatecznie swoją seksualność, podczas gdy dramaty sportowe często zajmują się postacią sportowca lub nawet całej drużyny, która stopniowo awansuje z dołu drabiny do mistrzów. W dramatach rodzinnych bohaterami są członkowie jednej rodziny; w dramatach sądowych bohaterami są prawnicy, adwokaci i ich klienci. Melodramaty kładą nacisk na wzmożone emocje i sentymentalizm, a ich bohaterkami są często poświęcające się, cnotliwe kobiety, które przechodzą przez trudności lub kryzys, chorobę, stratę lub nieodwzajemnioną miłość, lub są ofiarami cudzołóstwa, romansów i spisków rozgrywających się za ich plecami. Niektóre dramaty mogą również zawierać elementy fantasy lub fantastyki naukowej, podobnie jak dramaty komediowe wzbogacają dla odmiany poważną fabułę elementami humorystycznymi.

 

Dramat w początkach kina

Gatunki filmowe zaczęły się kształtować wiele lat po narodzinach medium filmowego. Początkowo filmy miały ograniczoną długość, ich autorzy eksperymentowali z formą filmową i różnymi tematami, a ich praca pokazywała różnice między dokumentem a fikcją. Za wczesny dramat można uznać na przykład brytyjski pięciominutowy film fabularny Fire! (1901), w którym kilku strażaków pomagało w gaszeniu pożaru budynku mieszkalnego i ratowaniu jego mieszkańców (podczas gdy jego amerykańska odmiana Life of an American Fireman z roku 1903 kombinowała ujęcia dokumentalne z granymi przez aktorów). Pierwszym francuskim reżyserem, który pracował z kompleksową fabułą, był Georges Méliès, który był pionierem filmowych sztuczek, a także gatunków fantastyki naukowej i fantasy. Pierwszym amerykańskim filmem z kompletną fabułą był western Napad na ekspres (1903). Do rozwoju dramatu przyczyniło się następnie powstanie amerykańskich wytwórni filmowych, które zatrudniały konkretnych filmowców - największy wpływ na kształt filmu jako formy sztuki w tamtym okresie miał reżyser D. W. Griffith, który w latach 1908-1913 wyreżyserował ponad 400 (krótkich) filmów, z których wiele miało charakter dramatyczny, a niektóre funkcjonowały nawet jako dzieła krytyczne społecznie - np. Spekulant zbożowy (1909) podkreślał nierówności między ciężko pracującymi chłopami a chciwymi kupcami, podczas gdy Brutality (1912) poruszał temat przemocy domowej.

Przed I wojną światową kilku producentów filmowych przeniosło się w okolice Los Angeles, co doprowadziło do powstania amerykańskiego centrum produkcji filmowej, które od 1913 roku nosiło nazwę Hollywood. Wkrótce potem powstał system studiów filmowych, skupiający się na produkcji filmów w dużych studiach. W tym czasie dominującymi gatunkami były westerny i komedie slapstickowe, a na ekranie zaczęły pojawiać się pierwsze gwiazdy filmowe. Dramat Traffic in Souls (1913), który poruszał temat przymusowej prostytucji, był jednym z pierwszych filmów, które przyciągnęły widzów do tego drażliwego tematu. W dramacie  Franka Powella Głupiec tu był (1915), w którym życie żonatego mężczyzny załamuje się pod wpływem jego kochanki, po raz pierwszy wykorzystano motyw femme fatale, kobiety przynoszącej mężczyznom porażkę i zgubę, oraz motyw niewierności, który później został wykorzystany w filmie Ślepi mężowie (1919), w którym żona apatycznego alpinisty stała się obiektem zainteresowania cynicznego uwodziciela. Dramat Within Our Gates Oscara Micheauxa (1920), obecnie najwcześniejszy dochowany film nakręcony przez afroamerykańskiego reżysera, wyróżniał się głównie czarną obsadą i krytyką traktowania mniejszości etnicznych.

Reżyser D. W. Griffith nakręcił dramat biblijny Judyta z Betulii (1914), kontrowersyjny dramat historyczny Narodziny narodu (1915) i dramatyczną epopeję Nietolerancja (1916), a później zwrócił się w stronę dramatów romantycznych, takich jak Złamana lilia (1919), Prawdziwe serce Susie (1919),  Romans z Doliny Szczęścia (1919) czy Męczennica miłości (1920). Ponadto pracował także nad dramatami wojennymi, w tym nad filmami Serce świata (1918), Dwie sieroty (1921) i Ameryka (1924). Szereg dramatów wyprodukowano również w Europie, np. francuski dramat historyczny Królowa Elżbieta (1912), niemiecki dramat Madame DuBarry (1919), duński film Prezydent (1919), szwedzkie filmy Ingeborg Holm (1913) i Skarb rodu Arne (1919) czy szwedzko-islandzki dramat Banici (1918).

 

Dramat w latach 20. i pre-code Hollywood

W XX wieku przemysł filmowy stale się rozwijał (pod koniec dekady w samych Stanach Zjednoczonych działało około dwudziestki studiów filmowych), a wraz z nim liczba nowych filmów powstających każdego roku stale rosła. Większość z tych filmów była niema, a towarzyszyła im jedynie muzyka, w której pośredniczyła orkiestra grająca na żywo. Pierwsze eksperymenty z nagranym dźwiękiem miały miejsce w filmie Wieża miłości (1926), który zawierał niezależną ścieżkę dźwiękową nagraną na specjalnym nośniku. Przełomem okazał się dramat muzyczny Śpiewak jazzbandu (1927), pierwszy film dźwiękowy, w którym ścieżka dźwiękowa była już częścią samego filmu. Jego sukces doprowadził następnie do rozpowszechnienia się filmów dźwiękowych, które zdominowały produkcję filmową po 1929 roku. Przejście na filmy dźwiękowe znacząco wpłynęło nie tylko na kariery niektórych aktorów i aktorek, ale także na niektóre filmy - na przykład dramat Królowa Kelly (1929) pozostał niedokończony i z pospiesznie przerobionym zakończeniem był dystrybuowany w Europie, ale nie w Stanach Zjednoczonych. W każdym razie przed i po tym okresie powstawały filmy różnych gatunków, najczęściej komedie, westerny, filmy przygodowe i romantyczne, historyczne i wojenne, ale także horrory, kryminały, a po wynalezieniu filmu dźwiękowego - musicale.

Do najważniejszych dramatów tego okresu należą dramaty biblijne reżysera Cecila B. DeMilla Dziesięcioro przykazań (1923) oraz Król królów (1927), dramaty wojenne Czterech jeźdzców Apokalipsy reżysera Rexa Ingrama (1921) lub Wielka parada Kinga Vidora (1925) lub dramaty romantyczne Dama kameliowa (1921) i Słowik hiszpański (1926). Początkowo szwedzki reżyser Victor Sjöström, odniósł sukces w Hollywood filmem Ten, którego biją po twarzy (1924), w którym przedstawił historię upadku intelektualisty i jego kariery w cyrku, Szkarłatna litera (1926), opartym na życiu cudzołożnicy w purytańskim społeczeństwie, oraz Wicher (1928), którego bohaterka oszalała w obliczu surowego środowiska, do którego została zmuszona się przeprowadzić. Podobny tor kariery obrał urodzony w Niemczech reżyser, F. W. Murnau, który na rodzimym gruncie odniósł sukces m.in. dramatami Czarcie pole (1922), Fantom (1922) czy Portier z hotelu Atlantic (1924), a następnie przebił się w Stanach Zjednoczonych dramatem romantycznym Wschód słońca (1927), który zdobył trzy Oscary, w którym żonaty wieśniak tymczasowo zakochuje się w nieznanej piękności z miasta, co jednak tylko potwierdziło jego miłość do żony. Murnau później nakręcił w Stanach jeszcze dramaty Czterech diabłów (1928), Miejska dziewczyna (1930) oraz Tabu (1931).

W 1929 roku odbyła się pierwsza ceremonia wręczenia Nagród Akademii Filmowej, a pierwszym laureatem został wojenny dramat romantyczny Skrzydła (1927), który zachwycił widzów scenami walk powietrznych. Warto również wspomnieć o dramatach Tchórz (1921), Niepotrzebny człowiek (1927) oraz filmy reżysera Ericha von Stroheima Szalone żony (1922), Chciwość (1924) i Marsz weselny (1928). Spośród europejskich produkcji wyróżniają się przede wszystkim dramaty duńskiego twórcy Carla Theodora Dreyera Napiętnowani (1922), Michael (1924) czy Męczeństwo Joanny d'Arc (1928), francuski dramat biograficzny Napoleon (1927), radzieckie filmy Pancernik Potiomkin (1925) i Strajk (1925), brytyjskie dramaty Alfreda Hitchcocka Łatwa cnota (1927) i Człowiek z wyspy (1929) oraz niemieckie filmy Georga Wilhelma Pabsta Skarb (1923), Zatracona ulica (1925), Puszka Pandory (1929), Dziennik upadłej dziewczyny (1929) i Białe piekło (1929).

Lata 20. były również początkiem ery jazzu i okresem społecznego entuzjazmu, swobodnej atmosfery i prohibicji. W odpowiedzi na nieokiełznane podejście amerykańskich filmowców do prezentowania niemoralnych tematów w filmach, w 1922 roku założono Stowarzyszenie Producentów i Dystrybutorów Ameryki (w skrócie MPPDA), organizację samocenzurującą, na czele której stał przewodniczący Will H. Hays, i ustanowiono kodeks produkcyjny, zestaw zasad moralnych i wytycznych, których miały przestrzegać hollywoodzkie filmy. Kodeks powstał w 1930 roku, ale nie był ściśle egzekwowany aż do 1934 roku, kiedy to przyjęto nieformalną nazwę "Kodeks Haysa" w odniesieniu do założyciela stowarzyszenia. Zasady Kodeksu Produkcyjnego funkcjonowały do późnych lat 60. XX wieku, kiedy to został on zniesiony w 1966 roku, a następnie zastąpiony w 1968 roku przez obowiązującą do dziś klasyfikację filmów MPAA. Okres amerykańskiego kina między powszechnym wprowadzeniem filmów dźwiękowych w 1929 roku a przyjęciem Kodeksu Produkcyjnego w 1934 roku jest określany jako pre-code Hollywood, czyli Hollywood przed kodeksem. W tym okresie powstały takie dramaty jak Bezbożna dziewczyna (1929), Pokusa (1929), Rozwódka (1930), Mistrz (1931), Kobiety bez przyszłości (1931), Szaleństwo amerykańskie (1932), Pozew rozwodowy (1932), Ludzie w hotelu (1932), Kawalkada (1933), Poranna chwała (1933) lub Małe kobietki (1933).

 

Rozwój amerykańskiego melodramatu po pojawieniu się filmu dźwiękowego

W opozycji do wielkiej ilości filmów wojennych i przygodowych oraz westernów, w Hollywood rozpoczęto produkować również dramaty, które zawierały elementy przeznaczone zarówno dla kobiecej, jak i męskiej publiczności, koncentrując się w szczególności na silnych postaciach kobiecych i wątkach miłosnych, relacjach partnerskich oraz tematach małżeństwa, niewierności i kryzysów w związkach. Takie filmy były tworzone już pod koniec lat 20. i na początku lat 30. przez reżyserów takich, jak Frank Borzage, którego trzykrotnie nagrodzony Oscarem romantyczny film wojenny Siódme niebo (1927), a następnie Anioł ulicy (1928), były sentymentalnymi romansami z końca ery kina niemego, czy John M. Stahl, którego melodramaty Boczna ulica (1932), Imitacja życia (1934) czy Magnificent Obsession (1935) były już filmami dźwiękowymi. John M. Stahl następnie odniósł sukces z When Tomorrow Comes (1939), o romansie kelnerki z żonatym pianistą, oraz Zostaw ją niebiosom (1945), którego zakochana bohaterka zniszczyła własną zazdrością wszystkich w swoim sąsiedztwie. Jego filmy zawierały jednak także elementy melodramatyczne Immortal Sergeant (1943), Klucze królestwa (1944) czy Wieczna Amber (1947). Reżyser George Cukor w swojej melodramatycznej komedii Kobiety (1939) obsadził wyłącznie kobiety, choć jego fabuła obracała się głównie wokół relacji z mężczyznami. Z melodramatycznymi historiami pracowała w filmach Blaski i cienie miłości (1932) i Christopher Strong (1933) także autorka Dorothy Arzner, jedyna kobieta-reżyser w Hollywood lat 30-tych.

Niektóre melodramaty w latach trzydziestych korzystały z obecności znanych aktorek w rolach głównych, a wiele aktorek stało się gwiazdami dzięki rolom w melodramatach. Jedną z największych była Barbara Stanwyck, która po raz pierwszy zabłysła w filmie Ćmy nocne Franka Capry (1930), a następnie zagrała główne role w melodramatach Zakazany owoc (1932), Gorzka herbata generała Yen (1933), Baby Face (1933), Czerwona dama (1934) i Wzgardzona Kinga Vidora (1937). Równie sławna była Joan Crawford, która dla odmiany zagrała główne role m.in. w dramacie Sadie McKee (1934), a następnie w filmach Modelka (1937), Chwila pokusy (1938) i Strange Cargo (1940), z których wszystkie zostały wyreżyserowane przez Franka Borzage. Bette Davis wystąpiła w filmie Jezebel Williama Wylera (1938), który zdobył dwa Oscary, a następnie wcieliła się w postać śmiertelnie chorej dżokejki wyścigowego w dramacie Edmunda Gouldinga Mroczne zwycięstwo (1939). William Wyler następnie obsadził ją w filmie Małe liski (1941), który był nominowany do dziewięciu Oscarów, a w Trzy kamelie (1942), Irving Rapper powierzył jej rolę kobiety, która buntuje się przeciwko dominującej matce.

W Hollywood przebiła się również urodzona w Niemczech aktorka Marlene Dietrich, która w filmach Josefa von Sternberga Błękitny anioł (1930) i Maroko (1930) grała piosenkarkę kabaretową, a następnie została obsadzona jako kurtyzana w Szanghaj Ekspres (1932) i jako tancerka w Diabeł jest kobietą (1935). Marlene następnie zaimponowała również jako złodziejka klejnotów w Pokusa Franka Borzage’a (1936) i jako żona flirciara w dramacie Ernsta Lubitscha Eskapada (1937). Podobny sukces odniosła urodzona w Szwecji aktorka Greta Garbo, która zasłynęła już rolami w niemych melodramatach Symfonia zmysłów (1926), Władczyni miłości (1928) i Pocałunek (1929). Następnie zagrała m.in. szpiega w filmach Żar miłości (1928) i Mata Hari (1931), śpiewaczkę operową w Romans (1930), byłą prostytutkę w dramacie Anna Christie (1930), niewierną żonę w dramacie Anna Karenina (1935) i kurtyzanę w dramacie Dama kameliowa George’a Cukora (1936). Wśród innych aktorek, które regularnie pojawiały się w filmach melodramatycznych, warto wymienić Jean Harlow (W twoich ramionach, 1933), Margaret Sullavan (Next Time We Love, 1936), czy Janet Gaynor (siedmiokrotnie nominowany do Oscara melodramat rozgrywający się w środowisku studia filmowego Narodziny gwiazdy, 1937).

 

Więcej dramatów złotej ery Hollywood w latach 30. XX wieku

Okres lat 30. i większości lat 40. jest często określany mianem złotej ery Hollywood, podczas której na ekranie pojawiło się nowe pokolenie gwiazd i w pełni rozwinęły się nowe popularne gatunki, takie jak musicale i filmy gangsterskie. Produkcja filmów dźwiękowych była na zaawansowanym etapie, zaczynały się też pojawiać filmy kolorowe - pierwszym pełnometrażowym filmem nakręconym w kolorze, a konkretnie przy użyciu metody trzech filtrów Technicolor, był dramat historyczny Jarmark próżności (1935). Tę samą metodę zastosowano następnie w innych filmach, zwłaszcza w widowiskowych filmach kostiumowych Czarnoksiężnik z Oz (1939) i Przeminęło z wiatrem (1939), który stał się najdroższym filmem dekady i najdłuższym filmem dźwiękowym swoich czasów, wygrywając rekordową liczbę ośmiu kategorii Oscarów i osiągając bezprecedensowy rekordowy sukces pod względem sprzedaży. Z drugiej strony istniały również bardzo tanie filmy, tak zwane filmy klasy B, które powstały jako ekonomiczna konsekwencja Wielkiego Kryzysu.

Na Oscarach dobrze radziły sobie w latach trzydziestych także inne dramaty - cztery statuetki trafiły do Johna Forda za film Potępieniec (1935), a dramat biograficzny Williama Dieterlego zdobył trzy z dziesięciu nominacji. Życie Emila Zoli (1937), i dwie z pięciu nominacji przypadły na filmy Ziemia błogosławiona Sidneya Franklina (1937) i Miasto chłopców Normana Tauroga (1938). Ich troje Williama Wylera (1936) odniosły mniejszy sukces niż jego dramaty romantyczne Dodsworth (1936) i Wichrowe wzgórza (1939), które otrzymały po jednej statuetce. George Cukor nakręcił trzykrotnie nominowany dramat Dawid Copperfield (1935) i czterokrotnie nominowany do Oscara dramat romantyczny Romeo i Julie (1936), a reżyser Frank Capra ubiegał się o nagrody za swoje filmy Pan z milionami (1936) i Pan Smith jedzie do Waszyngtonu (1939). Do wielu Oscarów były nominowane również filmy dramatyczne, jak np. Opowieść o dwóch miastach (1935), Obcym wstęp wzbroniony (1937), Złudzenia życia (1938), Myszy i ludzie (1939) i Żegnaj Chips (1939).

 

Wojna, powojenne dramaty i koniec złotej ery Hollywood

Wraz z wybuchem II wojny światowej w Stanach Zjednoczonych skończyły się problemy gospodarcze z poprzedniej dekady, a film nie tylko zapewniał rozrywkę w trudnych czasach, ale także stał się źródłem informacji, zachęty moralnej i, z punktu widzenia wojska, narzędziem propagandowym. Nakręcono dużą liczbę filmów wojennych, ale inne gatunki były również płodne, a podczas gdy amerykański przemysł filmowy rozkwitł, europejska produkcja ucierpiała w wyniku walk. Zaangażowanie w wojnę znalazło odzwierciedlenie w wielu filmach niewojennych - ogromną popularnością cieszył się nagrodzony trzema Oscarami dramat romantyczny Michaela Curtiza Casablanca (1942), rozgrywający się na neutralnym gruncie klubu nocnego w stolicy Maroka podczas wojny, czy patriotyczny dramat Williama Wylera Pani Miniver (1942), który zdobył sześć z 12 nominacji do Oscara. W czasie wojny filmy amerykańskie nie były eksportowane do Europy, ale po jej zakończeniu trend ten powrócił. W drugiej połowie lat 40. twórczy entuzjazm osłabł w następstwie sfingowanych obław na komunistów w przemyśle filmowym, a złoty okres Hollywood dobiegł końca w 1948 roku, gdy Sąd Najwyższy USA uznał za nielegalne dotychczasowe monopolistyczne praktyki dystrybucyjne studiów filmowych, które nadzorowały działalność sieci kin i same sprzedawały im filmy w opakowaniach zbiorczych. Zmiana praktyk dystrybucyjnych pozwoliła następnie mniejszym studiom i niezależnym producentom wejść do branży filmowej, a ponadto pracownicy filmowi mogli pracować dla kilku studiów jednocześnie.

Dramat o fikcyjnym milionerze i potentacie medialnym Obywatel Kane (1941) reżysera Orsona Wellesa wzbogacił kino o szereg progresywnych technik filmowych i fabularnych, i choć zdobył tylko jedną z dziewięciu nominacji do Oscara, a w momencie powstania nie został zbytnio doceniony przez widzów, z czasem stał się chwaloną legendą, często pojawiającą się na listach najlepszych amerykańskich filmów wszech czasów. Orson Welles następnie wyreżyserował czterokrotnie nominowany do Oscara dramat Wspaniałość Ambersonów (1942), który opowiadał historię wysoko postawionej rodziny, która straciła cały swój majątek i status społeczny, a później wyreżyserował też adaptację Szekspira, Makbet (1948). Dwa Oscary zostały przyznane Grona gniewu Johna Forda (1940), w którym rolnicza rodzina, dotknięta klęską żywiołową, została zmuszona do poszukiwania szczęścia na Zachodzie, a oprócz tego do powstania godnych uwagi adaptacji powieści dramatycznych przyczyniły się filmy Duma i uprzedzenie (1940), Dziwne losy Jane Eyre (1943) i Małe kobietki (1949). John Ford wyreżyserował później dramat Zielona dolina (1941), sagę rodzinną osadzoną wśród walijskich górników, która zdobyła pięć Oscarów. Siedem nominacji do Oscara zdobył dramat biograficzny Mervyna LeRoya Curie Skłodowska (1943), opowiadający o odkryciu radioaktywnego pierwiastka radu, a jedną z sześciu nominacji do Oscara otrzymał dramat noir Michaela Curtiza Mildred Pierce (1945), opowiadający o wyemancypowanej kobiecie, która rozpoczyna działalność gospodarczą w pogoni za amerykańskim snem na własnych warunkach, a następnie decyduje się poświęcić dla swojej córki.

Pięć nominacji do Oscara zdobył film Franka Capry To wspaniałe życie (1946), opowiadający o przygnębionym mężczyźnie, który zostaje uratowany przez anioła, a później ten sam reżyser nakręcił dramat Stan Unii (1948), który porusza problemy w relacjach za kulisami kampanii prezydenckiej. Zdobywcą siedmiu Oscarów był powojenny film Williama Wylera Najlepsze lata naszego życia (1946), przedstawiający zmagania trójki mężczyzn o powrót do społeczeństwa po powrocie z wojny, zaś dramat romantyczny Dziedziczka (1949) tego samego reżysera zdobył cztery statuetki. Cztery z dwunastu nominacji do Oscara zyskał dramat Pieśń o Bernadette Henry’ego Kinga (1943), opowiadający o francuskiej wieśniaczce, która jest świadkiem objawienia Matki Boskiej. Jedna statuetka z dwunastu nominacji przypadła na dramat Johnny Belinda (1948), opowiadający o zgwałconej głuchoniemej dziewczynie, podczas gdy bohaterka Siedlisko węży (1948), badana w szpitalu psychiatrycznym, zmagała się z utratą pamięci. Uprzedzenia rasowe były tematem filmu Pinky (1949), którego bohaterką była czarnoskóra kobieta o niezwykle jasnej karnacji skóry, podczas gdy nagrodzony czterema Oscarami dramat Billy’ego Wildera Stracony weekend (1945) koncentrował się na alkoholizmie.

Trzy Oscary otrzymał film Dżentelmeńska umowa (1947), dramat z obszaru dziennikarstwa śledczego o antysemityzmie w amerykańskim społeczeństwie, i taką samą ilość statuetek zdobył dramat Gubernator (1949), opowiadający o polityku, którego nowo zdobyta władza zmieniła z uczciwego idealisty w amoralnego demagoga. Komediodramat List do trzech żon (1949) z kolei opowiadał o trzech kobietach w podróży, które zostają zmuszone przez anonimową wiadomość do zastanowienia się nad stanem swojego małżeństwa. Lekką ulgę przyniósł nagrodzony trzema Oscarami dramat rodzinny Cud na 34. ulicy (1947), który kręcił się wokół procesu sądowego ze Świętym Mikołajem. Ponadto pojawiły się inne dramaty rodzinne, takie jak Powrót Lassie (1943) i Dzwony Najświętszej Marii Panny (1945) oraz dramaty sportowe Duma Jankesów (1942), Wielka nagroda (1944) i Champion (1949).

 

Brytyjskie i inne europejskie dramaty z lat 30. i 40. XX wieku

Europejska produkcja filmowa przed II wojną światową i w jej trakcie była w przeważającej mierze propagandowa, ale było wiele wyjątków i wielkich twórców. Najważniejszym francuskim reżyserem tego okresu był Jean Renoir, który po swoich dramatach Suka (1931), Madame Bovary (1933), Toni (1935) i Ludzie z zaułka (1936), zdobył wielką sławę swoim antywojennym filmem Towarzysze broni (1937), w którym odzwierciedlił strach Europy przed potencjalnym konfliktem na dwa lata przed rozpoczęciem wojny. Hiszpański reżyser Luis Buñuel rozpoczął swoją karierę od filmów eksperymentalnych Pies andaluzyjski (1929) i Złoty wiek (1930). Niemiecki reżyser Fritz Lang nakręcił dramat o seryjnym mordercy M - Morderca (1931), a następnie skorzystał z okazji, by zrobić karierę w USA. W Związku Radzieckim rozpoczął się ruch zwany socrealizmem, do którego reżyserzy i inni artyści musieli się dostosować, produkując dramaty takie jak Ziemia (1930), Dezerter (1933), Patrioci (1933), Na brzegu błękitnego morza (1936) czy trylogia biograficzna Dzieciństwo Gorkiego (1938), Wśród ludzi (1939) i Moje uniwersytety (1940). Warto jednak wspomnieć między innymi o niemieckich filmach dramatycznych Braterstwo ludów (1931), Dziewczęta w mundurkach (1931), Miłostki (1933) czy Barcarole (1935), portugalskim Maria do Mar (1930), czechosłowackiej Ekstaza (1932), szwedzkim Noce Walpurgi (1935) lub brytyjskim Jankes w Oksfordzie (1938).

Po wojnie były jednymi z najważniejszych w brytyjskiej kinematografii adaptacje Dickensa Wielkie nadzieje (1946) i Oliver Twist (1948) w reżyserii Davida Leana, który wcześniej nakręcił także dramat romantyczny Spotkanie (1945), opowiadający o niespełnionej miłości lekarza i zamężnej kobiety, którzy regularnie spotykali się podczas jazdy pociągiem. Inne najważniejsze filmy to Stracone złudzenia Carola Reeda (1948), Anna Karenina Juliena Duviviera (1948), Hamlet Laurence’a Oliviera (1948) lub anty-melodramatyczny film Czerwone trzewiki autorstwa duetu twórczego Michael Powell i Emeric Pressburger, który stał między innymi za romansem Wiem, dokąd zmierzam (1945), dramatem psychologicznym Czarny narcyz (1947) czy dramatem wojennym z elementami fantasy Sprawa życia i śmierci (1946), który łączył film kolorowy z czarno-białymi sekwencjami snów. Z francuskich dzieł najbardziej wyróżniał się dramat Roberta Bressona Anioły grzechu (1943), Komedianci Marcela Carné’ego (1946) i filmów Jeana Renoira Południowiec (1945) i Dziennik panny służącej (1946). Warto też zwrócić uwagę na dramaty romantyczne Wieczny powrót (1943) i Pustelnia parmeńska (1948) czy film Monsieur Vincent (1947), przedstawiający życie księdza, który próbował obudzić solidarność wśród ludzi podczas epidemii dżumy.

Włoskie kino było pod silnym wpływem neorealizmu, który odzwierciedlał rzeczywistość społeczną powojennych Włoch i skupiał się na autentycznych lokalizacjach i historiach z życia biedoty i klasy robotniczej. Trend ten po raz pierwszy pojawił się w filmie Luchina Viscontiego Opętanie (1943), a następnie w dramacie Vittoria De Sica Dzieci patrzą na nas (1944). Po zakończeniu wojny włoski neorealizm przeniknął do twórczości Roberta Rossellini’ego, zwłaszcza do jego dramatu Rzym, miasto otwarte (1945), opowiadającym o losach zwykłych ludzi w okupowanym przez Niemców Rzymie, a następnie do jego filmów Niemcy – rok zerowy (1948) i Stromboli, ziemia Boga (1950). Vittorio De Sica nakręcił także Dzieci ulicy (1946), a następnie stał się znany ze swoich dramatów Złodzieje rowerów (1948), historia ojca i syna poszukujących skradzionego roweru, oraz Umberto D. (1952), opowiadającym o trudnym życiu starzejącego się emerytowanego urzędnika państwowego. Film Ziemia drży Luchino Viscontiego (1948) z kolei przedstawiał warunki życia biednych i wyzyskiwanych rybaków. Inne godne uwagi europejskie dramaty z lat 40. to duński Dzień gniewu (1943), niemiecki film Mordercy są wśród nas (1946), węgierski film Gdzieś w Europie (1948), polski Ostatni etap (1948), czechosłowackie dramaty psychologiczne Šťastnou cestu (1943), Daleka droga (1948) i Svědomí (1948), czy radziecki dwuczęściowy film Iwan Groźny (1945). W Szwecji reżyser Ingmar Bergman rozpoczął karierę filmową od dramatów Kryzys (1946), Deszcz pada na naszą miłość (1946), Miasto portowe (1948), Więzienie (1949) i Pragnienie (1949), przy czym jako scenarzysta zadebiutował już w filmie Skandal (1944).

 

Wielkie filmy epickie i inne formy amerykańskiego dramatu w latach 50. XX wieku

We wczesnych latach pięćdziesiątych walka z komunizmem w Stanach Zjednoczonych osiągała swojego szczytu, kiedy to szereg dyrektorów przemysłu rozrywkowego znalazło się na czarnej liście z powodu procesów z filmowcami prowadzonych przez budzącego strach senatora Josepha McCarthy'ego. Telewizja stała się główną konkurencją dla studiów filmowych, a ich liczba zaczęła gwałtownie rosnąć w amerykańskich gospodarstwach domowych, co doprowadziło do spadku frekwencji obecności w kinach. To, co producenci myśleli o telewizji, było widoczne w dramatach satyrycznych, takich jak Twarz w tłumie (1957), który krytykował tendencję telewizji do manipulowania ludźmi. Chęć zatrzymania widzów w kinach zmusiła filmowców do wprowadzenia szeregu innowacji, z których większość okazała się krótkotrwałymi atrakcjami, takimi jak interaktywne pokazy horrorów, kręcenie stereoskopowych filmów, które trzeba było oglądać w okularach Polaroid 3D, czy wyświetlanie panoramicznych filmów w technologii Cinerama na szerokim zakrzywionym ekranie, który wykorzystywał peryferyjne widzenie widzów. Nastąpił wielki boom kin samochodowych. Doszło też do powstania systemu CinemaScope, który był używany do kręcenia filmów szerokoekranowych, co samo w sobie było znaczącym wydarzeniem, jednak mimo to oba osiągnięcia pozostały popularne tylko do lat 60-tych. Najtrwalszą strategią mającą na celu przyciągnięcie widzów do kina było zatem dalsze ulepszanie kolorowego obrazu i dźwięku w filmie, praca z kontrowersyjnymi i odważnymi tematami, które nie pojawiały się w telewizji, oraz skierowanie się do nastolatków zarówno tematycznie, jak i poprzez nowe gwiazdy aktorskie.

Inną częścią strategii było tworzenie wystawnych i drogich, wysokobudżetowych filmów o tematyce epickiej, z których jednym z pierwszych był film cyrkowy Największe widowisko świata (1952), którego reżyser Cecil B. Demille nakręcił następnie nominowany do siedmiu Oscarów dramat biblijny Dziesięcioro przykazań (1956), remake jego własnego filmu z 1923 roku, po którym pojawiły się inne biblijne lub przygodowe epickie dramaty historyczne, takie jak Szata (1953) reżysera Henry’ego Kostera, rekordowy zdobywca jedenastu Oscarów Ben Hur Williama Wylera (1959) czy czterokrotnie Oscarem nagrodzony Spartakus Stanleya Kubricka (1960). Świetnymi filmami narracyjnymi były także dramaty historyczne Quo Vadis autorstwa Mervyna LeRoya (1951), Juliusz Cezar (1953) Josepha L. Mankiewicza, Egipcjanin Sinuhe Michaela Curtiza (1954), Ziemia faraonów Howarda Hawksa (1955) lub Wojna i pokój Kinga Vidora (1956). Z nowszą historią mieliśmy do czynienia na przykład w spektakularnej i nominowanej do dziesięciu Oscarów sadze rodzinnej reżysera Georga Stevensa Olbrzym (1956) czy nagrodzonym siedmioma Oscarami dramacie wojennym Davida Leana Most na rzece Kwai (1957).

Do największych sukcesów reżysera Elii Kazana należał dramat psychologiczny Tramwaj zwany pożądaniem (1951), który zdobył cztery Oscary z dwunastu nominacji, oraz późniejszy, Oscarem nagrodzony film Na wschód od Edenu (1955), którego fabuła skupiała się na niepewnym siebie młodym mężczyźnie i jego walce o przychylność surowego ojca i protegowanego brata. Świat rozdartego dorastania był również tematem dramatu Nicholasa Raya Buntownik bez powodu (1955), dramat Dziki (1953) przedstawiał nastoletniego przywódcę gangu motocyklowego, który zakochuje się w córce wrogiego policjanta, a dramat Szkolna dżungla (1955) opowiadał o walce między nauczycielami a szkolnymi przestępcami. Nagrodzony sześcioma Oscarami dramat Josepha L. Mankiewicza Wszystko o Ewie (1950) rozgrywał się za kulisami teatru, podczas gdy Wielki nóż (1955) Roberta Aldricha był dla odmiany druzgocącym spojrzeniem za kulisy produkcji filmowej.

Satyrycznym portretem Hollywood był także słynny dramat Billy’ego Wildera Bulwar zachodzącego słońca (1950), który opowiadał o powierzchowności sławy i wyblakłych gwiazdach filmowych i zdobył trzy z jedenastu nominacji do Oscara. Ten sam reżyser nakręcił następnie dramat As w potrzasku (1951), którego historia skupiała się wokół pragmatycznego dziennikarza, który w pogoni za sensacją nie cofnął się przed niczym. Sześć nominacji do Oscara zdobył dramat Richarda Brooksa Kotka na gorącym blaszanym dachu (1958), który badał skomplikowane relacje w rodzinie właścicieli plantacji bawełny na Południu, a film Freda Zinnemanna Historia zakonnicy (1959), inspirowany prawdziwą historią belgijskiej zakonnicy, był nominowany nawet ośmiokrotnie. Dwunastu gniewnych ludzi (1957) reżysera Sidneya Lumeta przedstawił dramatyczne obrady ławy przysięgłych nad pozornie prostą sprawą morderstwa. Główna bohaterka filmu Trzy oblicza Ewy (1957) cierpia na rzadkie zaburzenie osobowości. Filmy Bez wyjścia (1950), Sayonara (1957) i Ucieczka w kajdanach (1958) poruszały temat uprzedzeń rasowych, a dramaty Złotoręki (1955) i Życie na szali (1956) dla odmiany poruszyły kwestię uzależnienia od narkotyków.

Wśród szczytowych osiągnięć melodramatu w latach 50. znalazły się filmy reżysera Douglasa Sirki, którego Wspaniała obsesja (1954), Interludium (1957) i Zwierciadło życia (1959) były remake'ami wcześniejszych melodramatów autorstwa Johna M. Stahla. Do jego najbardziej znanych dzieł należały filmy Należysz do mnie (1953), w którym główna bohaterka powraca do męża i trójki dzieci, od których uciekła wiele lat wcześniej, Wszystko, na co niebo zezwala (1955), w którym zamiar owdowiałej bohaterki poślubić znacznie młodszego mężczyzny z niższej klasy społecznej spotkał się z krytyką jej potomków i przyjaciół, oraz Pisane na wietrze (1956), historia dwóch mężczyzn i ich problematycznych relacji z jedną kobietą, w których rolę odegrały zazdrość, impotencja i alkoholizm. Inne godne uwagi dramaty romantyczne to nagrodzony sześcioma Oscarami Miejsce pod słońcem George’a Stevensa (1951), pięcioma Oscarami nagrodzony Piękny i zły Vincenta Minnelli’ego (1952), dwoma Oscarami nagrodzony Spokojny człowiek Johna Forda (1952), nominowany do sześciu statuetek dramat muzyczny George’a Cukora Narodziny gwiazdy (1954), czterokrotnie nagrodzony Marty Delberta Manna (1955) i czterokrotnie nominowany film Niezapomniany romans Leo McCarey’ego (1957). Później jednak płodny gatunek melodramatu zaczął być zastępowany bardziej realistycznymi dramatami innych typów.

 

Dramat w latach 60. i koniec klasycznego Hollywood

W Ameryce lata 60. były okresem protestów na rzecz praw człowieka i przeciwko wojnie w Wietnamie, zabójstw prezydenta Kennedy’ego i Martina Luthera Kinga, wyścigu kosmicznego, muzyki rockowej, ruchu hipisowskiego i rewolucji seksualnej. Jeśli chodzi o kino, nastąpiła również popularyzacja kolorowej telewizji, powstanie pierwszych multipleksów z wieloma ekranami oprócz zwykłych kin, a co najważniejsze, studia filmowe zaczęły być własnością międzynarodowych firm z powodu problemów finansowych związanych między innymi ze stałym spadkiem frekwencji widzów. Doprowadziło to do upadku systemu studyjnego w drugiej połowie dekady, co otworzyło drzwi do ery Nowego Hollywood, zdefiniowanej przez pojawienie się nowego pokolenia filmowców, którzy ożywili kino z przypływem tętniącej życiem kreatywnej energii i pasją do artystycznych wartości filmu. Niezależni reżyserzy i producenci również otrzymali więcej przestrzeni, podobnie jak filmy zagraniczne, które miały znaczący wpływ na kształt amerykańskiego kina w tych czasach. Co więcej, filmowcy odkrywali nowe gatunki i podejścia stylistyczne, a zniesienie Kodeksu Produkcyjnego pozwoliło im osiągnąć większy stopień realizmu poprzez przedstawianie bardziej jawnych przejawów przemocy i seksualności. Ponadto zakres tematów filmowych został znacznie rozszerzony. Wiele filmów nakręconych w drugiej połowie lat 60. zapowiadało rozwój kina amerykańskiego na nadchodzące dziesięciolecia.

Kontynuacją hollywoodzkiego trendu epickich hitów były filmy takie jak Król królów Nicholasa Raya (1961), nagrodzony siedmioma Oscarami Lawrence z Arabii (1962) i nagrodzony pięcioma Oscarami Doktor Żywago (1965) Davida Leana, czy monumentalna i nagrodzona trzema Oscarami Kleopatra Josepha L. Mankiewicza (1963), która była wówczas najdroższym filmem wielkoekranowym wszech czasów - jednak ogromne problemy z produkcją i kręceniem tego filmu uniemożliwiały na wiele kolejnych lat tworzenie podobnie megalomańskich projektów. Po ogromnej farsie finansowej dramatu historycznego Upadek Cesarstwa Rzymskiego (1964), ostatnim z tej serii kosztownych eposów stał się dramat biblijny o życiu Jezusa Chrystusa Opowieść wszech czasów (1965). Inne przełomowe dramaty lat 60. obejmowały filmy takie, jak nagrodzony trzema Oscarami dramat sądowy Roberta Mulligana Zabić drozda (1962), opowiedziany z perspektywy dziecka i poruszający tematy gwałtu i nietolerancji rasowej, romantyczną Lolitę Stanleya Kubricka (1962), poruszającą temat pedofilii, czy nagrodzony pięcioma Oscarami dramat psychologiczny Miki Nicholsa Kto się boi Virginii Woolf? (1966), oparty na gorzkich kłótniach pary małżeńskiej. Nie należy również zapominać o nominowanym do dziewięciu Oscarów dramacie bilardowym Roberta Rossena Bilardzista (1961), pięciokrotnie nominowanym filmie Niewiniątka Williama Wylera (1961), filmach Ottona Premingera Burza nad Waszyngtonem (1962) i Kardynał (1963), nagrodzonym trzema Oscarami dramacie o trzech pokoleniach Martina Ritta Hud, syn farmera (1963) oraz dramacie z więzienia Stuarta Rosenberga Nieugięty Luke (1967).

Innym wybitnym reżyserem lat 60. był Sidney Lumet, skupiającym się na dramacie romantycznym Jak ptaki bez gniazd (1960), który poruszał miłosne perypetie charyzmatycznego włóczęgi na amerykańskim Południu, w dramacie psychologicznym Zmierzch długiego dnia (1962) przedstawiał dzień z niespokojnego życia pewnej rodziny, a film Lombardzista (1964) opowiadał historię straumatyzowanego sprzedawcy, który przeżył Holokaust, a film Czerwona linia (1964) ostrzegał przed groźbą konfliktu nuklearnego. Brytyjski film antywojenny Wzgórze (1965) krytykował pozbawione skrupułów metody dowódców wojskowych nadużywających swojej pozycji. Podobnie wpływowy był reżyser Stanley Kramer, którego dwa dramaty sądowe, nominowany do czterech Oscarów Kto sieje wiatr (1960) i nominowany do 11 Oscarów Wyrok w Norymberdze (1961), dotyczyły w pierwszym wypadku początków ludzkiej egzystencji, a w drugim nazistowskich zbrodni wojennych, podczas gdy jego nominowany do dziesięciu Oscarów film Zgadnij, kto przyjdzie na obiad (1967) był dla odmiany komediowym dramatem konwersacyjnym, w którym białe małżeństwo musiało poradzić sobie z czarnoskórym chłopakiem córki. Swoją dramatyczną pracę kontynuował również reżyser Elia Kazan, dodając do swojej filmografii filmy Dzika rzeka (1960), Wiosenna bujność traw (1961), Ameryka, Ameryka (1963) i Układ (1969).

Jednym z kluczowych filmów z początków Nowego Hollywood był dwukrotnie do Oscara nominowany film Easy Rider Dennisa Hoppera (1969), który dzięki opowieści o parze zbuntowanych motocyklistów, którzy wyruszają w pełną rockowych piosenek, nafaszerowaną narkotykami podróż, zapisał się w historii pokładając kamień węgielny gatunku filmów drogi. Atmosfera tamtych czasów została uchwycona z podobną elokwencją przez trzy nagrodzone Oscarem filmy Nocny kowboj Johna Schlesingera (1969), opowiadający o dwóch mężczyznach żyjących na marginesie społeczeństwa. Istotny był również komediodramat reżysera Miki Nicholsa Absolwent (1967), który był nominowany do siedmiu Oscarów i opowiadał historię studenta college'u, który rozpoczyna sekretny romans ze starszą mężatką, ale potem zakochuje się w jej córce. Poza tym na pierwszy plan zaczęli wysuwać się inni nowi reżyserzy, tacy jak Robert Altman (Ów chłodny dzień w parku, 1969), William Friedkin (Chórzyści, 1970), Arthur Penn (dwukrotnie nagrodzony Oscarem Cudotwórczyni, 1962), John Cassavetes (Twarze 1968, Mężowie 1970), John Frankenheimer (trzykrotny laureat Oscara za film Grand Prix, 1966), czy Sydney Pollack (z dziewięcioma nominacjami do Oscara za dramat Czyż nie dobija się koni?, 1969).

 

Brytyjski dramat społeczny i francuska nowa fala

W Wielkiej Brytanii lewicowy ruch literacki „młodych gniewnych” odcisnął piętno na kinie pod koniec lat 50. i na początku lat 60. i zaczęły powstawać socrealistyczne filmy o życiu ludzi z klasy robotniczej. Czołowymi przedstawicielami tego ruchu byli na przykład filmowcy Tony Richardson czy Lindsay Anderson. W dramacie Miłość i gniew (1958) głównym bohaterem był wiecznie niezadowolony uliczny sprzedawca ze straganu ze słodyczami, w filmach Z soboty na niedzielę (1960) i Zmowa milczenia (1960) byli dla odmiany bohaterami robotnicy fabryczni, a film Music-Hall (1960) skupiał się na próżnym, zbankrutowanym przedsiębiorcy teatralnym. Główni bohaterowie filmów Smak miodu (1961), Samotność długodystansowca (1962) i Jeżeli.... (1968) byli nastolatkami. Na uwagę zasługiwały również dramaty reżysera Johna Schlesingera Rodzaj miłości (1962), Darling (1965) i Z dala od zgiełku (1967). Ken Loach zadebiutował dramatem społecznym Kes (1969). Popularnością i uznaniem cieszyły się także liczne dramaty historyczne o europejskich władcach - przykładowo film Becket (1964) zdobył dwanaście nominacji do Oscara, po trzech Oscarach sięgnął Lew w zimie (1968) a sześć złotych statuetek zdobył Oto jest głowa zdrajcy (1966). Warto też wspomnieć o innych brytyjskich filmach dramatycznych takich, jak Miejsce na górze (1959), Sportowe życie (1963), Służący (1963), Othello (1965), Wypadek (1967), Nauczyciel z przedmieścia (1967) lub Pełnia życia panny Brodie (1969).

We Francji kilku filmowców zbuntowało się przeciwko ówczesnemu osiadłemu kinu narodowemu i konwencjonalnym metodom tworzenia filmów. Zaczęli celować w młodą, intelektualną publiczność, czerpiąc z atmosfery późnych lat 50. i 60. oraz zagranicznych trendów filmowych, badając nowe podejścia do tworzenia filmów i eksperymentując z formą i stylem narracji. Pierwszy film francuskiej Nowej Fali jest często określany jako dramat, Piękny Sergiusz (1958), reżysera Clauda Chabrola, który następnie nakręcił takie filmy jak Kuzyni (1959), Landru (1963) czy Skandal (1967). Jednak najwybitniejszymi postaciami tego ruchu byli reżyserzy François Truffaut, który zadebiutował z filmem 400 batów (1959), po czym osiągnął sławę dzięki filmom Jules i Jim (1962), Gładka skóra (1964) lub Skradzione pocałunki (1968) oraz Jean-Luc Godard, który odniósł sukces z dramatem kryminalnym Do utraty tchu (1960), a następnie zasłynął między innymi dramatami Żyć własnym życiem (1962), Pogarda (1963), Kobieta zamężna (1964) czy Szalony Piotruś (1965). Kolejnymi przedstawicielami byli Alain Resnais (Hiroszima, moja miłość, 1959, Zeszłego roku w Marienbadzie, 1961), Jacques Rivette (Zakonnica, 1966, Miłość szalona, 1969), Eric Rohmer (Pod znakiem Lwa, 1962) lub Louis Malle (Błędny ognik, 1963). Ponadto, reżyserzy tacy, jak Jacques Demy (Zatoka aniołów, 1963) lub Agnès Varda (Cleo od 5 do 7, 1962 lub Szczęście, 1965).

 

Inne europejskie i pozaeuropejskie dramaty z lat 50. i 60.

Polskie kino otrząsnęło się z okropności wojny dopiero pod koniec lat pięćdziesiątych, kiedy jednym z jego najwybitniejszych przedstawicieli był reżyser Andrzej Wajda, który wkroczył na scenę swoją trylogią wojenną Pokolenie (1955), Kanał (1957) i Popiół i diament (1958). Później nakręcił między innymi epopeję historyczną Popioły (1965) oraz dramat Wszystko na sprzedaż (1969). Innymi przedstawicielami polskiego kina były na przykład Jerzy Kawalerowicz (Matka Joanna od Aniołów, 1961) czy Roman Polański (Nóż w wodzie, 1962). Na Węgrzech zwróciła na siebie uwagę inna grupa filmowców, w tym Miklós Jancsó (Desperaci, 1966), István Szabó (Ja, twój syn, 1966) czy István Gaál (Sokoły, 1970).

W Związku Radzieckim przemysł filmowy przeszedł fundamentalną zmianę po śmierci Stalina w 1953 roku, kiedy to dzieła filmowe mogły wreszcie odejść od ograniczającego popularnego i patriotycznego socrealizmu. Tym samym, począwszy od drugiej połowy lat pięćdziesiątych, można było produkować dzieła krytykujące wojnę i odzwierciedlające jej negatywny wpływ na krajobraz, społeczeństwo i indywidualne losy ludzi. W tym kontekście nie sposób nie wspomnieć o filmach dramatycznych Lecą żurawie (1957) autorstwa Michaiła Kałatozowa, Los człowieka Siergieja Bondarczuka  (1959), Ballada o żołnierzu Grigorija Czuchraja (1959) czy Dziecko wojny (1962), reżyserskim debiucie Andrieja Tarkowskiego, który później zasłynął dramatem historycznym Andriej Rublow (1966). Na uwagę zasługiwały również filmy Dama z pieskiem (1960), Hamlet (1964) czy Cienie zapomnianych przodków (1964), a także ponad siedmiogodzinny epos Wojna i pokój (1966).

W Szwecji obronił swoją pozycję docenianego na całym świecie filmowca reżyser Ingmar Bergman, który po swoich romantycznych dramatach Ku szczęściu (1950), Letni sen (1951) i Wakacje z Moniką (1953), stworzył swoje najsłynniejsze dzieła Tam, gdzie rosną poziomki (1957) i Siódma pieczęć (1957). Następnie zrealizował między innymi dramaty U progu życia (1958) i Źródło (1960), a także intymną trylogię o udręce i rozmowach z Bogiem, na którą składają się Jak w zwierciadle (1961), Goście Wieczerzy Pańskiej (1963) oraz Milczenie (1963), w których zajmował się przede wszystkim ludzką egzystencją i psychiką. W szczególności psychologia kobiet została również zbadana w dramacie Persona (1966). Kolejne trio jego filmów, tzw. trylogia wyspiarska, składało się z dramatów Godzina wilka (1968), Hańba (1968) i Namiętność (1969), których głównym tematem były, dla odmiany, związki partnerskie.

Hiszpański reżyser Luis Buñuel nakręcił wiele dramatów w Meksyku, jak np. Zapomniani (1950), On (1953), Rzeka i śmierć (1955), Nazarin (1959) oraz Dziewczyna z wyspy (1960). Jego najważniejszym dziełem stał się jednak film Viridiana (1961), który satyryzował mentalność i hipokryzję Kościoła poprzez historię nowicjuszki odwiedzającej swojego wuja. Buñuel następnie nakręcił kilka filmów w koprodukcji francusko-włoskiej (Dziennik panny służącej 1964, Piękność dnia 1967), a do rodzinnej Hiszpanii powrócił dopiero na potrzeby dramatu Tristana (1970). Wśród innych europejskich dzieł dramatycznych wyróżniały się głównie francuskie dramaty romantyczne Madame de… (1953) i Niebezpieczne związki (1959), film duńskiego reżysera Carla Theodora Dreyera Słowo (1955), hiszpańsko-włoski film Śmierć rowerzysty (1955), grecki Grek Zorba (1964) oraz film reżysera Franca Zeffirelliego Romeo i Julia (1968), w koprodukcji brytyjsko-włoskiej.

Podczas amerykańskiej okupacji zdobyło w Japonii pozycję kilku reżyserów będących pod wpływem kina amerykańskiego, w szczególności Akira Kurosawa, który nakręcił kilka dramatów już w latach 40. i którego filmy umożliwiły japońskiemu kinu penetrację Zachodu. Chociaż jest najbardziej znany ze swoich filmów samurajskich, jego liczne dramaty, zwłaszcza Skandal (1950), Idiota (1951), Piętno śmierci (1952), Żyję w strachu (1955), Na dnie (1957), a także późniejszy Rudobrody (1965). W dorobku reżysera Yasujiro Ozu znalazły się dramaty Wczesne lato (1951) czy Wczesna wiosna (1956), jednak jego najbardziej znanym dziełem był Tokijska opowieść (1953), w którym problemy tamtych czasów zostały przedstawione poprzez opowieść o zderzeniu kilku pokoleń. Warto też wspomnieć na przykład o filmie  Kaneta Shindó Naga wyspa (1960), który opisywał cykliczne życie rodziny zamieszkującej niewielką wyspę, czy melodramatyczne filmy Kenjiego Mizoguchi Życie O'Haru (1952) czy Zarządca Sansho (1954).

 

Sztuka włoska w latach 60. i Czechosłowacka Nowa Fala

Rok 1960 był wyjątkowym rokiem we włoskiej kinematografii. Słodkie życie Federico Felliniego, Przygoda Michelangelo Antonioniego i Rocco i jego bracia Luchino Viscontiego. Fellini, który już w latach 50. stał się sławny dzięki swoim filmom Wałkonie (1953), La Strada (1954) czy Noce Cabirii (1957), przedstawiał w Słodkie życie moralny upadek klasy wyższej we Włoszech w tamtym czasie, kładąc podwaliny pod nowoczesne kino włoskie. Następnie odniósł znaczący sukces swoim dramatem Osiem i pół (1963), w którym tematyzował kryzys twórczy poprzez historię wypalonego filmowca. Antonioni w swoim niezwykłym formalnie i celowo mylącym filmie krytykował również elity społeczne. W Przygoda skrytykował również elity społeczne, a jego film stał się pierwszym w tematycznej tetralogii, która obejmowała również filmy Noc (1961), Zaćmienie (1962) i Czerwona pustynia (1964). Na arenie międzynarodowej Antonioni zadebiutował przede wszystkim filmem Powiększenie (1966), w którym uchwycił atmosferę lat 60. na tle historii pobłażliwego fotografa, który mógł przypadkowo sfotografować próbę morderstwa. W tym samym czasie na uwagę zasługiwały również dramaty reżyserów Piero Paolo Pasoliniego (Ewangelia według świętego Mateusza, 1964), Bernardo Bertolucciego (Przed rewolucją, 1964, Konformista, 1970), Marca Bellocchiego (Pięści w kieszeni, 1965) czy Ermanna Olmiego (Posada, 1961, Narzeczeni, 1963).

W latach 60. w Czechosłowacji zaczęły powstawać światowej klasy filmy pokolenia filmowców znanego jako Czechosłowacka Nowa Fala, której płodna twórczość została przedwcześnie zakończona przez inwazję wojsk radzieckich w 1968 roku. Filmowcy ci wchłonęli nowoczesne podejścia kina europejskiego, a następnie pomogli je ukształtować jako wyraziste osobowości autorskie, często zajmujące się moralnością w społeczeństwie, uciekając się do różnych eksperymentów, często obsadzając nieaktorów i budując specyficzny styl humoru. Jeśli chodzi o dramat, czołowymi przedstawicielami tego ruchu byli na przykład Štefan Uher (Słońce w sieci, 1962), Ján Kadár i Elmar Klos (Sklep przy głównej ulicy, 1965), Jiří Menzel (Pociągi pod specjalnym nadzorem, 1966), Věra Chytilová (Stokrotki, 1966), Jan Němec (O uroczystości i gościach, 1966), Juraj Herz (Palacz zwłok, 1968) i Pavel Juráček (Przypadek dla początkującego kata, 1969). Ponadto reżyserzy tacy jak Jiří Krejčík (Wyższa zasada, 1960), Karel Kachyňa (Wóz do Wiednia, 1966), František Vláčil (Małgorzata, córka Łazarza i Dolina pszczól, 1967), Vojtěch Jasný (Wszyscy dobrzy rodacy, 1968), Otakar Vávra (Młot na czarownice, 1969) i Zdenek Sirový (Uroczystość żałobna, 1969) również nakręcili znaczące filmy dramatyczne w tym samym okresie.

 

Dramaty Nowego Hollywood w latach siedemdziesiątych XX wieku

Zimnowojenna paranoja i afera Watergate zaowocowały w kinie hollywoodzkim serią thrillerów spiskowych, w kinach zaczęły pojawiać się kasowe hity gatunkowe i letnie przeboje kinowe, i po raz pierwszy pojawił się w filmach amerykańskich temat wojny w Wietnamie. W tym samym roku zdobył pięć Oscarów psychologiczny dramat wojenny Michaela Cimina Łowca jeleni (1978), który opowiadał historię kilku mężczyzn dotkniętych traumą wojennych okropieństw, a antywojenny dramat romantyczny Hala Ashby’ego był nominowany do ośmiu Oscarów. Chodzi o Powrót do domu (1978), w którym główna bohaterka zakochuje się w niepełnosprawnym weteranie wojennym po tym, jak jej mąż wyjeżdża na wojnę w Wietnamie. Kierunek kina był już w pełni określany przez młode pokolenie twórców Nowego Hollywood, do którego należeli tacy filmowcy jak Bob Rafelson (Pięć łatwych utworów, 1970), Mike Nichols (Porozmawiajmy o kobietach, 1971), Peter Bogdanovich (nominowany do ośmiu Oscarów Ostatni seans filmowy, 1971), Jerry Schatzberg (Narkomani, 1971), George Lucas (Amerykańskie graffiti, 1973), Sydney Pollack (sześciokrotnie nominowany do Oscara dramat romantyczny Tacy byliśmy, 1973), John Cassavetes (Kobieta pod presją, 1974), John Schlesinger (Dzień szarańczy, 1975), Sidney Lumet (cztery Oscary na dziesięć nominowanych Sieć, 1976), Terrence Malick (Dni niebios, 1978), Woody Allen (Wnętrza, 1978) czy Paul Schrader (Dwa światy, 1979).

Wielkim sukcesem publiczności i krytyków cieszył się epicki dramat mafijny Ojciec chrzestny Francisa Forda Coppoli (1972), który opowiadał o praktykach potężnego klanu przestępczego, przedstawiał złożoną sieć relacji i wewnętrznych rytuałów wśród członków tej zamkniętej gangsterskiej „rodziny” i zdobył trzy z jedenastu nominacji do Oscara. Następnie nakręcił sequel Ojciec chrzestny II (1974), który zdobył sześć z jedenastu nominacji do Oscara, co czyni z niego jedną z najbardziej udanych kontynuacji wszech czasów. Pięć z dziewięciu nominacji do Oscara zdobył dramat urodzonego w Czechosłowacji reżysera  Miloša Formana Lot nad kukułczym gniazdem (1975), w którym nieprzystosowanie osobliwego łobuza, skazanego na pobyt w zakładzie psychiatrycznym, zderzyło się z totalitarnymi praktykami naczelnej pielęgniarki. Podobnie było w filmie Roberta Bentona Sprawa Kramerów (1979), który opowiadał o batalii sądowej rozwodzącej się pary o opiekę nad dzieckiem. Dramat muzyczny Roberta Altmana Nashville (1975), był nominowany do pięciu Oscarów i był on złożoną satyrą na amerykańskie życie w drugiej połowie lat 70-tych, poruszającą takie tematy jak rasizm, przemoc, seksualność, polityka, media i obsesja na punkcie sławy. Atmosfera i poważne problemy społeczne przełomu lat 60. i 70. znalazły odzwierciedlenie w dramacie romantycznym Arthura Hillera Love Story (1970), przedstawiającym historię miłości dwojga młodych ludzi pochodzących z różnych klas społecznych.

Cztery Oscary dla filmu Alana J. Pakuli Wszyscy ludzie prezydenta (1976), który realistycznie nakreślił kulisy redakcji gazety poprzez historię dwóch dziennikarzy śledczych, którzy stopniowo odkrywali skrywaną przez rząd prawdę stojącą za aferą Watergate. Trzy Oscary z dziesięciu nominacji zdobył dramat sportowy Rocky (1976), film bokserski o słabszym zawodniku walczącym o mistrzostwo świata wagi ciężkiej, cztery nominacje zdobył Taksówkarz Martina Scorsesego (1976), który przyglądał się moralnie dekadenckiemu środowisku Nowego Jorku oczami samotnego weterana wojennego, a w komediodramacie Hala Ashby’ego Wystarczy być (1979) bohaterem był prosty ogrodnik, któremu dzięki kilku zbiegom okoliczności udało się zrobić karierę polityczną. Warto również wspomnieć o dramacie romantycznym Wielki Gatsby (1974) czy muzycznym dramacie romantycznym Narodziny gwiazdy (1976) oraz filmie muzycznym Gorączka sobotniej nocy (1977), który czerpał z dyskotekowego szaleństwa.

 

Kino moralnego niepokoju i inne europejskie filmy lat 70.

W Niemczech w latach 60. powstał manifest wzywający do utworzenia szkoły filmowej. Dało to początek nowej fali reżyserów, takich jak Werner Herzog (Znaki życia, 1968), Wim Wenders (Summer in the City, 1971, Alicja w miastach, 1974 i Z biegiem czasu, 1976), Volker Schlöndorff (Słomiany ogień, 1972, Blaszany bębenek, 1979) lub Rainer Werner Fassbinder (Strach zżerać duszę, 1974, Małżeństwo Marii Braun, 1979). W Polsce w drugiej połowie lat 70. powstało „Kino Moralnego Niepokoju”, ruch artystyczny wyrażający niezadowolenie filmowców ze stanu rzeczy narzuconego przez komunistyczną władzę, która ograniczając swobodę twórczą, uniemożliwiała ukazywanie pewnych kwestii społecznych. Wspólnym mianownikiem tego ruchu była tematyka społeczna i problemy etyczne, relacje między człowiekiem a państwem, refleksja nad utratą ideałów i nacisk na odpowiedzialność moralną. Jego czołowymi przedstawicielami byli głównie Andrzej Wajda (Człowiek z marmuru, 1977), Feliks Falk (Wodzirej, 1978), Krzysztof Kieślowski (Amator, 1979), Agnieszka Holland (Aktorzy prowincjonalni, 1979) czy Krzysztof Zanussi (Constans, 1980).

Większą otwartość filmów na kwestie seksualne trafnie odzwierciedlał kontrowersyjny włosko-francuski dramat miłosny Bernarda Bertolucciego Ostatnie tango w Paryżu (1972), natomiast eksplozję przemocy reprezentował dla odmiany brytyjsko-amerykański Mechaniczna pomarańcza Stanleya Kubricka (1971), który był satyryczną krytyką totalitaryzmu opowiedzianą z perspektywy brutalnego przywódcy gangu nastoletnich rozrabiaków. Główni włoscy twórcy, tacy jak Luchino Visconti (Śmierć w Wenecji, 1971, Portret rodzinny we wnętrzu, 1974) i Federico Fellini (Amarcord, 1973, Próba orkiestry, 1978), zaś szwedzki geniusz Ingmar Bergman, który po swoich psychologicznych dramatach Szepty i krzyki (1972), Sceny z życia małżeńskiego (1973) i Jesienna sonata (1978) oznajmił, że Fanny i Aleksander (1982) będzie jego ostatnim filmem fabularnym, mimo że później nakręcił jeszcze kilka filmów telewizyjnych. Jego rodzinny fresk inspirowany dzieciństwem i dziecięcą wyobraźnią, będący zwieńczeniem jego twórczości, został nawet nagrodzony czterema Oscarami. Inne godne uwagi europejskie dzieła to brytyjskie dramaty romantyczne Posłaniec (1971) i Córka Ryana (1970) oraz hiszpański film Duch roju (1973), który przedstawiał stan hiszpańskiej wsi odbudowującej się po wojnie domowej pokazany przez pryzmat dziecka.

 

Wskrzeszenie hollywoodzkiego systemu i amerykańskiego dramatu w latach 80. XX wieku

W amerykańskim kinie lat 80. ilość eksperymentów filmowych została znacznie zmniejszona w porównaniu z poprzednią dekadą, ponieważ system hollywoodzki powrócił do swojej dawnej pozycji siły, w wyniku czego reżyserzy autorscy stopniowo tracili wpływy, podczas gdy studia filmowe i producenci odzyskali swoją siłę. Rynek filmowy skierował się w stronę hitów kinowych, przyciągając widzów poprzez masowe kampanie marketingowe, jednocześnie mocno celując w nastolatków. Filmy akcji stały się fenomenem, ale komedie, horrory i filmy science fiction również rozkwitły. Ponadto rozpoczęła się era sequeli filmowych, a wiele udanych filmów stało się wieloczęściowymi seriami. Estetyka teledysków w telewizji kablowej MTV wpłynęła na formalność filmów, nie wspominając o tym, że wielu nowych reżyserów przyszło do filmu z produkcji teledysków lub reklam. Rewolucją była również popularyzacja kaset wideo, a pierwsza wypożyczalnia wideo została otwarta w 1985 roku. W tym samym czasie stale rosła liczba multipleksów kinowych, w których umieszczano wiele ekranów, zwłaszcza w miejskich centrach handlowych.

Dwa Oscary z dziewięciu nominacji przypadły filmowi Wściekły byk Martina Scorsesego (1980), biograficznemu dramatowi sportowemu poświęconemu historii bokserskiego mistrza wagi średniej. Martin Scorsese, który kilka lat później doczekał się kontynuacji dramatu bilardowego Bilardzista (1961), nakręcił jego sequel Kolor pieniędzy (1986), a później zachwycił dramatem biblijnym Ostatnie kuszenie Chrystusa (1988). Do ośmiu Oscarów nominowano film Miloša Formana Ragtime (1981), pokazujący przejście między XIX i XX wiekiem na tle kilku historii. Miloš Forman odniósł duży sukces dzięki dramatowi Amadeusz (1984), który zdobył osiem Oscarów i który dotyczył historii rywalizacji między genialnym kompozytorem Wolfgangiem Amadeuszem Mozartem i jego zazdrosnym rywalem Antoniem Salierim. Kolejnym projektem dramatycznym Formana był film Valmont (1989), podczas gdy ta sama postać i ta sama historia były tematem filmu Niebezpieczne związki Stephena Frearsa (1988). Wśród wielkich dramatów biograficznych lat 80. znalazł się na przykład film Warrena Beatty’ego Czerwoni (1981), który zdobył trzy Oscary z dwunastu nominacji, czy też obsypany dziewięcioma Oskarami Gandhi Richarda Attenborougha (1982), spektakularny portret słynnego indyjskiego pacyfisty i przywódcy polityczno-duchowego. Dramat społeczny i film muzyczno-taneczny zostały połączone w filmie Flashdance (1983), który był nominowany do czterech Oscarów, a którego reżyser Adrian Lyne zasłynął później z romantycznego dramatu 9 1/2 tygodnia (1986).

Reżyser Steven Spielberg zanurzył się w wodach poważnego dramatu z epokowym dziełem Kolor purpury (1985), który przedstawiał trudne życie afroamerykańskiej kobiety na amerykańskim Południu i otrzymał 11 nominacji do Oscara. Kolejne sześć nominacji Spielberg zdobył za dramat wojenny Imperium słońca (1987), w którym przedstawił japoński obóz jeniecki z perspektywy 11-letniego chłopca. W swoim ostatnim filmie reżyser Sergio Leone nakręcił dramat mafijny Dawno temu w Ameryce (1984), monumentalny fresk o życiu nowojorskiego gangstera. Nominowany do siedmiu Oscarów film Davida Lyncha Człowiek słoń (1980) opowiadał o burzliwym życiu oszpeconego mężczyzny, a tematem jego tajemniczego kryminału Blue Velvet (1986) była pozorna sielanka małomiasteczkowej Ameryki, ale pod powierzchnią krył się świat przemocy, psychopatów i seksualnych perwersji. Cztery Oscary przyznano filmowi Barry’ego Levinsona Rain Man (1988), filmowi drogi o dwóch mężczyznach, młodym biznesmenie i jego autystycznym starszym bracie, którzy aż do dorosłości nie mieli o sobie pojęcia. Taką samą liczbę Oscarów zdobył również film Zwykli ludzie (1980), intymny dramat psychologiczny Roberta Redforda o członkach jednej rodziny, film Bruce’a Beresforda Wożąc panią Daisy (1989), opowiadający o przyjacielskich relacjach zamożnej wdowy i jej czarnoskórego szofera, oraz dramat sportowy Hugha Hudsona Rydwany ognia (1981), w którym wystąpiła para sportowców olimpijskich. Inne dramaty sportowe to m.in. Urodzony sportowiec (1984) czy Pole marzeń (1989), które zostały wzbogacone o elementy fantasy.

Jedna z sześciu nominacji do Oscara przypadła na dramat Alana J. Pakuli Wybór Zofii (1982), który wykorzystał historię polskiej bohaterki by pokazać niszczycielski wpływu nazizmu na ludzkie życie. O złote statuetki rywalizowały również Czułe słówka Jamesa L. Brooksa (1983), który dotyczył relacji matki i córki oraz dramat muzyczny Barbry Streisand Jentł (1983), w którym pragnienie głównej bohaterki do studiowania religii doprowadziło ją do poślubienia mężczyzny, oraz Pożegnanie z Afryką Sydneya Pollacka (1985), który był romansem między właścicielką plantacji kawy a charyzmatycznym myśliwym. Reżyser Peter Weir został entuzjastycznie przyjęty za film o osobliwym nauczycielu Stowarzyszenie Umarłych Poetów (1989), twórca Steven Soderbergh zadebiutował z sukcesem filmem Seks, kłamstwa i kasety wideo (1989), a Woody Allen odniósł sukces swoimi komediodramatami Hannah i jej siostry (1986) i Zbrodnie i wykroczenia (1989), a także nakręcił poważne dramaty psychologiczne Wrzesień (1987) i Inna kobieta (1989). Inne znaczące dramaty zostały również nakręcone przez takich reżyserów, jak Mark Rydell (Nad złotym stawem, 1981), Sidney Lumet (Werdykt, 1982), Francis Ford Coppola (Rumble Fish, 1983), Philip Kaufman (Pierwszy krok w kosmos, 1983, Nieznośna lekkość bytu, 1988), Hector Babenco (Pocałunek kobiety pająka, 1985, Chwasty, 1987), Tom Moore (Dobranoc, mamusiu, 1986), Oliver Stone (Wall Street, 1987), Jonathan Kaplan (Oskarżeni, 1988) lub Spike Lee (Rób, co należy, 1989).

 

Europejski dramat lat osiemdziesiątych

Francuskie kino w latach 80. zostało zasadniczo ożywione przez twórczość reżyserów, jak Leos Carax (Boy Meets Girl, 1984), Jean-Jacques Beineix (Betty, 1986) i Luc Besson (Wielki błękit, 1988), których filmy wyróżniały się charakterystycznym stylem wizualnym. W Niemczech, należeli do czołowych twórców filmów dramatycznych reżyserzy, którzy zdobyli pozycję już w latach 70-tych, w szczególności Rainer Werner Fassbinder (Lola, 1981, Tęsknota Veroniki Voss, 1982), Volker Schlöndorff (Miłość Swanna, 1984), Wim Wenders (koprodukcja Paryż, Teksas 1984 i dramat o zakochanym aniele Niebo nad Berlinem z 1987 roku) czy Werner Herzog (Woyzeck, 1979). W Polsce do najbardziej cenionych reżyserów należeli Andrzej Wajda (Człowiek z żelaza, 1981) oraz Krzysztof Kieślowski, który po swoich filmach Przypadek (1981) i Bez końca (1985) nakręcił parę dramatów Krótki film o zabijaniu (1987) i Krótki film o miłości (1988), które były oparte na jego serialu telewizyjnym Dekalog (1989-1990), który obejmował Dziesięć Przykazań w dziesięciu odcinkach.

We Włoszech zaistniał jako jeden z największych talentów reżyser Giuseppe Tornatore, który nakręcił swój autobiograficzny, nagrodzony Oscarem film Cinema Paradiso (1988), który był nostalgicznym hołdem dla kina i jego dawnej świetności. W Danii reżyser Lars von Trier odcisnął swoje piętno dzięki trylogii filmów Element zbrodni (1984), Epidemia (1987) i Europa (1991), w których zgłębiał duchowy wymiar zamieszkiwanej przez nas przestrzeni. W Hiszpanii, należały do najistotniejszych dramaty reżysera Carlosa Saury, który już w latach 70. zdobył silną pozycję twórczą dzięki filmom takim, jak Anna i wilki (1973), Kuzynka Angelica (1974), Nakarmić kruki (1976) czy Elizo, moje życie (1977), a w latach 80. rozbudował swoją filmografię między innymi o dramaty muzyczne i musicalowe Krwawe gody (1981), Carmen (1983) czy Czarodziejska miłość (1986). Na uwagę zasługuje również hiszpański dramat Mario Camusa Niewinni święci (1984). Z innych krajów europejskich na uwagę zasługują filmy brytyjskie, np. Caravaggio (1986) i Pola śmierci (1984) czy dramaty romantyczne Jamesa Ivory’ego Pokój z widokiem (1985) i Maurycy (1987), jugosłowiański dramat Emira Kusturicy Ojciec w podróży służbowej (1985) lub węgierskie filmy Béli Tarry Ludzie z prefabrykatów (1982), Jesienny almanach (1985) i Potępienie (1988).

 

Początek ery cyfrowej i amerykański dramat lat 90. XX wieku

W latach 90. Hollywood położyło jeszcze większy nacisk na produkcję wielkich hitów kasowych niż w poprzedniej dekadzie, wydając ogromne sumy na kampanie marketingowe, znanych aktorów i cyfrowe sztuczki. W tym samym czasie kamery cyfrowe wkroczyły do branży filmowej, czyniąc ją tańszą, łatwiejszą i bardziej dostępną dla większej liczby reżyserów, przy czym jako pierwsi zaczęli je wykorzystywać twórcy filmów niezależnych. To sprawiło, że różnice między hollywoodzkimi filmami studyjnymi a niezależnymi twórcami filmowymi stały się jeszcze wyraźniejsze, a niektórzy filmowcy przeplatają swoje niezależne projekty (tzw. Indie filmy) ze współpracą ze studiami (np. Gus Van Sant, reżyser niezależnego dramatu Moje własne Idaho z roku 1991 i nagrodzonego Oscarem studyjnego dramatu Buntownik z wyboru, 1997), podczas gdy innym udało się być całkowicie niezależnymi (np.  Jim Jarmusch, reżyser antyzachodniego dramatu Truposz, 1995). Rynek kaset wideo nadal odnosił ogromne sukcesy (wiele filmów było nawet wydawanych bezpośrednio na wideo bez wcześniejszego pokazu w kinach), ale dodatkowo w 1997 roku po raz pierwszy pojawiły się nośniki DVD, które były trwalsze niż kasety magnetofonowe i często oprócz filmu zawierały inne towarzyszące dodatkowe materiały wideo. W 1996 roku pojawiły się pierwsze transmisje HDTV w wysokiej rozdzielczości, co doprowadziło również do rozwoju nowych telewizorów i kin domowych. Ponadto w latach 90. narodził się Internet, skomputeryzowany system wymiany danych, a tym samym kolejny potencjalny sposób promocji i dystrybucji filmów.

Najbardziej udanym filmem lat 90. był nagrodzony jedenastoma Oscarami Titanic Jamesa Camerona (1997), który oprócz zatonięcia słynnego parowca, opowiadał historię miłości dwojga młodych ludzi z różnych klas społecznych i stał się najbardziej dochodowym filmem wszech czasów. Sześć z trzynastu nominacji do Oscara otrzymał film Roberta Zemeckisa Forrest Gump (1994), który przedstawiał wojnę w Wietnamie z perspektywy prostaka, który zawsze był osobiście obecny przy najważniejszych wydarzeniach w historii Ameryki od lat 50. do 80. ubiegłego wieku. Reżyser Steven Spielberg po raz pierwszy odniósł sukces z filmem Lista Schindlera (1993), nagrodzonym siedmioma Oscarami dramatem o niemieckim biznesmenie i ratowniku setek Żydów z obozów koncentracyjnych, a następnie filmem  Amistad (1997), czterokrotnie nominowanym do Oscara dramatem historycznym o buncie na statku czarnoskórych niewolników, a w końcu dramatem wojennym Szeregowiec Ryan (1998), który otrzymał pięć Oscarów z jedenastu nominacji za historię misji ratunkowej, która rozpoczęła się wraz z lądowaniem w Normandii. Łącznie jedenaście nominacji do Oscara przypadło dwóm filmom więziennym wyreżyserowanym przez Franka Darabonta Skazani na Shawshank (1994), opowiadający o losach i ucieczce z więzienia niesłusznie skazanego urzędnika bankowego, oraz Zielona mila (1999), w którym były strażnik wspomina swoje doświadczenia z więźniami i kolegami.

Dwóch Oscarów doczekał się dramat sądowy Jonathana Demma Filadelfia (1993), który dotyczył uprzedzeń wobec osób chorych na AIDS. Z dziewięciu nominacji zdobył taką samą liczbę nagród film Apollo 13 (1995), Rona Howarda, przedstawiający przebieg nieudanego załogowego lotu na Księżyc. Po jednej statuetce powędrowało do rąk twórców dramatu Zapach kobiety (1992), w którym niewidomego mężczyznę przed samobójstwem uratowała przyjaźń z młodym opiekunem, Zostawić Las Vegas (1995), opowiadającego o scenarzyście uzależnionym od alkoholu, oraz Przed egzekucją (1995), opowiadającym o relacjach między skazanym na karę śmierci mężczyzną a pracowniczką socjalną, która zaczyna dotrzymywać mu towarzystwa w więzieniu. Dziewięć nagród zdobyły Angielski pacjent Anthony’ego Minghelli (1996), romantyczny dramat o rannym żołnierzu opowiadającym pielęgniarce o swoich wspomnieniach z II wojny światowej, a z pięcioma statuetkami na koncie skończył film Sama Mendesa American Beauty (1999), pełen czarnego humoru dramat satyryczny o życiu i rozczarowaniach mieszkańców przedmieść klasy średniej. Reżyser Paul Thomas Anderson po raz pierwszy zasłynął dramatem Boogie Nights (1997), rozgrywającym się w branży pornograficznej, a następnie filmem Magnolia (1999), w którym splótł ze sobą historie kilku bohaterów.

Dramat Joela Schumachera Upadek (1993) opowiadał historię nagłego wybuchu agresji u mężczyzny, który nie mógł poradzić sobie z nagromadzoną frustracją i stresem, Podziemny krąg Davida Finchera (1999) oferował anarchiczną i nihilistyczną krytykę systemu i komercyjnego świata, a Oczy szeroko zamknięte Stanleya Kubricka (1999) przedstawiał historię małżeństwa przechodzącego seksualne odrodzenie. Reżyser Robert Redford odniósł sukces po filmie Rzeka życia (1992) z dramatem o zakulisowych zagraniach telewizyjnego konkursu naukowego Quiz Show (1994), a następnie dramatem romantycznym Zaklinacz koni (1998), o kowbojowi, który potrafił leczyć straumatyzowane zwierzęta. Ponadto warto wspomnieć o innych dramatach romantycznych, w szczególności Książę przypływów Barbry Streisand  (1991), Malaria Spika Lee’ego (1991), Małe kobietki Gilliana Armstronga (1994), Rozważna i romantyczna Anga Lee’ego (1995), Gorzkie gody Romana Polańskiego (1992), Co się wydarzyło w Madison County Clinta Eastwooda (1995), Lolita Adriana Lynego (1997) lub Wbrew regułom Lassa Hallströma (1999). Znaczącymi dramatami były jednak również filmy Glengarry Glen Ross (1992), Na skróty (1993), Burza lodowa (1997), Blizny przeszłości (1996), Zaklinacz deszczu (1997), Dosięgnąć kosmosu (1999), Utalentowany pan Ripley (1999) lub Mordercze lato (1999).

 

Dogma 95 i inne międzynarodowe dramaty lat 90.

W Danii, w odpowiedzi na powierzchowny główny nurt światowego kina, powstał awangardowy ruch artystyczny Dogma 95, którego założyciele zobowiązali się do osiągnięcia realizmu poprzez zestaw dziesięciu zasad, w tym kręcenie w autentycznych lokalizacjach i przy użyciu autentycznych rekwizytów, kręcenie kamerą z ręki, zakaz scen akcji, odrzucenie gatunków i tematów historycznych oraz zakaz używania dodatkowej muzyki i specjalnego oświetlenia. Głównymi przedstawicielami tego trendu byli w szczególności Thomas Vinterberg (Festen, 1998) i Lars von Trier (Idioci, 1998). Ponadto innymi ważnymi przedstawicielami duńskiego kina były także dramaty Przełamując fale (1996) Triera oraz Det bli'r i familien (1994) reżyserki Susanne Bier. W Belgii zaznaczyli swoją obecność bracia Jean-Pierre i Luc Dardennowie, i ze swoimi filmami Je pense à vous (1992), Obietnica (1996) lub Rosetta (1999) stali się nagradzanymi przedstawicielami europejskiego dramatu. Romantyczne dramaty z Hongkongu autorstwa Kar-wai Wonga również wywarły znaczący wpływ na arenie międzynarodowej, w szczególności Chungking express (1994), Upadłe anioły (1995), Marzenia w chmurach (1997) czy Spragnieni miłości (2000).

Przełomowymi dziełami brytyjskiego dramatu to m.in. Okruchy dnia Jamesa Ivory’ego (1993), nominowana do ośmiu Oscarów historia dystyngowanego kamerdynera, nominowane do pięciu Oscarów Sekrety i kłamstwa Mika Leigha (1996), o ponownym spotkaniu matki i córki po wielu latach, lub Trainspotting Danny’ego Boyla (1996), manifestu pokoleniowego celebrowanego za tematykę narkotykową. Wśród francuskich dzieł, nagrodzony Oscarem dramat romantyczny Indochiny (1992), rozgrywający się na plantacjach kauczuku w kolonialnym Wietnamie, oraz Nienawiść Mathieu Kassovitza (1995), który śledzi losy trzech młodych przestępców na ulicach Paryża. We Włoszech, trzykrotnie nagrodzony Oscarem film Życie jest piękne (1997), komediodramat o żydowskim kelnerze, który dla dobra swojego małego syna traktuje ich pobyt w obozie koncentracyjnym jako część urodzinowego przedstawienia. Włoski reżyser Giuseppe Tornatore odniósł kolejny sukces z dramatem 1900: Człowiek legenda (1998), którego bohaterem był pianista, który urodził się na pokładzie zamorskiego statku i nigdy go nie opuścił. Hiszpania wyprodukowała wielu charakterystycznych filmowców - reżyser Pedro Almodóvar zyskał sławę dzięki melodramatycznym filmom Kwiat mego sekretu (1995), Drżące ciało (1997) czy Wszystko o mojej matce (1999), które traktowały głównie o procesach psychicznych kobiecych postaci, a reżyserzy Alejandro Amenábar (Otwórz oczy, 1997), Fernando Trueba (Dziewczyna marzeń, 1998) czy Julio Medem (Ruda wiewiórka, 1993, Ziemia, 1996 lub Kochankowie z kręgu polarnego, 1998).

Polski reżyser Krzysztof Kieślowski zyskał jeszcze większą sławę dzięki filmom Podwójne życie Weroniki (1991), nakręconą we Francji opowieścią o splecionych losach dwóch identycznych dziewczynek, oraz trylogią filmową Trzy kolory, podejmującą kolejno tematy „wolności, równości, braterstwa” i składającą się z filmów nazwanych wg kolorów francuskiej trójkolorowej flagi - m.in. Niebieski (1993), Czerwony (1994) i Biały (1994). Kino rosyjskie rozkwitło dzięki takim reżyserom, jak Pawieł Czuchraj (Złodziej, 1997), Nikita Michałkow, którego poetycko melancholijny, nagrodzony Oscarem dramat Spaleni słońcem (1994) rozgrywa się podczas stalinowskich czystek. Węgierski reżyser Béla Tarr poszerzył swoją filmografię o ponad siedmiogodzinną epopeję Szatańskie tango (1994) i Harmonie Werckmeistera (2000), z których oba słynęły z długich, hipnotyzujących ujęć i bogatych warstw interpretacyjnych. W Iranie pojawiło się nowe pokolenie filmowców, z czołowymi przedstawicielami tamtejszego kina, w szczególności Jafar Panahi (Biały balonik, 1995), Abbas Kiarostami (Smak wiśni, 1997), Majid Majidi (Dzieci niebios, 1997) czy Samira Makhmalbaf (Jabłko, 1998). Warto też wspomnieć o koprodukowanym w Niemczech filmie polskiej reżyserki Agnieszki Holland Europa Europa (1990), nagrodzony trzema Oscarami australijski dramat koprodukcji nowozelandzkiej reżyserki Jane Campion Fortepian (1993), nowozelandzki Niebiańskie istoty Petera Jacksona (1994), nagrodzony Oscarem czeski Kola Jana Svěráka (1996) czy brazylijski Dworzec nadziei Waltera Sallesa (1998).

 

Amerykańskie dramaty po 2000 roku

Początek nowego tysiąclecia upłynął m.in. pod znakiem walki z terroryzmem, szybkiego rozwoju technologii, rozprzestrzeniania się Internetu i sieci społecznościowych oraz obaw związanych z globalnym ociepleniem. Technologie cyfrowe stały się jeszcze bardziej rozpowszechnione niż w poprzedniej dekadzie, największe hity kasowe stały się w wielu przypadkach wieloczęściowymi seriami filmowymi, płyty DVD w pełni zastąpiły rynek kaset wideo (wraz z pojawieniem się płyt Blu-Ray i pierwszych dostawców filmów i seriali online), a wytwórnie filmowe zaczęły walczyć z nielegalnym pobieraniem filmów z Internetu. Temat terroryzmu przenikał wiele filmów, na przykład dramat Paula Greengrassa Lot 93 (2006) i film Olivera Stona World Trade Center (2006) były bezpośrednio inspirowane wydarzeniami związanymi z atakiem na budynki World Trade Center w Nowym Jorku w 2001 roku, a nagrodzony sześcioma Oscarami film Kathryn Bigelow The Hurt Locker. W pułapce wojny (2008) opowiadał historię grupy żołnierzy specjalizujących się w rozbrajaniu bomb, a późniejszy dramat tej samej reżyserki Wróg numer jeden (2012) obracał się wokół wojskowego uderzenia na terrorystę Usamę bin Ladina. Istotny wątek został również poruszony w nagrodzonym trzema Oscarami filmie Paula Haggisa Miasto gniewu (2004), traktujący o różnych formach rasizmu, oraz równie oscarowym filmie Anga Lee Tajemnica Brokeback Mountain (2005), dramacie o homoseksualnym romansie dwóch kowbojów.

Bardzo efektownym obrazem był m.in. Requiem dla snu autorstwa Darrena Aronofskiego (2000), który poprzez kilka historii portretował różne formy uzależnienia od narkotyków, natomiast później ten sam reżyser zwrócił na siebie uwagę dramatem romantycznym Źródło (2006) i dramatem sportowym Zapaśnik (2008). Reżyser Clint Eastwood odniósł sukces na Oscarach dramatem sportowym o zdeterminowanej bokserce Za wszelką cenę (2004), który zabłysnął w czterech kategoriach, a następnie zdobył spore uznanie swoimi późniejszymi dramatami Oszukana (2008) i Gran Torino (2008). Czterokrotnie nagrodzony Oscarem dramat Stevena Soderbergha, Traffic (2000), również zabłysnął na rozdaniu Oscarów a oparty był na walce z mafiami narkotykowymi, dwukrotnie nagrodzono dramat Paula Thomasa Andersona Aż poleje się krew (2007), epicką opowieść o awansie aspirującego potentata naftowego, oraz dwukrotnie nagrodzono dramat Lee Danielsa Hej, skarbie (2009), opowiadający historię nastoletniej czarnoskórej dziewczyny ze społecznie upośledzonego środowiska, która wchodzi w dorosłość.

Dramat romantyczny zdobywa trzy z 13 nominacji do Oscara Davida Finchera Ciekawy przypadek Benjamina Buttona (2008), przedstawiający historię mężczyzny, którego ciało z czasem odmłodniało z powodu rzadkiej choroby, a następnie zdobył osiem Oscarów Slumdog. Milioner z ulicy Danny’ego Boyle’a (2008), dramatu opowiadającego o życiu hinduskiego uczestnika konkursu naukowego. Po jednej statuetce otrzymały takie dramaty jak Czekając na wyrok Marca Forstera (2001), film opowiadający o relacjach między czarną wdową a rasistowskim strażnikiem więziennym, który asystował przy egzekucji jej skazanego męża, Godziny Stephena Daldry’ego (2002), opowiadający trzy powiązane ze sobą historie trzech kobiet z trzech różnych epok, czy Między słowami Sofii Coppoli (2003), filmu o samotności w obcym środowisku. Warto również wspomnieć o melodramacie Todda Haynesa Daleko od nieba (2002), dramat Woody’ego Allena Wszystko gra (2005) a Vicky Cristina Barcelona (2008), dramat Sama Mendesa o kryzysie małżeńskim Droga do szczęścia (2008), dramat sądowy o dawnej namiętności i procesach zbrodniarzy wojennych Lektor (2008), dramat rodzinny Mój przyjaciel Hachiko (2009) i dramat sportowy Tytani (2000), Rocky Balboa (2006) a Wielki Mike (2009).

 

Europejskie i pozaeuropejskie dramaty nowego tysiąclecia

Nowy nurt kina obudził się w Ameryce Łacińskiej wraz z brazylijskim reżyserem Fernandem Meirellesem (Miasto Boga, 2002) i meksykańskimi reżyserami Alfonsem Cuarónem (I twoją matkę też, 2001) i Alejandrem González Iñárritu, którzy po mozaikowym filmie Amores perros (2000) nakręcili podobnie skonstruowane dramaty w USA, czyli 21 gramów (2003) i Babel (2006). W Rumunii, po kilku latach postu kinowego, zaczęło pojawiać się nowe pokolenie filmowców, zwane Rumuńską Nową Falą, które skupiło się na minimalistycznych realistycznych historiach, bogatych w mocne dramatyczne sytuacje i zorientowanych na tematy społeczne i społecznie istotne. Reżyserzy, którzy odcisnęli największe historyczne piętno w tym kierunku to Cristi Puiu (Śmierć pana Lazarescu, 2005), Corneliu Porumboiu (12:08 na wschód od Bukaresztu, 2006), Cristian Mungiu (4 miesiące, 3 tygodnie i 2 dni, 2007) i Radu Jude (Najszczęśliwsza dziewczyna na świecie, 2009). We Francji stały się istotnymi osobistościami kinematografii dramatycznej François Ozon (Basen, 2003, 5x2, 2004), Laurent Cantet (Klasa, 2008) i Gaspar Noé, którego filmy Nieodwracalne (2002) i Wkraczając w pustkę (2009) były przedmiotem kontrowersji.

Spośród duńskich twórców na szczególną uwagę zasługuje Lars von Trier, który po stylowo minimalistycznych dramatach Dogville (2003) i Manderlay (2005), nakręcił kontrowersyjnego Antychrysta (2009), oraz reżyserka Susanne Bier, której filmy Bracia (2004) i Tuż po weselu (2006) stały się tematami późniejszych amerykańskich remake'ów. Wśród rosyjskich reżyserów wyróżniają się z kolei Andriej Konczałowski (Dom wariatów, 2002), Andriej Zwiagincew (Powrót, 2003, Wygnanie, 2007), Nikita Michałkow (Dwunastu, 2007) i Aleksandr Sokurow, którego Rosyjska arka ( 2002) został nakręcony w Muzeum Ermitażu w Petersburgu w jednym długim ujęciu. Austriacki reżyser Michael Haneke zdobył znaczne uznanie za swoje dramaty Pianistka (2001) i Ukryte (2005), a także za film Biała wstążka (2009), w którym opowiedział o złu tkwiącym w człowieku, patologicznych relacjach w społeczeństwie i narodzinach nazizmu na tle losów mieszkańców niemieckiej wioski. Belgijscy bracia Jean-Pierre i Luc Dardennowie odnieśli sukces swoimi dramatami Syn (2002), Dziecko (2005) i Milczenie Lorny (2008), podczas gdy hiszpański reżyser Julio Medem przebił się filmami Lucia i seks (2001) i Chaotyczna Anna (2007), zaś Pedro Almodóvar poszerzył swoją filmografię o dramaty Porozmawiaj z nią (2002), Złe wychowanie (2004), Volver (2006) i Przerwane objęcia (2009).

Reżyser Florian Henckel von Donnersmarck, odniósł sukces w Niemczech dzięki nagrodzonemu Oscarem filmowi Życie na podsłuchu (2006), który opowiadał historię gospodarstwa domowego dramaturga inwigilowanego przez reżim i tajnego policjanta, który został wysłany, aby go podsłuchiwać. Istotną osobowością filmu niemieckiego stał się również Fatih Akin, którego filmy Głową w mur (2004) i Na krawędzi nieba (2007) zostały osadzone w środowisku tureckich imigrantów, podczas gdy Fala Dennisa Gansela (2008) opowiadał o szkolnym eksperymencie, który wymknął się spod kontroli. Brytyjskie dramaty społeczne Billy Elliot (2000) i Vera Drake (2004) dotyczyły w pierwszym przypadku historii 11-letniego chłopca uczęszczającego na lekcje baletu, a w drugim - pełnych dobrych intencji działań nielegalnej aborcjonistki w powojennej Anglii. Ponadto zwrócić uwagę warto także na kontrowersyjny film Marzyciele włoskiego reżysera Bernarda Bertolucciego, szwedzki dramat Zło (2003) i czeskie filmy Musimy sobie pomagać (2000), Szczęście (2005) i Bracia Karamazow (2008).

 

Amerykańskie i brytyjskie utwory dramatyczne po 2010 roku

Duży wpływ na przemysł filmowy i system dystrybucji miało rozpowszechnienie i wzrost liczby platform streamingowych, takich jak VOD (Video on Demand), internetowych dostawców filmów i seriali, które umożliwiają widzom oglądanie wybranych przez nich treści audiowizualnych z szerokiej oferty. Nadawcy telewizyjni, ze swoimi stałymi harmonogramami, z kolei wyszli naprzeciw widzom, dodając możliwość ponownego obejrzenia i łatwego nagrywania, w czym pomogły inteligentne telewizory. Płyty Blu-Ray stały się godnymi konkurentami dla starszych płyt DVD, a w ciągu dekady zaczęto również wydawać filmy 4K Ultra HD, choć sprzedaż nośników fizycznych ogólnie spadła ze względu na rosnącą popularność usług streamingowych. Na przełomie dekady, począwszy od 2007 roku, modne stały się filmy 3D, ale były to głównie wysokobudżetowe hity kinowe i filmy animowane. Popularność niektórych filmów nadal prowadziła do produkcji wielu sequeli, remake'ów, rebootów i prequeli, a serie filmowe tworzące połączone ze sobą fikcyjne światy stały się nowym trendem. Dramaty stały się głównym nurtem pod względem oglądalności, a mimo to znacznie częściej pojawiały się na Oscarach i innych nagrodach filmowych niż jakikolwiek inny gatunek.

Los czarnych niewolników (Zniewolony. 12 Years a Slave, 2013, Harriet,2019), choroba Alzheimera (Motyl. Still Alice, 2014, brytyjski Ojciec, 2019) lub romans gejowski (Carol, 2015, Tamte dni, tamte noce, 2017). Służące (2011) poruszały temat dyskryminacji rasowej, trzema Oscarami nagrodzony film Witaj w klubie (2013) opisywały życie ludzi żyjących z AIDS, zdobywca dwu Oscarów Spotlight (2015) opowiadał historię dziennikarzy odkrywających przypadki księży molestujących seksualnie młodych chłopców, a Historia małżeńska (2019) to proceduralne spojrzenie na rozpad małżeństwa. Nominowany do sześciu Oscarów film  Danny’ego Boyle’a 127 godzin (2010) był dramatem survivalowym, którego bohater został uwięziony w skalnej otchłani, dramat Stevena Soderbergha Magic Mike (2012) rozgrywał się w środowisku klubu striptizowego, bohaterkami filmu Ukryte działania (2016) były kobiety zatrudnione w NASA, film Lenny’ego Abrahamsona Pokój (2015) opowiadał historię porwanej kobiety zmuszonej do wychowywania syna w jednym pokoju, a dramat społeczny Andreya Arnolda American Honey (2016) dla odmiany odwiedził społeczność domokrężnych sprzedawców prenumeraty czasopism. Brytyjski reżyser Ken Loach odniósł sukces na międzynarodowych festiwalach ze swoimi dramatami społecznymi Ja, Daniel Blake (2016) i Nie ma nas w domu (2019), które krytykowały marginalne sytuacje na rynku pracy.

Wyjątkowym wydarzeniem stał się dramat Boyhood Richarda Linklatera (2014), który był kręcony nieprzerwanie przez dwanaście lat z tymi samymi aktorami, którzy naturalnie starzeli się wraz ze swoimi postaciami. Nagrodzony trzema Oscarami dramat Davida Finchera The Social Network (2010) opowiadał o założeniu Facebooka, Czarny łabędź Darrena Aronofskiego (2010) opowiadała historię załamania psychicznego ambitnej baletnicy, a nagrodzone trzema Oscarami Operacja Argo (2012) Bena Afflecka z kolei skupiało się na osobliwej misji ratunkowej kilkudziesięciu zakładników podczas rewolucji islamskiej w Iranie. Wielokrotnie były nagradzane film Moonlight Barry’ego Jenkinsa (2016), a także Manchester by the Sea Kennetha Lonergana (2016), Pewnego razu w Hollywood Quentina Tarantino (2019) lub Nomadland z Chloé Zhao (2020). Po jednej statuetce przyznano filmom Blue Jasmine Woody’ego Allena (2013), Nić widmo Paula Thomasa Andersona (2017), który zachwycił również swoim dramatem psychologicznym Mistrz (2012), lub Małe kobietki Grety Gerwig (2019), z której dorobku warto wymienić także film Lady Bird (2017). Na Oscarach odniosły sukces także filmy sportowe Fighter (2010) i Moneyball (2011), jak też dramaty muzyczne Whiplash (2014) i Narodziny gwiazdy (2018). Nie można pominąć ani Wstyd Steva McQueena (2011) lub amerykańskie filmy Drzewo życia Terrenca Malicka (2011), Sierpień w hrabstwie Osage Johna Wellsa (2013), Wilk z Wall Street Martina Scorsesego (2013) lub Proces Siódemki z Chicago Aarona Sorkina (2020).

 

Europejskie i pozaeuropejskie dramaty po 2010 roku

Wielu znanych europejskich reżyserów nadal poszerzało swoje portfolio - Béla Tarr nakręcił jako swój całkowicie ostatni film Koń turyński (2011), Lars von Trier zajmował się w  Melancholii (2011) końcem świata, a następnie wywołał poruszenie najpierw z dwuczęściowym filmem Nimfomanka (2013), a następnie także z filmem Dom, który zbudował Jack (2018), Gaspar Noé podobnie zszokował świat dramatem erotycznym Love (2015), zaś Michael Haneke z kolei wyreżyserował dwa ściśle powiązane ze sobą dramaty, nagrodzoną Oscarem Miłość (2012) i Happy End (2017). Thomas Vinterberg pokazał niezwykłą formę z filmem Polowanie (2012) i nagrodzonym Oscarem Na rauszu (2020), Fatih Akin odniósł sukces z filmem dramatycznym W ułamku sekundy (2017), a spośród rosyjskich reżyserów Andriej Konczałowski odniósł największy sukces z filmem Białe noce listonosza Aleksieja Triapicyna (2014) a Andriej Zwjagincew z filmem Elena (2011), Lewiatan (2014) i Niemiłość (2017). Leos Carax wypłynął na szerokie wody filmem Holy Motors (2012), bracia Dardenne wzbogacili swoją filmografię m.in. dramatem Chłopiec na rowerze (2011) i Dwa dni, jedna noc (2014), François Ozon wzbogacił swój dorobek filmami Młoda i piękna (2013), Dzięki Bogu (2018) i Lato '85 (2020), zaś Pedro Almodóvar z kolei wyreżyserował doceniane filmy Julieta (2016) i Ból i blask (2019).

W Rumunii nawiązali do swojej twórczości reżyserzy Rumuńskiej Nowej Fali Cristian Mungiu (Egzamin, 2016), Cristi Puiu (Sieranevada, 2016) i Radu Jude (Nie obchodzi mnie, czy przejdziemy do historii jako barbarzyńcy, 2018). W Grecji, równolegle z kryzysem gospodarczym, pojawił się strumień docenianych na całym świecie filmów, które były absurdalnymi i dziwacznymi satyrycznymi obrazami wypaczonego ludzkiego społeczeństwa i dla których przyjęła się nazwa Dziwna Grecka Fala. Fala ta została zapoczątkowana przez filmy Attenberg reżysera Athiny Rachel Tsangari (2010) i Kieł Yorgosa Lanthimosa (2009), który dzięki swoim kolejnym filmom Alpy (2011), Lobster (2015) i Zabicie świętego jelenia (2017) stał się najbardziej rozchwytywanym greckim reżyserem. Filipiński filmowiec Lav Diaz znany jest z niezwykle długich i powolnych filmów Z tego, co było, po tym, co było (2014) i Kobieta, która odeszła (2016), a turecki reżyser Nuri Bilge Ceylan zasłynął swoimi dramatami Pewnego razu w Anatolii (2012), Zimowy sen (2014) i Dzika grusza (2018). Z chińskich dramatów warto obejrzeć Długa podróż dnia ku nocy (2018), który zawierał godzinną scenę 3D nakręconą w jednym ujęciu, oraz społecznie poważną sagę rodzinną Żegnaj, mój synu (2019), która podkreślała wady chińskiej rewolucji kulturalnej i polityki jednego dziecka. Wśród japońskich dzieł dramatycznych na uwagę zasługują filmy reżysera Hirokazu Koreedy, który przedstawił historie różnych rodzin w filmach Jak ojciec i syn (2013), Nasza młodsza siostra (2015), Po burzy (2016) i Złodziejaszki (2018).

Najbardziej udane filmy polskiego kina to Oscarem nagrodzona Ida (2013) i Zimna wojna (2018) w reżyserii Pawła Pawlikowskiego, a także dramat Corpus Christi (2019) Jana Komasy. We Włoszech z największe uznanie spotkało dwóch diametralnie różnych twórców - Paolo Sorrentina, który w nagrodzonym Oscarem filmie Wielkie piękno (2013) i Młodość (2015), zajmował się życiem elit, oraz Alice Rohrwacher, która w swoich dramatach społecznych Cuda (2014) i Szczęśliwy Lazzaro (2018) z kolei skupiała się na ludziach z niższych warstw społecznych. Szwecja odkryła Rubena Östlunda i jego cenione filmy Gra (2011), Turysta (2014) i The Square (2017), podczas gdy we Francji zabłysnął kanadyjski reżyser Xavier Dolan i jego dramaty Wyśnione miłości (2010), Na zawsze Laurence (2012), Mama (2014), To tylko koniec świata (2016) czy Matthias i Maxime (2019). Ponadto znaczący wpływ wywarły również francuskie filmy Życie Adeli (2013), 120 uderzeń serca (2017) lub Portret kobiety w ogniu (2019).

Do najlepszych irańskich twórców filmowych należą reżyserzy Asghar Farhadi (zdobywca Oscara za film Rozstanie z 2011 roku, a także oscarowy Klient z 2016 r.) i Jafar Panahi (Taxi-Teheran z 2015 r., Trzy twarze z 2018 r.). Wśród meksykańskich filmowców największe sukcesy odnieśli reżyserzy Alfonso Cuarón (Oscar Roma, 2018) i Carlos Reygadas (Post Tenebras Lux, 2012 i Nasz czas, 2018). Z niemieckiej kinematografii warto wspomnieć w szczególności o komediodramacie Toni Erdmann (2016), a także o filmie Droga Krzyżowa (2014), Obrazy bez autora (2018) i Błąd systemu (2019), natomiast z węgierskich filmów na szczególną uwagę zasługuje nagrodzony Oscarem dramat z holocaustu Syn Szawła (2015) i dramat romantyczny Dusza i ciało (2017). Nie można też zapomnieć na gruziński film Wyspa kukurydzy (2014), bułgarski Sława (2016), norweski Thelma (2017), południowokoreański Płomienie (2018), chilijskiego zdobywcę Oscara Fantastyczna kobieta (2017), kanadyjski Geneza (2018), islandzki Biały, biały dzień (2019), czeski Malowany ptak (2019), duńsko-szwedzki Królowa Kier (2019) lub norwesko-szwedzki Nadzieja (2019).

Filmmaniak