Animowany - Gatunki

Pochodzenie animacji i filmu

Termin animacja odnosi się do procesu sprawiania, że rzeczy wydają się poruszać. Jest to mechaniczna procedura, w której oglądamy sekwencję statycznych, ale nieznacznie różniących się klatek wyświetlanych w szybkim tempie, z bezwładnością ludzkiego oka dającą wrażenie płynnego ruchu. Animacja jest również podstawą filmu jako takiego, bo wykorzystuje ten sam efekt - poszczególne klatki odtwarzane są z prędkością, której ludzkie oko nie ma już szansy dostrzec, w efekcie czego odbieramy całą sekwencję jako ciągły ruchomy obraz.

Film animowany jest zatem rodzajem filmu, który jest tworzony poprzez pobieranie pojedynczych klatek, które często są precyzyjnie układane razem, aby uzyskać efekt animacji. Pierwotnie filmy animowane były tworzone przy użyciu ręcznych rysunków lub lalek, ale obecnie dominuje animacja komputerowa. Gatunek filmu animowanego opisuje przede wszystkim inną metodę tworzenia w przeciwieństwie do konwencjonalnych filmów fabularnych, a filmy animowane mogą zatem należeć do dowolnego innego gatunku - często są to bajki i baśnie lub filmy przygodowe i fantasy, jednak dramaty, filmy science fiction, komedie i musicale również mogą być animowane.

Przełomem w świecie animacji był wynalazek stroboskopu w 1832 roku, który tworzył iluzję ruchu podczas oglądania przez wąską sekcję obracającej się serii obrazów. Podobnie rewolucyjny był praksinoskop, wprowadzony w 1882 roku, który po raz pierwszy umożliwił wyświetlanie ruchomych obrazów na ekranie. Był to prekursor kinetoskopu, urządzenia do oglądania ruchomych obrazów, które zostało opatentowane przez Thomasa Edisona, oraz kinematografu, wynalezionego przez braci Lumière w 1895 roku, który dał początek samemu kinu. Do tego czasu animacja była wykorzystywana jako rodzaj rozrywki, do celów reklamowych i do produkcji zabawek optycznych. Po wynalezieniu filmu fabularnego została zaniedbana aż do 1908 roku, kiedy to J. Stuart Blackton wynalazł technikę animacji poklatkowej, czyli animacji tworzonej poprzez wykonanie serii zdjęć fotograficznych.

Początki amerykańskiej animacji

Jeszcze przed pierwszą wojną światową w USA dokonano kilku postępów technologicznych, takich jak mechaniczne drukowanie rysunków tła, co oznaczało, że tła nie musiały być za każdym razem przerysowywane, czy pomysł rysowania ruchomych postaci na przezroczystym celuloidzie (zwanym ultrafine), co również znacznie ułatwiło pracę z niezmiennym tłem. Rozkwit animacji nastąpił w okresie powojennym, kiedy to przemysł filmowy zaczął stawać się przemysłem, poszczególne dyscypliny wyspecjalizowały się, a podział pracy umożliwił szybsze i bardziej ekonomiczne tworzenie filmów. Zaczęły też powstawać pierwsze studia produkujące kreskówki. W tym czasie twórcami byli niezależni producenci, którzy sprzedawali prawa do swoich filmów dystrybutorom, którzy następnie włączali je do serii filmów krótkometrażowych wyświetlanych w kinach przed głównym programem. Za pierwszy film animowany, który przekroczył długość wszystkich animowanych filmów krótkometrażowych wyprodukowanych do tego czasu o około dziesięć minut, uważa się Zatopienie Lusitanii (1918) autorstwa rysownika Winsora McCaye’a (twórcy postaci dinozaura Gertie).

Filmy animowane były tworzone przy użyciu różnych technik, ale kluczowe znaczenie miało wprowadzenie technologii rotoscopingu, która umożliwiła wykorzystanie filmu fabularnego do przerysowania konturów postaci, pole po polu. Umożliwiło to uchwycenie postaci filmowych w znacznie bardziej naturalnym ruchu niż wcześniej. Twórca tej metody, Max Fleischer, zastosował ją w swojej serii krótkich filmów animowanych zatytułowanych Out of the Squid, w których występował klaun Koko i które odniosły sukces w latach dwudziestych XX wieku. W latach trzydziestych filmowiec wraz ze swoim bratem Davem wymyślił postacie marynarza Popeye’a i panny Betty Boop.

 

Pierwsze sukcesy Walta Disneya i Warner Bros.

Od 1919 roku młody Walt Disney próbował również zaistnieć w USA, ale jego podróż przez kilka nieudanych agencji animacji krótkometrażowych nie przyniosła owoców, dopóki on i jego brat Roy nie założyli Disney Brothers Studio, gdzie razem tworzyli seriale animowane dla dystrybutorów Warner Bros. i MGM. Ponieważ jednak nie mieli praw do animowanych postaci (w tym królika Oswalda), Walt Disney wymyślił własną postać, Myszkę Miki. Pierwsze dwa filmy z Myszką Miki nie odniosły sukcesu, ale potem wynaleziono film dźwiękowy, a trzeci film z Myszką Miki mógł już być filmem dźwiękowym. Nosił on tytuł Parowiec Willie (1928) i był przełomem dla Disneya, który wyniósł go na czoło świata animacji filmowej. Wizualnie fantazyjna i kapryśna seria Felix the Cat również odniosła sukces w latach dwudziestych XX wieku, ale nie przetrwała nadejścia filmu dźwiękowego, podobnie jak większość innych animowanych postaci z epoki niemej.

W latach 30. krótkie kreskówki stały się powszechnym składnikiem większości programów filmowych. Terrytoons było popularnym studiem animacji, którego najbardziej znaną postacią był Dzięcioł Woody. Następnie Warner Bros. założyło własne studio animacji, produkując serię Looney Toons, w której postacie takie jak Królik Bugs, Kaczor Daffy i Świnka Porky z czasem zyskały na popularności, jednocześnie starając się skierować część swojej produkcji do dorosłych odbiorców. Disney, który cieszył się popularnością dzięki swoim krótkometrażowym filmom z Mikim, Kaczorem Donaldem i Goofym, wydał pierwszy animowany film fabularny w historii - Królewna Śnieżka i siedmiu krasnoludków - w 1937 roku. Po tym ogromnym sukcesie w latach 40. osiągnął szczyt ówczesnych możliwości technologicznych dzięki filmom Pinokio (1940), Fantazja (1940), Dumbo (1941) oraz Bambi. W odpowiedzi na Disneya, bracia Fleischer stworzyli pełnometrażową animowaną adaptację Podróże Guliwera (1939), jednak nie udało im się osiągnąć tego samego rezultatu, co w wypadku Królewny Śnieżki.

 

Powojenny rozwój telewizji

W latach 40. popularność zyskała seria krótkich kreskówek slapstickowych, w których postacie kota Toma i myszy Jerryego rzucały się sobie do gardeł bez dialogów, ale z efektami dźwiękowymi i komicznie brutalnymi gagami. Okres związany z przebiegiem i następstwami II wojny światowej był świadkiem transformacji całego przemysłu filmowego (animacja była wykorzystywana do propagandy wojennej), a po wojnie Hollywood musiał również dostosować się do pojawienia się telewizji. Dlatego też wiele studiów przestawiło się na produkcję animowanych programów telewizyjnych. Nieprzejednane było tylko studio Disneya, które w latach 50-tych wyprodukowało takie filmy, jak Kopciuszek (1950), Alicja w Krainie Czarów (1951), Piotruś Pan (1953), Zakochany kundel (1955) i Śpiąca królewna (1959).

Jednak w połowie lat 60. główne studia całkowicie zaprzestały produkcji nowych animowanych filmów krótkometrażowych, a stare zostały całkowicie przeniesione na ekran telewizyjny. Zamiast tego zaczęto produkować seriale animowane zaprojektowane specjalnie dla telewizji, takie jak Flintstonowie, Miś Yogi lub Scooby-Doo: Gdzie jesteś?. Walt Disney wprowadził do kin filmy jak 101 dalmatyńczyków (1961), Miecz w kamieniu (1963) oraz Księga dżungli (1967), ogromny sukces przyniósł mu także nominowany do trzynastu Oscarów musical Mary Poppins (1964), który łączył animację i żywych aktorów. Nawiasem mówiąc, metoda ta pojawiała się sporadycznie we wczesnych dniach animacji filmowej (Alice in the Wooly West, 1926) i była wykorzystywana znacznie później (Kto wrobił królika Rogera, 1988).

 

Produkcja filmów dla dorosłych i upadek Disneya

Pod koniec lat 60. i na początku lat 70. różne wpływy doprowadziły również do tendencji do zwiększania produkcji filmów animowanych dla dorosłych, z filmami takimi jak Żółta łódź podwodna (1968), psychodelicznie ilustrujący piosenki Beatlesów, czy undergroundowy Kot Fritz (1972), który ze względu na przedstawienie atmosfery dekadenckiej moralności narkotyków i przypadkowego seksu, był pierwszym filmem animowanym w historii, który otrzymał ocenę X, która była przyznawana prawie wyłącznie pornografii. Twórca Kota Fritza, Ralph Bakshi, stał później za Wizards (1977), Ogień i lód (1983) i animowaną adaptacją Władcy Pierścieni (1978).

W latach siedemdziesiątych studio Disney, naznaczonych śmiercią Walta Disneya w 1966 roku, dystrybuowało serię stosunkowo mało znanych i niezbyt udanych filmów, w tym Aryskotraci (1970), Robin Hood (1973), Przygody Kubusia Puchatka (1977) i Bernard i Bianka (1977). Okres upadku trwał następnie do lat 80-tych, kiedy Disney wydał Lis i Pies (1981), a także Taran i magiczny kocioł (1985), który ze swoim ogromnym budżetem i niską sprzedażą ustanowił nowy rekord niepowodzeń. Finansową poprawkę przyniosły dopiero filmy Wielki mysi detektyw (1986) oraz Oliver i spółka (1988), a przede wszystkim Mała syrenka (1989), które pod względem reakcji publiczności przywróciły złoty okres Disneya z początku lat 40. i zapowiadały nową złotą erę lat 90. XX wieku, podczas której Disney wyprodukował niektóre ze swoich najsłynniejszych klasyków.

Główną konkurencją Disneya w latach 80. był niezwykle udany film Pradawny ląd (1988) wyprodukowany przez Stevena Spielberga oraz szereg seriali telewizyjnych, w tym Simpsonowie wyprodukowany przez Matta Groeninga w 1987 roku. W 1981 roku uruchomiono kanał kablowy MTV, który spopularyzował wiele animowanych teledysków. Animacja zaczęła pojawiać się również w reklamach (wiele programów dla dzieci w tamtym czasie działało jako reklamy zabawek, patrz Transformers, G.I. Joe i My Little Pony) i była wykorzystywana jako medium wspierające filmy fabularne. Krótki animowany klip z Królikiem Rogerem Tummy Trouble (1989) został wydany w kinach jako prequel do komedii familijnej Kochanie, zmniejszyłem dzieciaki (1989), a do musicalu Ściana (1982) wstawiono około 15 minut sekwencji animowanych, a wraz z rozwojem komputerów zaczęto stosować animację komputerową (w dużej mierze po raz pierwszy w filmie Tron (1982).

 

Złote lata dziewięćdziesiąte Disneya i dominacja Pixara

Disney rozpoczął okres renesansu w latach dziewięćdziesiątych, kiedy to powstał film Piękna i Bestia (1991, pierwszy film animowany w historii nominowany do Oscara w kategorii Najlepszy Film), Aladyn (1992) oraz Król Lew (1994) pobiły rekordy kasowe trzy razy z rzędu. Późniejsze filmy również zaliczają się do tego okresu Pocahontas (1995), Dzwonnik z Notre Dame (1996), Herkules (1997), Mulan (1998) i Tarzan (1999). Jedynymi wyjątkami są Bernard i Bianka w krainie kangurów (1990), który z kolei nieco upadł i spowodował, że od tego czasu Disney wydawał wszystkie swoje sequele tylko na wideo i DVD (aż do 2019 roku, kiedy to miał premierę film Ralph Demolka w internecie). Sukces Simpsonów przeniósł do świata telewizji seriale Miasteczko South Park, Głowa rodziny lub Futurama a seriale animowane odnosiły wielki boom także na telewizji kablowej Cartoon Network.

Animacja komputerowa zaczęła wysuwać się na pierwszy plan w latach 80-tych, ale dopiero w latach 90-tych naprawdę się rozwinęła. W 1986 roku Steve Jobs kupił od George’a Lucasa jego firmę technologiczną Graphics Group, którą przemianował na Pixar. Z czasem firma, która zajmowała się głównie sprzętem i oprogramowaniem do grafiki komputerowej, stała się studiem animacji, które wymyśliło krótkie trójwymiarowe filmy animowane, których głównym celem było początkowo zademonstrowanie możliwości grafiki komputerowej potencjalnym klientom. Filmy krótkometrażowe zostały następnie zauważone przez Disneya, który podpisał z Pixarem umowę na trzy filmy. Pierwszy z nich, Toy Story (1995), odniósł niesamowity sukces w kinach i zrewolucjonizował dziedzinę animacji.

W ciągu następnych dziesięciu lat Pixar wyprodukował pięć kolejnych filmów fabularnych, które zostały pokochane zarówno przez widzów, jak i krytyków. Filmy Život brouka (1998), Toy Story 2 (1999), Potwory i spółka (2001), Gdzie jest Nemo (2003) i Iniemamocni (2004) przyniosły Pixarowi reputację najlepszego studia animacji na świecie. Reputacja ta została potwierdzona w kolejnych latach przez Auta (2006), Ratatuj (2007), Wall-E (2008), Odlot (2009) oraz Toy Story 3 (2010). Jak na ironię, spadek jakości Pixara nastąpił dopiero po wykupieniu go w 2006 roku przez Disneya, który do tego czasu starał mu się niezbyt fortunnie konkurować z trójwymiarowymi filmami animowanymi Kurczak Mały (2005) lub Rodzinka Robinsonów (2007).

 

Rozwój innych studiów animacji

Sukces Disneya w animacji 3D rozpoczął się wraz z wydaniem filmów Piorun (2008) i Zaplątani (2010), przy czym do tego czasu odnosił większe sukcesy raczej wyłącznie na polu klasycznej animacji, która została wykorzystana w filmach Nowe szaty króla (2000), Atlantyda – Zaginiony ląd (2001), Lilo i Stitch (2002), Planeta skarbów (2002) czy Księżniczka i Żaba (od 2009 roku). Dużymi graczami na rynku filmów kreskówkowych byli także Blue Sky z filmami z serii Epoka lodowcowa (od 2002 roku) oraz Dreamworks z filmami Mrówka Z (1998), Książę Egiptu (1998) i Shrek (2001). W 2002 roku na Oscarach wprowadzono kategorię Najlepszy pełnometrażowy film animowany, a właśnie film Shrek, parodiujący bajkowe klisze, był pierwszym zwycięzcą.

Jednocześnie pierwsza dekada XXI wieku pokazała, że animacja 3D stanie się głównym nurtem w filmach animowanych. Po 2009 roku (po raz pierwszy z filmem Potwory kontra obcy), trójwymiarowe filmy animowane pojawiły się również w kinach w wersjach zaprojektowanych dla okularów 3D, zapewniając przestrzenne wrażenia podczas oglądania. Disney próbował odnieść sukces w latach 2011-2012, wznawiając dystrybucję niektórych starszych tytułów dodatkowo przekonwertowanych do 3D, ale ostatecznie nie było to posunięcie bardzo udane finansowo, więc strategia ta szybko przyniosła odwrotny skutek i od tego czasu tylko nowe filmy animowane są konwertowane do 3D.

Ponadto Disney dystrybuował w tym czasie również nowe filmy - m.in. Ralph Demolka (2012), Kraina lodu (2013) i Wielka Szóstka (2014) - a Pixar zrobił to samo z Meridą Waleczną (2012) i W głowie się nie mieści, Dreamworks wyrobiło sobie markę dzięki filmom Madagaskar (od 2005 r.), Kung Fu Panda (od 2008 r.) i Jak wytresować smoka. Studio Blue Sky odniosło sukces dzięki dwóm filmom o Rio (2011 i 2014), Sony dzięki serii filmów Hotel Transylwania (od 2012 roku), zaś studio Illumination Entertainment z serią filmów Jak ukraść księżyc (od 2012 r.). Warto również wspomnieć o studiu Laika i ich animacjach lalkowych poklatkowych, takich jak Koralina i tajemnicze drzwi (2009), Kubo i dwie struny (2016) czy Praziomek (2019).

 

Nietradycyjne produkcje animowane

Ponadto animacją zajmowali się tu i ówdzie twórcy tacy jak Tim Burton czy Wes Anderson, czyli twórcy głównie filmów akcji, znani z charakterystycznego stylu wizualnego. W rezultacie powstały między innymi filmy lalkowe Miasteczko Halloween (1993), Gnijąca panna młoda (2005), Fantastyczny Pan Lis (2009) oraz Wyspa psów. Dla odmiany, reżyser Robert Zemeckis, eksperymentował z technologią motion capture, która pozwalała mu rejestrować popisy ruchowe aktorów na komputerze, a następnie odwzorowywać je na animowanych modelach - w ten sposób Zemeckis wyreżyserował filmy takie, jak Ekspres polarny (2004) czy Opowieść wigilijna (2009). Kontynuatorami gatunku filmu animowanego dla dorosłych były Miasteczko South Park (1999) oraz Sausage Party (2016) czy lalkowa satyra Ekipa Ameryka: Policjanci z jajami (2004) i seriale Okropni Amerykanie (od 2010 r.), Rick i Morty (od 2013) lub BoJack Horseman (od 2014 r.).

Ponadto okres między 2010 a 2020 rokiem charakteryzował się napływem dużej liczby trójwymiarowych filmów animowanych z Europy, Azji, Afryki i Ameryki Południowej, które z różnym powodzeniem próbowały zaistnieć na tym rynku i dorównać najważniejszym studiom o ugruntowanej pozycji. A filmami tymi były Przygody Tintina (Paramount Pictures, 2011), LEGO® przygoda (Warner Bros, 2014), Zwierzogród (Disney, 2016), Coco (Pixar, 2017) czy Spider-Man Uniwersum (Sony, 2018). Do zagranicznych dystrybucji licznych krajów przedostawały się także pełnometrażowe filmy animowane z Rosji (Królowa Śniegu, 2012), Hiszpanii (Tedi i poszukiwacze zaginionego miasta, 2012), RPA (Kumba, 2013), Malezji (Rechotek, 2014), Luksemburgu (Riko prawie Bocian, 2017) lub Belgii (Corgi - psiak Królowej, 2019).

 

Europejska animacja

Jednak filmy animowane pojawiły się w krajach europejskich i na całym świecie znacznie wcześniej. W Europie animacja była wykorzystywana od lat trzydziestych XX wieku, zwłaszcza w pracach eksperymentalnych, które wykorzystywały fakt, że animacja nie pochłaniała zbyt dużych kosztów ani innych zasobów do produkcji. Większość europejskich animatorów gardziła klasyczną animacją rysunkową, kojarząc ją z orientacją rynkową Hollywood, a zamiast tego stosowała metodę animacji poklatkowej, tworząc iluzję ruchu poprzez sekwencyjne skanowanie poszczególnych okien. Animacja była wykorzystywana w reklamach i abstrakcyjnych filmach krótkometrażowych. W Wielkiej Brytanii z animacją eksperymentował na przykład reżyser Len Lye, który ręcznie malował bezpośrednio na taśmie filmowej.

Druga wojna światowa zwolniła rozwój animacji w Europie, ale kilka krajów Europy Wschodniej, takich jak Węgry, Bułgaria, a zwłaszcza Polska, stało się potęgami animacji w latach pięćdziesiątych i sześćdziesiątych. Pierwszym polskim filmem animowanym był Janosik (1954), którego autorzy Włodzimierz Haupe i Halina Bielińska zdobyli później nagrodę dla Najlepszego filmu krótkometrażowego na festiwalu w Cannes za film Zmiana warty (1959). Polscy animatorzy Jan Lenica i Walerian Borowczyk stworzyli krótkie filmy animowane charakteryzujące się pesymistyczną i surrealistyczną atmosferą takie, jak Dom (1958). W drugiej połowie XX wieku najwybitniejszymi postaciami polskiej animacji byli twórcy Mirosław Kijowicz, Daniel Szczechura i Stefan Schabenbeck. Zbigniew Rybczyński zdobył Oscara za Krótkometrażowy film animowany Tango (1981), a także dzieło reżysera i animatora Piotra Dumały Wolność nogi (1989) czy Zbrodnia i kara (2000) miały duże znaczenie.

Za założyciela węgierskiej animacji uważany jest Istrán Kiszly Kató, dzięki któremu krótkie filmy animowane są produkowane na Węgrzech od 1914 roku. W latach 50. na Węgrzech powstało studio animacji Pannonia, które w latach 60. zyskało międzynarodowy rozgłos. Węgierski serial telewizyjny Gustavus został sprzedany do ponad 70 krajów w drugiej połowie lat 60-tych. Innym ważnym węgierskim animatorem był Marcell Jankovics, który odniósł sukces w Cannes swoim filmem krótkometrażowym Walka (1977), a nad filmem Tragedia człowieka (2011) pracował przez ponad dwadzieścia lat. W Bułgarii animacja rozwijała się od lat 60. dzięki Sofia Studio. W kolejnych dekadach w Bułgarii powstało wiele krótkometrażowych animowanych filmów artystycznych. Jednak przejście od projektów mocno autorskich do animacji skierowanych do szerszej publiczności miało miejsce na Węgrzech i w Bułgarii w większym stopniu praktycznie dopiero na przełomie tysiącleci.

 

Animacja we Francji

Francja zawsze miała uprzywilejowaną pozycję w europejskiej animacji, z jedną z najdłuższych historii animacji na świecie, sięgającą końca XIX wieku - wynalazcą wspomnianego we wstępie praksinoskopu był Francuz Charles-Émile Reynaud. Pierwszym francuskim pełnometrażowym filmem animowanym stał się w 1930 roku film Opowieść o lisie. Film doczekał się niemieckiej ścieżki dźwiękowej siedem lat później i francuskiej w 1941 roku. W 1965 roku nakręcił swój pierwszy animowany film krótkometrażowy wielokrotnie nagradzany reżyser Jean-Francois Laguionie, twórca filmów nakręconych wiele lat później Obraz (2011) lub Podróż księcia (2019). W 1967 roku we Francji wyprodukowano również serię filmów o Asteriksie, Asterix Gall, opartą na słynnym komiksie, którego pierwsza część została zrealizowana bez wiedzy autorów komiksu Renégo Goscinnyego i Alberta Uderzy - którzy następnie wyreżyserowali kolejny film z serii, zatytułowany Asterix i Kleopatra (1968).

Na uwagę zasługuje również francuski animowany film science fiction Dzika planeta (1973), animowany w Czechosłowacji, którego twórca René Laloux wyreżyserował później filmy Time Masters (1982) lub Gandahar (1988). W telewizji francuskiej były popularne seriale animowane Inspektor Gadżet (od 1983 r.) czy inspirowany belgijskim komiksem Przygody Tintina (od 1990 roku). Dużym przełomem w dziedzinie francuskiej animacji filmowej był film Trio z Belleville (2003), który był nominowany do dwóch Oscarów - za najlepszy film animowany i najlepszą piosenkę - a którego reżyser Sylvain Chomet odniósł później sukces także z filmem animowanym Iluzjonista (2010). Inne filmy nominowane do Oscara to m.in. Persepolis (2007), Kot w Paryżu (2010) czy Zgubiłam swoje ciało (2019), ale warto wspomnieć między innymi o niezwykle udanych filmach Mały Książę (2015), filmie przygodowym Daleko na północy (2015) czy trylogii Luca Bessona Artur i Minimki (od 2006).

 

Brytyjska animacja i sukces modelu

Pierwszym brytyjskim pełnometrażowym filmem animowanym była satyryczna Folwark zwierzęcy z 1954 roku, bajka krytykująca komunizm i dyktaturę, która doprowadziła w kraju do pierwszego wprowadzenia szeregu zawodów związanych z animacją filmową. Wielki sukces międzynarodowy odniósł również film Wzgórze królików (1978). Jednak dopiero dzięki Aardman Animations, studiu wykorzystującemu animację poklatkową i plastelinowe figurki, Wielka Brytania zapisała się w historii gatunku animacji filmowej.

Reżyser Nick Park przedstawił modelinową lalkę Wallace'a i jego psa Gromita i nakręcił z nimi film krótkometrażowy Podróż na Księżyc (1989). Kiedy nakręcił film z tymi samymi postaciami Wściekłe gacie (1993) i zdobył za niego Oscara, studiu w końcu udało się zebrać wystarczające fundusze na film pełnometrażowy. Był to Uciekające kurczaki (2000), a następnie także Wallace i Gromit: Klątwa królika (2005), para filmów z postacią owcy Shaun ( Baranek Shaun od 2015 i Baranek Shaun. Farmageddon z 2019 roku) czy Artur ratuje Gwiazdkę (2011), które zostały stworzone przy użyciu standardowej trójwymiarowej animacji komputerowej.

 

Tradycja animacji lalkowej w Czechosłowacji

W porównaniu z Francją czy Wielką Brytanią, czechosłowacka animacja ma długą historię pracy z lalkami. Pierwsze studia filmowe zajmujące się produkcją filmów animowanych w Czechosłowacji zostały założone w 1939 roku w Zlinie pod nazwą FAB - Filmové Ateliéry Baťa, które pierwotnie zostały zbudowane w celu tworzenia reklam. Pierwszy czechosłowacki krótkometrażowy film animowany Ferda Mravenec (1944) był również filmem lalkowym i został nakręcony przez pracownika zlińskich studiów, Hermínę Týrlową. Jej drugim doświadczeniem z filmem była animacja w filmie Bořivoja Zemana Sen wigilijny (1945), przy którym współpracowała z Karlem Zemanem, który dołączył w 1942 roku jako jej asystent. To właśnie Karel Zeman stał się później jedną z czołowych postaci czeskiej animacji dzięki swoim filmom fabularnym Wyprawa w przeszłość (1955), Diabelski wynalazek (1958), Przygody Münchhausena (1961) czy Skradziony balon (1966), w których łączył żywych aktorów z elementami animowanymi i animacją lalkową, a także filmami czysto animowanymi, takimi jak  Krabat - Uczeń czarnoksiężnika (1977) czy Janek i Marzenka (1980).

Filmy animowane w Czechosłowacji były wykorzystywane głównie w serialach telewizyjnych dla dzieci. Począwszy od lat pięćdziesiątych XX wieku wyprodukowano szereg krótkich seriali animowanych, które od 1965 roku zostały zgrupowane w programie dla dzieci Večerníček. Najbardziej znanym z nich jest prawdopodobnie serial Krecik (od 1957 roku), w którym animator Zdeněk Miler stworzył postać kreta, który później stał się symbolem czeskiej animacji. Inne popularne animowane bajki na dobranoc to m.in. Bajki z mchu i paproci (od 1968), Na návštěvě u Spejbla a Hurvínka (1972), Wspaniały pies Fik (od 1975), Sąsiedzi (od 1976), Bob i Bobek (od 1979) lub Pohádky o mašinkách (1987).

Inną ważną postacią czechosłowackiego filmu animowanego był Jiří Trnka, wszechstronny artysta, który współpracował z Teatrem Narodowym jako scenograf i projektant kostiumów. Później zaczął projektować kostiumy także dla filmowców, po czym w 1945 roku założył studio animacji Bratři v triku, a w 1947 roku stworzył także studio filmów lalkowych. Szczególną sławę przyniosły mu filmy lalkowe Bajaja (1950), Stare czeskie legendy (1952) oraz Sen nocy letniej (1959). Pomysłową animacją poklatkową zasłynął Jan Švankmajer, który wykorzystywał lalki, maski i elementy animowane w swoich surrealistycznych, stylizowanych filmach fabularnych Coś z Alicji (1988), Lekcja Fausta (1994), Spiskowcy rozkoszy (1996) czy Mały Otik (2000).

 

Rozwój animacji w innych krajach europejskich

W innych krajach europejskich tylko kilka studiów animacji działało mniej więcej od lat 70. XX wieku, kiedy to produkowano animowane seriale telewizyjne dla dzieci, których producenci często mogli współpracować z animatorami z Japonii - np. Pszczółka Maja (1975). Krótkie filmy animowane niezależnych twórców pojawiały się na festiwalach filmowych, często na przykład filmy wyprodukowane w Związku Radzieckim. Z biegiem czasu wiele krajów zdołało ugruntować swoją pozycję na rynku animacji i przeciwstawić się międzynarodowej konkurencji dzięki wyróżniającym się i indywidualnym tytułom, jak np. Walc z Baszirem (Izrael i Francja, 2008), Twój Vincent (Polska, 2017) lub Klaus (Hiszpania, 2019). Irlandzkie animowane filmy fantasy, autorstwa Tomma Moore’a, również odniosły międzynarodowy sukces. Chodzi tu o filmy Sekret księgi z Kells (2009), Sekrety morza (2014) oraz Sekret wilczej gromady (2020), które były inspirowane mitologią irlandzką i celtycką.

Tradycja czechosłowackiej animacji lalkowej była kontynuowana w Czechach po przełomie tysiącleci m.in. przez trio filmów krótkometrażowych opartych na zbiorze baśni Jana Wericha zatytułowanym Fimfárum Jana Wericha (od 2002 roku) oraz w twórczości animatora Jana Baleja, autora filmów Pewnej nocy w pewnym mieście (2007) i Maleńka ze sklepu rybnego (2015). Ponadto w czeskiej animacji od tego czasu widać również starania, aby dorównać zagranicznej animacji 3D, zwłaszcza w filmach Kozula Spryciula (2008), Niedoparki (2016) czy Magiczne muzeum(2017). Niestandardową pozycję wśród czeskich filmów zajmował film komiksowy Alois Nebel (2011), który został stworzony przy użyciu wcześniej wspomnianej metody rotoscopingu, w której cały film został najpierw nakręcony z żywymi aktorami, a następnie ręcznie przerysowany pole po polu, po czym zmontowany komputerowo. W podobny sposób powstały amerykańskie filmy Richarda Linklatera Życie świadome(2001) i Przez ciemne zwierciadło (2006).

 

Japońskie anime

Japońscy animatorzy mają również szczególne znaczenie w animacji, ponieważ z powodzeniem stworzyli swój własny charakterystyczny styl animacji ręcznej, znany jako anime. Ze względu na brak metod animacji, został on stworzony z naciskiem na walory artystyczne obrazu, a nie na jego ruch - na przykład często zwracano dużą uwagę na tła, które pomagały kształtować ogólną atmosferę poprzez ich dopracowanie i szczegółowość. Pierwszym pełnometrażowym filmem anime był film wojenny Momotaro‘s Divine Sea Warriors z 1945 roku, sponsorowany przez Japońską Cesarską Marynarkę Wojenną. Produkcje anime były emitowane w telewizji od wczesnych lat 60. i w tym samym czasie trafiły na rynki zagraniczne. Niektóre dzieła zostały stworzone z bezpośrednim zamiarem trafienia na ekrany amerykańskiej telewizji, takie jak serial Astro Boy(od 1963 r.), Czarodziejka Sally (od 1966) lub Speed Racer (od 1967 roku). Z kolei w Japonii istniał już bardzo popularny serial Sazae-san, który był emitowany nieprzerwanie od 1969 roku i z ponad 7 500 odcinkami został wpisany do Księgi Rekordów Guinnessa jako najdłużej emitowany serial w historii (produkcję nowych odcinków przerwała dopiero w 2020 roku epidemia koronawirusa).

W latach 70. w Japonii nastąpił wzrost popularności komiksów manga, które wzbogaciły anime o pewne typowe cechy i gatunki oraz wprowadziły je do sztuki współczesnej. Niezwykły dla zagranicznej publiczności był na przykład podgatunek zwany mecha, w którym występowały gigantyczne roboty, lub hentai, który obracał się wokół tematów erotycznych i pornograficznych. Następnie w latach 80. anime stało się głównym nurtem i przeżyło ogromny boom, napędzany tworzeniem ogromnej liczby tytułów. W latach 90. filmy anime zaczęły być szeroko rozpowszechniane na rynkach zagranicznych. Klasykami stały się Akira (1988), Ghost in the Shell (1995) czy Perfect Blue (1998), ale największą legendą wśród twórców było Studio Ghibli i jego główny przedstawiciel  Hajao Miyazaki, który wyreżyserował m.in. Nausicaä z Doliny Wiatru (1984), Mój sąsiad Totoro (1988), Szkarłatny pilot (1992) oraz Księżniczka Mononoke(1997), a także Spirited Away: W krainie Bogów (2001), za który otrzymał Oscara.

Inni japońscy filmowcy, których nie można pominąć to Mamoru Hosoda, który stał za takimi filmami jak Summer Wars (2009) i Wilcze dzieci(2012), Shigeyuki Hayashi, twórca filmów Galaxy Express 999 (1979), Isao Takahata, który wyreżyserował Grobowiec świetlików (1988) oraz Szopy w natarciu (1994),  Jošiaki Kawadžiriz jego filmami Wicked City (1987), Ninja Scroll (1993) czy Vampire Hunter D (2001) lub Makoto Šinkai, którego film Your Name (2016) stał się wówczas najlepiej zarabiającym filmem anime wszech czasów, wyprzedzając Spirited Away: W krainie Bogów. Długotrwałe popularne serie anime obejmują Dragon Ball (od 1986 roku), One Piece (od 1999 roku), Pokémon (od 1997 roku), Naruto (od 2002 roku), Stalowy alchemik (od 2003 roku), Notatnik śmierci (od 2006 roku) i Attack on Titan (od 2013 roku).

Filmmaniak